LIEBSTER AWARDS (2016)

Por primera vez, ha llegado a nosotros el Liebster Award y todo ello gracias a La Guarida del Cine al incluirnos en su lista de nominados. Sin duda, estamos ante una iniciativa de lo más interesante al facilitar el acercamiento entre blogs y, sobre todo, dar a conocer a todos aquéllos que acaban de empezar. Un fantástico empujón para seguir afrontando con ilusión este proyecto y ofreciendo lo mejor de lo mejor.

RECUERDOS DEL AYER (2015)

Que una cámara pueda registrar tu propia historia, volver a repetir ciertos capítulos de tu vida hasta la extenuación, rememorar los hechos tal cual sucedieron, suena a una mágica herramienta de doble filo. El torbellino de emociones que se manifiestan al repasar nuestros recuerdos convierten cada experiencia en irrepetible, pero, con el paso del tiempo, la nostalgia cada vez está más presente en nuestra memoria. Explorar en el presente para evocar el pasado es una de las ideas que fluía en la mente de la directora noruega Aslaug Holm cuando decidió ser una espectadora más de las vidas de sus dos hijos durante 8 años de rodaje para finalmente crear su obra “Brothers”. Lo que simplemente partió como una excusa para atrapar lo que en un futuro serían recuerdos, no tardó en convertirse en un proyecto simplemente observacional que desprende existencialismo a cada instante.

El transcurso del tiempo se refleja en Markus Holm Buvarp y su hermano pequeño, Lukas, en los constante cambios, no sólo físicos, que les lleva a modificar su personalidad y gustos, en ocasiones, de forma radical, pero siempre permaneciendo intacta esa fuerte conexión fraternal que se respira entre ambos. El primer día de colegio, las travesuras, los amigos, el fútbol, la música, las decisiones, los deseos, la estética, el primer beso, las risas, los enfados y su madre, siempre a su lado con cámara en mano hasta, incluso, llegar al hartazgo. Su inocencia poco a poco se va apagando para dar paso a una madurez en la que la autora ve cómo irremediablemente se distancian de ella. Durante los casi 110 minutos de metraje, Holm nos invita a experimentar con la observación para crear nuevos pensamientos, reflexiones sobre nuestra propia vida enfocadas a través de la juventud de dos niños y acompañadas por su propia voz en off.

MEMORIA E IDENTIDAD (2015)

Una de las misiones que posee el género documental y que, por tanto, le convierten en un tipo de cine más cercano y especial, es la de dar voz a quienes no la poseen, hacer visible todo lo que desconocemos, las realidades que se esconden tras la información generalizada de los medios de comunicación. Una plataforma que sigue conquistando lentamente, a pesar de merecer un mayor espacio en las carteleras nacionales. “District Zero” es un ejemplo más de ello, una pequeña ventana que nos ofrece una mirada a lugares que siguen resultando lejanos, pero que guarda una meta de gran valor. La pieza, estrenada en el Festival de San Sebastián en 2015 y realizada por los directores Jorge Fernández Mayoral, Pablo Tosco y Pablo Iraburu, forma parte de “EUsaveLIVES-You Save Lives”, una iniciativa llevada a cabo por la Dirección General de Ayuda Humanitaria y Protección Civil de la Comisión Europea y Oxfam Intermón en la que se muestra el día a día del segundo campo de refugiados más grande, el de Zaatari, situado en Jordania.

Maamun Al Wadi es un refugiado sirio que posee una pequeña tienda dentro de la zona. En ella vende móviles, tarjetas de memoria, baterías, hace recargas, repara los dispositivos y lleva a cabo todo lo necesario para que esas 82.000 personas puedan estar en contacto con el exterior. Ahora, se plantea la posibilidad de salir del campo y comprar en la ciudad más próxima una impresora fotográfica para que los recuerdos de sus paisanos puedan estar más cerca de ellos. A través de sus ojos, se registran las historias de quienes dejaron atrás a sus seres queridos y se encuentran en una especie de limbo del que sienten no formar parte, pero que necesitan para poner a sus familias a salvo de la propia codicia y odio que el ser humano ha generado.

RETRATOS CON ALMA (2014)

No son pocas las películas que se han dedicado a retratar lo acontecido durante la Segunda Guerra Mundial desde diferentes puntos de vista, pero es verdad que todas ellas abarcan una parte de la historia que todavía es cercana en el tiempo y que de una u otra manera nos ha obligado a tener presentes los límites de violencia y crueldad que traspasó el ser humano. Con el holocausto judío y la presencia del nazismo en el centro de Europa y parte del este, hemos conocido tremendas barbaries, pero pocos testimonios nos han llegado más allá de esas fronteras. En 1941, Estonia vio como sus ciudadanos eran expulsados de sus tierras y destinados a distintas zonas de Siberia por mandato de Stalin y con el único fin de controlar revueltas de la zona. Los campos de trabajo forzaron a la población hasta la extenuación, dando lugar al genocidio soviético que ha permanecido a la sombra de la figura de Hitler.

Sin duda, estos hechos apenas han sido representados a través del cine, pero para autores como el debutante Martti Helde es la mejor opción para reclamar un maravilloso homenaje a las más de 40.000 víctimas de tal desgracia y todo ello gracias a su primer largometraje, “In The Crosswind”. Tras varios cortos en su carrera, arriesga con un trabajo de excelente potencial en el que retrata el suceso a partir de los recuerdos de Erna Tamn, una mujer que experimentó en su propia piel tal calvario y que pudo expresarlo con la palabra escrita. Tal registro de cartas compone una especie de sinfonía poética para describir la tragedia. Ese pasado llega a nuestros días con Erna (Laura Peterson), una joven estudiante de filosofía que está felizmente casada con Heldur (Tarmo Song), con el que tiene una hija, Eliide (Mirt Preegel). Su tranquilidad se ve perturbada cuando el ejército soviético obliga a la familia a exiliarse a Siberia. Para ello, son separados y transportados en trenes hacia lo desconocido. La supervivencia cada vez es más complicada, pero Erna mantiene la esperanza de regresar a su hogar y poder ver a su esposo.

A LA SOMBRA DE LA HISTORIA (2015)

En 2009, el director alemán Werner Herzog decidió tomarse un respiro de la ficción y volver al género documental con “Happy People: A Year in the Taiga” (2010), un bello retrato helado de los cazadores siberianos que daría paso a 5 piezas más, cada una de ellas enfocada a cuestiones como el arte pictórico rupestre, las penas en una cárcel de máxima seguridad, que, incluso, daría para una miniserie de 4 episodios; o sobre las consecuencias del teléfono móvil. Una etapa que se cierra nuevamente con la creación del biopic de Gertrude Bells, “La Reina del Desierto”, una obra presentada en el Festival de Berlín de 2015 que supone, para el autor, la primera incursión de una protagonista femenina en una de sus películas.

No se trata de una mujer cualquiera. En esta ocasión, la heroína fue una importante escritora, antropóloga y exploradora que formaría parte de la historia del siglo XX, a pesar de mantenerse a la sombra del famoso Lawrence de Arabia. La película centra su trama en la toma de conciencia y el impulso de libertad que siente la joven, momento en el que Gertrude (Nicole Kidman) decide visitar los últimos resquicios del Imperio Otomano y cruzar el desierto para conocer de cerca a los beduinos, una idea impulsada por su primer amor, el secretario de la embajada británica en la antigua Persia, Henry Cadogan (James Franco); respaldada por el coronel Charles Doughty-Wylie (Damian Lewis), con quien tendrá un pequeño affair; y admirada por el pretencioso militar Thomas Edward Lawrence (Robert Pattinson).

Pese a las exquisitas aventuras que se desprenden de la vida de tan única mujer, el autor no logra transmitir un mínimo atractivo por la trama, que, por desgracia, cae en las redes del melodrama, cediendo el mayor tiempo al romance y sentimentalismo y dejando a un lado lo que realmente podría haber proporcionado más encanto y fascinación a la mente del espectador, como es su apetecible viaje por tan áridas tierras y las experiencias que de él se desprendieron. Los forzados momentos entre Bells, Cadogan y, en especial, Doughty-Wylie hacen que el ritmo caiga por completo, a pesar de que el amor sea una pieza clave en las decisiones que tomó la exploradora. La falta de riesgo por parte de Herzog le pasa factura en una historia que, de haberse aprovechado en condiciones, podría haberle sacado un gran potencial.

DESTRUIR PARA CREAR (2015)

Uno nunca sabe cómo evitar los obstáculos de esta vida, cómo no tropezar con las piedras puestas en el camino. El ser humano tampoco está preparado de antemano para superar las desgracias, sino que, una vez suceden, cada persona responde de forma inesperada, ya sea poniéndose en manos de un profesional, acudiendo a sus más allegados para desahogarse o cerrarse en sí mismo con el fin de pasar el mal trago cuanto antes. La muerte es el hecho más seguro, lo que sabemos que sucederá tarde o temprano, pero nadie está capacitado para enfrentarse a ella. Es imposible superar la pérdida de un ser querido, sino que tan sólo nos queda aprender a vivir con su ausencia e ir restaurando la rutina poco a poco.

Con esta premisa se construye "Demolición", del director canadiense Jean-Marc Vallée, que sigue profundizando en la sensibilidad de las emociones, en historias humanas de contenido reflexivo y gran calado. El misticismo romántico de “Café de Flore” (2011) y la oscarizada “Dallas Buyers Club” (2013) dieron paso a una etapa en la que el autor prefiere experimentar con la fortaleza de sus protagonistas. Si con “Alma Salvaje” (2014) veíamos cómo Cheryl Strayed (Reesse Witherspoon) se refugiaba en la naturaleza tras su divorcio y el fallecimiento de su madre, en “Demolición” se pasa el testigo a Davis Mitchell (Jake Gyllenhaal), un ejecutivo de éxito que trabaja para su suegro, Phil (Chris Cooper), y que, inesperadamente, ve cómo su día a día se quiebra en el instante en el que se entera de que su esposa, Julia (Heather Lind), tiene un fatídico accidente de tráfico. Con los sentimientos a flor de piel, acaba peleándose en el hospital con una máquina de refrescos que se queda con su dinero, por lo que decide ponerse en contacto con la compañía y poner una queja. Así es como conoce a Karen (Naomi Watts), que atiende el teléfono de la empresa y que recibe sus cartas de protesta; y a su hijo Chris (Judah Lewis), en quien encontrará una amistad y apoyo que otros no son capaces de brindarle.

YAKUZAS, VIOLENCIA Y CINTAS DE VIDEO (2013)

Bien es sabido que el cine asiático siempre nos ha mostrado algo diferente. Ese toque de bella rareza que hace pensar que no sabes si estás viendo una comedia, un drama o gore. El famoso director japonés Sion Sono resulta ser de esos viejos cineastas que hace lo que les da la real gana independientemente del género en el que se embarque y, a pesar de ello, consigue valiosos premios y una gran atención. Después de todo, ¿quién no ha tenido la tentación de tomar una cámara y hacer películas, tal y como hacen los protagonistas de "Why Don't You Play In Hell?", trabajo con el que el autor logró alzarse con el premio del público en el Festival de Toronto.

Desde hace muchos años existe una gran rivalidad entre Ikegami (Sinichi Tsutsumi) y Muto (Jun Kunimura), pero todo se complica aún más desde que Ikegami se enamoró de la hija de su enemigo, Himizu (Fumi Nikaido). El enredo no se hace esperar, viéndose involucrados el tímido Kouji (Gen Hochino) y Hirata (Hiroki Hasegawa), un director de cine bastante peculiar. Un simple entretenimiento que, con grandes dosis de humor, contiene una mordaz crítica a la industria cinematográfica independiente y todo lo que gira a su alrededor. El autor, que ha tardado nada menos que 20 años en llevar a cabo este proyecto, inicia esta historia con un anuncio publicitario para preparar una premisa trepidante que gira en torno a la comedia, el drama y el romance, pero que contiene litros y litros de sangre y emocionantes peleas con pistolas y katanas en mano que, cómo no, recuerdan al cine ligero de épocas anteriores. 

Son infundadas las comparaciones con otros cineastas contemporáneos como Quentin Tarantino o Takashi Miike porque los trabajos de Sono hace tiempo que tienen un estilo original y eso se aprecia claramente en esos diálogos tan inteligentes en situaciones irreales, con los cuales es imposible no reír. Aunque en algunos momentos no lo parezca, ésta no es una tragedia, porque hacer cine nunca debe de ser un sufrimiento. "Why Don't You Play In Hell?" es un sentido homenaje al séptimo arte por parte de un director imprescindible que es capaz de recrear diferentes texturas, generar vueltas de tuerca constantemente y plasmar los delirios del gore más desenfrenado.