UN VIAJE ALUCINANTE (2009)

Pocas películas comienzan con su protagonista muerto en sus primeros minutos y que, a partir de ahí, surja un viaje astral a través de toda una megalópolis tan brillante, artificial y oscura. Odiada y menospreciada por la crítica durante años, “Enter The Void” (y a su realizador y guionista, el argentino Gaspar Noé) se convirtió en una de esas cintas de cine maldito en la que todos los improperios se centran en decir que le sobra metraje. El público y la prensa especializada ya sabía a qué se atenía conociendo la obra previa del autor. Eso es lo esencial para enfrentarse a un trabajo de este director, saber que no se corta un pelo a la hora de poner escenas duras en pantalla o, mejor dicho, abordar éstas de una manera que a otro cineasta ni se le pasaría por la cabeza. Y es de agradecer que, hoy en día, algunos pocos se atrevan a arriesgar y a enriquecer el mundo del séptimo arte.

Antes de enfrentarse a este largometraje tan complicado y diferente, es necesario dejar a un lado nuestra mente para disfrutar del curioso juego propuesto a través de un ejercicio cinematográfico sin igual que reclama más que atención por parte del espectador. El autor lanza su propia autoría contra la pantalla a través de letreros luminosos con los que presenta poco a poco a su indispensable equipo. Tan rompedor comienzo nos desvela la historia de Oscar (Nathaniel Brown) y Linda (Paz de la Huerta), dos hermanos norteamericanos que residen en la inmensa ciudad de Tokio. Él trafica con drogas, mientras que ella es una stripper en un club nocturno. Pronto sus vidas darán un giro cuando Oscar se ve envuelto en un altercado y fallece tras ser disparado por la policía.

UN ASESINO ENTRE... ¿TOROS? (2015)

Hacía mucho tiempo que no veíamos a Sean Penn protagonizando alguna película, por lo que da la sensación de que dedica más tiempo a su carrera como director que, por cierto, no lo hace nada mal. En esta ocasión, el actor ha querido probar suerte en el género de ación y thriller con el papel protagonista en el trabajo del francés Pierre Morel, “Caza al Asesino”. Un largometraje que parte de una idea interesante, un elenco actoral de lujo y los medios necesarios para ser todo un taquillazo, pero aquellas pretensiones se han quedado sobre papel mojado.

Jim Terrier (Sean Penn) es un mercenario que lleva a cabo un importante atentado en la República Democrática del Congo, hecho que le obliga a abandonar a su pareja, Annie  (Jasmine Trinca), que se queda en compañía de uno de sus amigos, Félix (Javier Bardem). Después de ocho años, ha dejado su anterior vida para colaborar en una ONG, pero es atacado por un grupo que intenta a toda costa matarle. Terrier cree haber sido traicionado por la organización en la que participaba, por lo que intentará averiguar quién pretende deshacerse de él.

No estamos acostumbrados a ver al afamado actor participar en un filme que se estrella según pasan los minutos. Una coproducción entre Reino Unido, Francia y España basada en la novela del escritor galo Jean-Patrick Manchette, “Cuerpo a Tierra” (1982) y que cuenta con Penn no sólo como coguionista, puesto que se encargó de darle más profundidad a los personajes, sino que también es coproductor al haber tirado de su agenda de amistades para los restantes papeles, una aportación que al final será el único punto fuerte de la película. Tierre no despierta interés por más empeño que le ponga. Su actuación se salva en las escenas dramáticas, en donde vemos al artista desenvolverse con mayor facilidad, pero no consigue poner toda la carne en el asador cuando la violencia tiñe la pantalla. 

SECUELAS DE POR VIDA (2013)

Los melodramas siempre despiertan nuestra parte más débil y, por eso, muchos se niegan a apreciar este género, pero hasta que uno no ve un trabajo asiático, no se da cuenta de la intensidad que puede transmitir una película de este estilo. Pocos han conseguido visualizar “Hope” sin mostrar ni un signo de dolor y es que el octavo largometraje del director surcoreano Lee Joon-Ik saca la máxima crudeza de una cuestión que desvela la falta de humanidad en algunas personas.

So-Won (que significa “Esperanza” y es interpretada por Lee Re) es una niña de 8 años que vive con sus ocupados padres muy modestamente. Su padre, Dong-Hoon (Sol Kyung-Gu), trabaja en una fábrica, mientras que su madre, Mi-Hee (Uhm Ji Won), posee un bazar en el mismo edificio. Un día, la pequeña se marcha al colegio, pero, en mitad del camino, se encuentra con un hombre que la rapta para violarla. So-Won consigue ponerse en contacto con sus progenitores y, desde ese momento, Joon-Ik nos invita a ver el proceso de cómo la familia va superando poco a poco el terrorífico trauma y, con ésto, es suficiente para saber que vamos a necesitar unos cuantos pañuelos.

Sí, roza la crueldad, sobre todo porque vemos la inocencia y fragilidad de la protagonista a través del fantástico talento de Lee Re. Una joven promesa que aporta todo un realismo inimaginable desde el primer minuto. Sus heridas se clavan en nuestras retinas y vemos las horribles secuelas de un acto animal. Eclipsando al resto del elenco adulto, nos despierta sensibilidad y ternura a raudales, con una madurez asombrosa para empatizar con lo que piensa, siente y con cada palabra que la actriz hace como suyas. 

LIBERTAD EN SECRETO (2014)

Qué complicado es escribir una sinopsis que no sobrepase los límites, que no diga más de la cuenta. Incluir un factor sorpresa puede hacer que nuestros gustos se tambaleen, que una película sea buena o un auténtico bodrio. “Una Nueva Amiga” corre ese peligro. La cinta del director francés François Ozon guardó cuidadosamente ciertos detalles que no se incluían en su tráiler oficial, pero que muchos críticos se encargaron de desvelar destrozando el factor sorpresa. Es por eso que nos limitaremos a contar lo máximo dentro de ese mínimo, destacando que, aun aparentando ser un simple drama romántico, las cosas nunca son lo que parecen.

Laura (Isild Le Besco) y Claire (Anaïs Demoustier) son amigas inseparables desde la infancia. El autor comienza a narrar su historia a partir de un elegante inicio, en el que vemos cómo una de ellas está siendo maquillada y vestida con un traje de novia al son de la tradicional canción nupcial. En cuanto se abre plano, detectamos que es Laura, pero no se va a casar, sino que va a ser enterrada. Cerrando la tapa de su blanco ataúd se inscribe el título del filme e inmediatamente todo se tiñe de negro. Claire está dolida, pero tiene el apoyo de su marido, Gilles (Raphaël Personnaz), mientras que el viudo, David (Romain Duris), se encuentra destrozado por la pérdida y bajo la responsabilidad de cuidar a su hija él sólo. Claire prometió a su mejor amiga cuidar de la familia de ésta y, pese a que no tiene fuerzas para ello, acude a la casa de David para ver qué necesita, pero, al entrar, descubre un secreto que cambiará la vida de todos.

El autor fusiona la comedia y el drama para tratar multitud de temas, de entre los que, por supuesto, no puede faltar la tónica de sus últimos trabajos y una de las cuestiones más debatidas en la actualidad: la identidad sexual. Si con “Joven y Bonita” (2013), su anterior largometraje, encontrábamos cómo una adolescente se interesaba por la prostitución totalmente consentida, en ésta vemos otra redefinición del interior de uno mismo, una crítica social que nos muestra ese miedo al rechazo y nos insta a recordarnos que nuestra sociedad necesita un cambio, ser libre, poder ser uno mismo, guardar nuestras máscaras y lucir tal y como somos.

UNA AVENTURA LLENA DE CRUELDAD (1994)

Tristemente, el mayor atractivo que siempre ha tenido “Sátántangó” es su duración y el morbo entre cinéfilos de poder aguantar tanto tiempo frente a la pantalla sin ir al baño. Otros tantos opinan que es una maldita tomadura de pelo, pero lo cierto es que las 7 horas y media de producción que el director húngaro Bela Tarr utiliza para contar una historia mínima están muy bien empleadas, dejando a un lado cualquier tipo de exigencia o patrón que el cine convencional impone. Un autor que más que cineasta, es prácticamente todo un filósofo cinematográfico con trabajos que van más allá de lo que se cuenta, haciendo más hincapié en el cómo.

El escritor László Krasznahorkai es su eterno compañero de batallas, de quien se ha servido para llevar a imágenes las novelas “La Condena” (1988), “Armonías de Werckmeister” (2000) o “El Caballo de Turín” (2011), su última película. Por supuesto, “Sátántangó” bebe de la misma fuente, con una historia que nos sitúa en el contexto más realista de la decadente Hungría comunista de los años 80, en la que cualquier tipo de esperanza se esfuma. Una mirada crítica que no acepta límites en el tiempo, adecuándose a la propia naturaleza de los hechos con total pureza y nitidez que tan sólo deja asombro a su paso. Un colectivo granjero cree que su administrador, Irimiás (Mihály Vig), ha fallecido. Sin embargo, tiempo después llegan noticias de que aún sigue vivo, por lo que las ganancias dividen a los trabajadores. Algunos de ellos prefieren invertir aun a riesgo de perder todo, mientras que otros se muestran más reticentes. Gracias a la charlatanería populista de Irimiás, consigue ganarse su simpatía, aunque no tiene pensamiento de emplear el dinero en ninguna empresa para obtener beneficios para todos.

ENTRE EL CORAZÓN Y LA MENTE (2014)

Finales de los años 30. Japón. Una década llena de un optimismo motivado por la expansión del país. El imperio crece gracias a una política exterior agresiva, que ponía en marcha la invasión de territorio chino. La economía prospera y los grandes y pequeños empresarios ven tremendas posibilidades a sus negocios con tal crecimiento. Su cultura instaba a pensar en el bien colectivo por encima del individual, pero en ningún momento la población se daría cuenta del estrepitoso final que la Segunda Guerra Mundial traería consigo.

Bajo este contexto, se desarrolla la cinta del octogenario director nipón Yôji Yamada, “La Casa del Tejado Rojo”. Interesado por historias habituales, los dramas en el seno familiar y el estilo cinematográfico más clásico y puro, como se pudo demostrar con anterioridad en “Una Familia de Tokio” (2013), continua experimentando en el tradicionalismo con un trabajo que recoge la encantadora esencia del best seller de la escritora Kyoko Nakajima.

Taki (Chieko Baishô) ha fallecido y su familia llega a la casa para recoger sus pertenencias, de entre las cuales, hay una cajita que deja a nombre de su sobrino, Takeshi (Satoshi Tsumabuki). En su interior, están las memorias de la anciana, los recuerdos de un pasado escritos a mano y que, en su día, él mismo pidió que escribiera. Una juventud al servicio y cuidado de la familia Hirai y su encantadora casa de tejado rojo situada en Tokio. Testigo de las esperanzas de expansión de la juguetería en la que trabajaba el dueño, Masaki (Takatarô Kataoka), de los juegos y desventuras del único hijo del matrimonio, Kyoichi (Satoshi Akiyama); y los sentimientos ocultos de la señora Tokiko (Takako Matsu), que se verá inmersa en un amor imposible, escondido y adúltero junto al compañero de trabajo de su esposo, Masaharu (Hidetaka Yoshioka). La responsabilidad de la joven Taki (Haru Kuroki) hará que no encuentre consuelo por un secreto que ha arrastrado con el paso de los años.

A CAMBIO DE MADURAR (2015)

Primero fue ganadora de la 19ª edición del Festival de Málaga y después recibió nada menos que 6 nominaciones a los Goya, recibiendo el premio a mejor director novel y mejor actor reveleación por la estupenda interpretación de Miguel Herrán. “A Cambio de Nada” trajo un pan bajo el brazo para el actor Daniel Guzmán, que debutaba en el mundo del largometraje. El cineasta nos trae la historia de un joven con ganas de comerse el mundo y dejar los problemas atrás. Un fantástico argumento que nos recuerda lo complicado que es la adolescencia, cómo, al ir madurando, vamos sumando problemas a nuestra espalda. Hay quienes tardan en darse cuenta de ello, por suerte, pero muchos otros tienen que enfrentarse a la realidad desde una edad muy temprana. Éste es el caso de Darío (Miguel Herrán), que vive en una familia desestructurada. Sus padres (Luis Tosar y María Miguel) quieren utilizarle como prueba en el juicio para demostrar que el contrario no ejerce correctamente su papel de progenitor. Ante tal tesitura, busca consuelo en otros personajes, como su vecino y mejor amigo, Luismi (Antonio Bachiller), Caralimpia (Felipe García Vélez), un viejo delincuente aparentemente reformado, o una entrañable anciana (Antonia Guzmán), que recoge muebles por las calles.

Con tintes autobiográficos y habiendo recibido los premios de mejor película, director, actor secundario y el especial del jurado y la crítica, la cinta combina drama y comedia a partes iguales entre divertidas anécdotas y conflictos provocados por la rebeldía de Darío, por sus ganas de libertad, de crecer lo más deprisa posible, de dejar las responsabilidades a un lado. La frescura que nos traen los dos jóvenes actores noveles se hace notar en el ritmo de la narración. Herrán, que se alzó con el Goya al actor revelación, encaja perfectamente con su personaje, que para unas cosas todavía es un niño, pero para otras parece haber madurado antes de la cuenta. Junto a la labor del carismático Bachiller, encontramos la historia llena de realismo, naturalidad y magnetismo. Por su parte, García Vélez nos desvela una cara verdaderamente simpática de la vida, intentando ser un ejemplo para el protagonista, haciéndole ver el éxito que ha cosechado con su propio taller mecánico y a pesar de tener un destino en contra. Caralimpia adquiere peso con el paso de los minutos, pero su presencia se esfuma como por arte de magia y no volveremos a saber más de él.

UN NINJA EN LA SOMBRA (2009)

“Ninja Assassin” deja bastante al descubierto su trama gracias a ese título tan revelador. El cineasta australiano James McTeigue, eterno asistente de Andy y Lana Wachowski en multitud de sus cintas, como la famosa trilogía de “Matrix” (1999-2003), entre otras tantas, debutó en la dirección con “V de Vendetta” en 2005. Una fuerte apuesta para entrar por la puerta hollywoodiense y que le facilitó realizar un segundo largometraje que se ajustaría más a sus aficiones, como los ninjas, y que contaría con un presupuesto algo limitado. Es complicado pensar que la mayoría de gastos se fueran en el insulso y machacado guión de esta película.

El joven Raizo (Lee Joon) es un niño adoptado por el clan Ozunu para criarle bajo las órdenes de su Lord (Shô Kosugi). Sometido a duros entrenamientos para prepararle en la brutalidad y la violencia, encaminan su vida para ser un asesino imparable. A su vez, entabla amistad con una compañera, Kiriko (Anna Sawai), que planea escaparse del grupo, pero, pillada por sus propios compañeros, es ejecutada. El adulto Raizo (Rain) se dedicará a buscar venganza y declarará la guerra a sus propios hermanos. Mientras tanto, en Alemania, la Europol investiga una serie de asesinatos políticos, pero el agente Mika (Naomie Harris) sospecha que la organización está detrás de todos ellos. Desafiando a su jefe Ryan Maslow (Ben Miles), se involucra, por lo que los Ozunu deciden continuar su batalla particular y, además, no dejar ni un cabo suelto.

De nuevo otra producción más sobre venganza que no muestra, aparentemente, ni un ápice de originalidad, pero sí que consigue su principal fin: entretener. No hay más pretensiones para un título que rezuma violencia y sangre a raudales con toques muy gamberros. Un pequeño homenaje a ese cine ninja que cobró importancia en los años 80 y que, muy de vez en cuando, algún que otro fanático continúa su estela. En este caso, se rescata la verdadera esencia de aquel mercenario japonés envuelto en misterio y leyenda. Sus silenciosos pasos, sus técnicas avanzadas de combate o su impresionante habilidad para espiar o asesinar son algunas de las características que se ven en “Ninja Assassin”, que, por suerte, recupera lo más interesante de estos secretos y místicos soldados. 

LA FRAGILIDAD DE UNA MENTE PRIVILEGIADA (2014)

Ya hemos comentado en alguna ocasión cómo los documentales sobre artistas con vidas trágicas tienen que balancearse constantemente entre la figura pública a tratar o su lado más oscuro y, por tanto, más sensacionalista. Igualmente, este aspecto puede hacer que la familia colabore o reniegue de su participación, como ocurrió con “Antonio Vega: tu voz entre otras mil”, la producción dirigida por Paloma Concejero que se exhibió en plena polémica. Los más allegados del cantante se sintieron engañados con el material resultante y podemos imaginar el por qué.

Las dos horas de cinta recogen, de forma cronológica, toda una trayectoria de una de las figuras más importantes de aquella Movida de los 80 y la posterior estela del pop español de calidad. La infancia y adolescencia de un niño con 168 de Coeficiente Intelectual que sentía una gran inquietud por la astronomía. Su pasión por el exterior escondía una gran fragilidad, cierto despiste y una fuerte ensoñación que siempre ha escondido tras su intensa mirada y una agridulce sonrisa. Su madre, preocupada por su hijo más rebelde, pero al que arropaba con más cariño, fue quien le llevó al médico para concluir que estaba ante alguien demasiado complicado. Poco se detiene en su etapa con Nacha Pop, que queda ensombrecida por los malos vicios y por las ansias de extrema libertad y de hacer todo y nada a la vez. Los primeros conciertos y apariciones en televisión, las emociones sobre el escenario, los nuevos amigos que se sumaban a un círculo cada vez más grande gracias a su fama. Un hombre que ocupaba su tiempo de ocio practicando alpinismo, kárate, devorando multitud de libros o desarrollando sus investigaciones sobre los anillos de Saturno. Su porterior carrera en solitario, el matrimonio fallido con Teresa y la pérdida de su siguiente pareja, Marga, fallecida en 2004 y a quien dedicó el disco “3000 noches con Marga”. Penas, supervivencia, soledad, esperanza, años de insatisfacción, de siempre querer más, que se detuvieron el 12 de mayo de 2009.

EMOCIONES INCONTROLABLES (2004)

Otra adaptación de un gran libro es la miniserie de la BBC, “Norte y Sur”, de la novelista británica Elizabeth Gaskell. Pese a que la compañía no apostó en gran medida por esta producción, la sorpresa fue máxima con la estupenda acogida que tuvo entre los telespectadores. Cuatro capítulos y algo menos de cuatro horas son más que suficientes para disfrutar con esta fantástica historia ambientada en la opulenta Inglaterra victoriana del siglo XIX.

El director Brian Percival se encarga de dar vida a la rutina de la ficticia ciudad Milton, que se encuentra inmersa en plena revolución industrial, con multitud de nuevas fábricas en las que sus obreros trabajan por una miseria de sueldo. La familia Hale llega desde el sur, en donde aún no se ha producido tal cambio, por lo que tendrán que adaptarse a las nuevas costumbres. Margaret (Daniela Denby-Ashe) no consigue aclimatarse, ya ha tenido una disputa con el jefe de las fábricas Marlborought, el señor Thornton (Richard Armitage), pupilo de su padre y con quien iniciará una historia de amor y desencuentros llena de pasión oculta.

Bajo la sombra de “Orgullo y Prejuicio”, una de las obras más populares en cuanto a trama de amor-odio se refiere, “Norte y Sur” no se queda atrás, sin duda. Pocas veces se nos presentan adaptaciones tan fidedignas a un libro como es ésta y es que se nota cómo la cinta ha sido cuidada con esmero, recogiendo todo lo importante, los detalles que completan una trama intensa, profunda, que no sólo tiene cabida para el romance, sino también para la contextualización, las diferencias entre el sur y el norte, la mecanización frente a la agricultura, lo moderno frente a lo convencional. El ritmo de la narración es totalmente hipnótico, engancha al espectador y lo traslada a un mundo de clases sociales distanciadas, de primeras huelgas, pero también de lucha emocional, aquélla que se produce entre la razón y el corazón.

ETERNOS AMORES IMPOSIBLES (2014)

“Suite Francesa” es un claro ejemplo del perfecto ejercicio cinematográfico. Tan perfecto, que se pierde por el camino cualquier atisbo de emoción en una historia que debería haber sido intensa y profunda cuanto menos. El director británico Saul Dibb nos presenta la adaptación de la trilogía de libros de la ucraniana Irène Nèmirowsky, un texto que conmocionó especialmente a las editoriales francesas, escrito en plena Guerra Mundial y encontrado en 2004 por su hija. La novelista, de origen judío, fue deportada a Auschwitz donde falleció y, varias décadas después, ganó el premio Renaudot, entregado por primera vez de forma póstuma. La inacabada obra, que entra en la cartelera española el viernes 8 de mayo, cobra importancia por ser de las pocas que narran los terribles hechos fuera de los campos de concentración y desde el punto de vista de los familiares afectados y refugiados que padecieron el temible poder de su enemigo.

En este caso, la cinta se vuelca en el libro “Dulce” y, en menor medida, en “Tormenta de Junio”, con la historia de una hermosa joven aldeana, Lucile Angellier (Michelle Williams) que vive junto a su estricta suegra, una terrateniente adinerada (Kristin Scott Thomas), a la espera de la llegada de su esposo, combatiente en la guerra. Con la ocupación de los alemanes en el pueblo francés de Bussy, ambas se ven en la obligación de cobijar al refinado teniente Bruno von Falk (Matthias Schoenaerts), a quien ignoran y odian por completo. Sin embargo, la protagonista no puede evitar sentir cierta atracción por el joven, lo que desembocará en una historia de amor oculta con demasiados obstáculos. Refugiados en la lejanía del conflicto, la localidad verá su apacible tranquilidad coartada, donde los habitantes serán juzgados en función de su clase social, dando lugar a confabulaciones, pero también a actos de solidaridad.

EL PESO DE LA REALIDAD (1958)

“Dos Hombres y un Armario” (“Dwaj ludzie z szafa”) es el cortometraje más célebre del cineasta francés Roman Polanski, siendo uno de los más exhibidos y el trabajo por el que recibió sus primeros premios en festivales como Cine EXPO-58 de Bruselas o el Festival de Cine de San Francisco, entre otros. Con 25 años y estudiante de la Escuela de Cine de Lodz (Polonia), el autor utilizaba sus trabajos como obras de aprendizaje, de ahí el tono experimental que adquirían. Tenía total libertad para crear, dando rienda suelta a su creatividad e imaginación.

A través de 15 minutos de duración, vemos a dos personajes, interpretados por Jakub Goldberg y Henryk Kluba, salir de entre las aguas del mar cargados con un armario y adentrarse en la ciudad, donde son rechazados constantemente por los habitantes, que les humillarán y agredirán como muestra de su naturaleza violenta. La sencilla narración en forma de fábula nos transmite incomprensión bajo un tono sutilmente humorístico y cruel. Una visión bastante ácida de nuestra sociedad que no entiende, repudia, se burla e, incluso, agrede a lo que es extraño, diferente, aquello que se sale de la norma. Este pesimismo existencial será uno de los temas que más utilice el director a lo largo de su carrera.

Es su cortometraje más narrativo, con una premisa bastante absurda que se adentra en el complejo surrealismo, pero, a su vez, se desprenden influencias del slapstick, en cuanto a las interpretaciones; y ese aire propio del nuevo cine europeo que dio sus primeros pasos en Francia y se expandió vertiginosamente. Ese espíritu moderno se desvela a través de nuevas estructuras narrativas como la que posee “Dos Hombres y un Armario”.

INTIMIDAD AL DESCUBIERTO (2015)

Es innegable que el público siente cierta atracción por los documentales sobre la vida de estrellas de la música o el cine que han tenido un final desolador. Son numerosas las cintas que nos cuentan pedazos de historias, suposiciones sobre la psicología de grandes ídolos o multitud de entrevistas de conocidos dando su propia opinión. "Kurt Cobain: Montage of Heck" se suma a esta infinita lista, pero, a diferencia de otros tantos que intentaban dar sentido a la caótica mente de este cantante, cuenta con el beneplácito de la familia, siendo su hija, Francis Bean Cobain, y su esposa, la cantante Courtney Love, las que firman como productoras.

Con apenas unos días de exhibición y escasos cines dispuestos a incluirla entre su oferta, la obra del director norteamericano Brett Morgen rescata, de nuevo la intensa polémica que gira entorno al artista. A día de hoy, sigue siendo complicado entender cómo un joven de 27 años decide poner fin a su existencia y, a pesar de que sus últimos instantes no quedan recogidos en el largometraje, es cierto que deambula por su intimidad, dejando que el propio espectador llegue a las conclusiones que crea convenientes.

La cinta es verdaderamente dinámica, aunque cuente con poco más de dos horas de duración que transcurren en un abrir y cerrar de ojos. Ante nosotros vemos desfilar, en forma de collage, grabaciones caseras de la familia en formato Super-8, partes de animación que recogen su adolescencia, fotografías, demos desconocidas, libretos de canciones, diarios y dibujos muy personales, y, cómo no, entrevistas de sus allegados. Su viuda, su madre Wendy, su padre Don, su hermana Kimberly, su compañero Krist Novoselic o la primera novia Tracy dan voz a esta experiencia y desvelan claves para acercarnos más al misterioso cantautor.

LOS FANTASMAS DEL PASADO (2014)

Todavía siguen quedando restos de aquella España profunda de mitad de siglo, de una población que había sobrevivido a una guerra civil, que creía en el cristianismo por encima de todo y que aquéllo que ocurría en el día a día era manejado por un Dios que hacía las cosas con una justificación, ya sea como castigo o como premio; al igual que cada acto era defendido en su nombre. El pecado era un lastre perpetuo y los anticuados valores que pasaban de padres a hijos, escondían una arcaica educación, en la que los hombres eran los cabezas de familia y debían trabajar para llevar su jornal a casa, mientras que las mujeres quedaban a su servicio y al cuidado de la familia. 

Bien pues, en esa oscura sociedad se sitúa “Musarañas”, la ópera prima de los directores Juanfer Andrés y Esteban Roel. En pleno Madrid de los 50, Montse (Macarena Gómez) y su hermana menor (Nadia de Santiago) viven solas en un siniestro piso. Su madre murió durante el parto de esta última, dejando a un padre (Luis Tosar) totalmente fuera de sí. Con el tiempo y tras el fallecimiento de éste, Montse, que es costurera, queda sumida en un luto eterno con secuelas psicológicas, como la agorafobia, por lo que tiene un comportamiento desequilibrado regido por una férrea creencia religiosa. Ha ejercido de madre, padre y hermana para la pequeña, que ya cumple la mayoría de edad. Ahora, debe aprender a verla como una mujer y enfrentarse a la soledad de una casa que esconde demasiados secretos. De repente, su vecino Carlos (Hugo Silva) sufre un traspié en las escaleras y, malherido, pide auxilio a Montse, que le atiende hasta sus últimas consecuencias, desatando los fantasmas del pasado. 

SERIES B CON ESTILO (1979)

“Mad Max: Salvajes de Autopista” supone toda una fantástica obra de culto que acabaría marcando tendencia en el género de acción y en posteriores cintas de serie B. El australiano George Miller realizó esta primera parte con muy poco presupuesto y, pese a que en el mercado norteamericano pasó sin pena ni gloria, logró triplicar sus beneficios, con los que realizó una segunda parte que profundizaría en el universo apocalíptico que el autor creó junto al guionista James McCausland. Con apenas 21 años, el joven Mel Gibson obtuvo el papel principal, pero no consiguió ensalzar su carrera en su propio país y es que ni siquiera aparecía en los trailers, además de ser doblado (al igual que al resto del elenco) en Estados Unidos para evitar que el público sintiera confusión por las diferencias entre acentos. No obstante, sí que logró abrir un camino a nivel internacional para otras producciones de Australia.

Podría decirse que no es más que otra película centrada en futuros distópicos llenos de caos, violencia y supervivencia y, en esencia, es así. El robo de combustible como moneda de cambio está a la orden del día, pero para evitar conflictos, existe una serie de patrullas policiales que impiden esta injusticia y ponen el orden conveniente para evitar la anarquía. Por eso, Max Rockatansky (Mel Gibson) es un agente que vigila autopistas con el fin de enfrentarse a criminales como Nightrider (Vincent Gil), un líder de una banda de moteros con el que acaba tras una intensa persecución. No tardarán en llegar sus compañeros buscando venganza.