EXTRAÑOS RECUERDOS DEL HORROR (2019)

De alguna u otra manera, el cine húngaro que nos llega siempre termina sorprendiendo muy gratamente. No es muy asiduo en nuestra cartelera como otras cinematografías europeas, pero lo cierto es que en nuestra memoria siguen permaneciendo las obras de cineastas tan emblemáticos como Béla Tarr, Miklós Jancsó y el internacional Charles Vidor. A su vez, las nuevas generaciones también están haciéndose un hueco muy importante en la red de festivales internacionales, como fue el caso de László Nemes, cuyo primer largometraje “El hijo de Saúl” (2015) le encumbró de golpe en el panorama global. Entre los más jóvenes, destaca el premiado director, guionista, productor y editor Kristóf Deák, con una carrera muy enfocada al cortometraje tras ocho piezas producidas, en su mayoría, en Reino Unido, siendo “Sing” (2016) la más importante de todas al alzarse con un Óscar al mejor cortometraje de ficción en 2017 con una historia basada en el inquietante secreto que compartían los miembros del coro de un colegio de Budapest.

Su ópera prima, “Cautivos” (2019), nos invita a regresar al pasado, a despertar a la memoria histórica de la Hungría comunista. La década de los 50 se convirtió en un punto de inflexión en un país que se veía arrastrado por el proceso de desestalinización. En este contexto, la película nos presenta a la familia Gaál, residentes en Budapest. Estamos ante las primeras horas del día 4 de junio de 1951, para ser más exactos. Se trata de una fecha clave porque, en cuestión de poco tiempo, todo cambia para Ernõ (Ernõ Fekete), Ilona (Zsófia Szamosi), Eszti (Abigél Dömötör) y el pequeño Peti (Ágoston Sáfrány). Acaba de amanecer en la capital cuando dos autoridades se presentan en su hogar. Sorprendidos por tal visita, dejan pasar a los dos, que cierran con llave la puerta a su paso. Desde ese momento, nadie podrá salir de la casa. Ninguno de ellos sabe qué sucede ni la causa por la que se ven retenidos. Del mismo modo, sus vecinos, extrañados por lo que estará sucediendo en el interior del piso, no retiran la mirada del piso. Pronto comprobarán que todo el que llama a la puerta, no vuelve a salir.

EL ESTALLIDO DEL HORROR (2019)

Sabemos que una supernova es una explosión estelar y que genera una gran onda capaz de arrastrar materia. Siguiendo esta idea, el director y guionista polaco Bartosz Kruhlik ha construido un primer largometraje que traslada dicha explosión a la Tierra. Tras varios cortometrajes con los que inició su trayectoria cinematográfica, ofrece una tragedia que, por desgracia, es más normal de lo que nos gustaría. Pero, aunque a simple vista parezca una historia convencional, lo cierto es que cada uno de sus personajes prepara el terreno para formar, poco a poco, una bomba imparable que provoca un estallido atronador en un escenario que es testigo de tal destrucción. Así es, la ópera prima de Kruhlik deja el camino allanado para una carrera que posiblemente le coseche más de un triunfo. De hecho, su circulación en el circuito de festivales internacionales no pasço en absoluto desapercibida. Aparte de los galardones nacionales que tanto la crítica como el Festival de Polonia le concedieron, el cineasta se llevó un premio extra en Dublín.

Esa explosión estelar de la que hablamos pone título a su cinta, “Supernova”, cuyo cartel deja entrever, ya de por sí, que estamos ante una historia muy agitada. En una carretera de segunda de un lugar y un día indeterminado, Michal Matys (Marcin Zarzeczny), en estado de embriaguez, persigue a su mujer Iwona (Agnieszka Skibicka) y sus dos hijos, que huyen de él. Un coche se acerca a Michal para solicitar indicaciones, pero este se encuentra muy perjudicado, apenas puede hablar, por lo que vomita dentro del lujoso automóvil. El joven político Adam Nowak (Marcin Hycnar), asqueado por la situación dentro del vehículo, decide arrancar y acelerar para dejar atrás tal situación. Mientras observamos la mirada perdida de Michal, escuchamos un terrible estruendo: Nowak ha atropellado a Iwona y sus hijos. Sin pensarlo, el agresor decide escapar a pie y adentrarse en el bosque más próximo, pero en la carretera ya hay testigos. No tardará en llegar a la escena del crimen el policía Slawek Makowski (Marek Braun), en donde quedará totalmente en shock por tal macabra escena. 

LA RAZÓN DE LA LOCURA (1943)

Es indudable que Rafael Gil fue uno de los directores, guionistas y productores más significativos del cine español del siglo XX. Poco más de cuatro décadas de trabajos que nos dejó en herencia, documentales durante la Guerra Civil para los republicanos, adaptaciones de grandes novelas y éxitos durante el régimen franquista. Sin ir más lejos, es imposible olvidar la comedia “El hombre que se quiso matar” (1942), el primer largometraje que le uniría a la productora valenciana CIFESA; o su remake años más tarde, en 1970, que terminaría protagonizando un desesperadamente divertido Tony Leblanc. También se han convetido en indispensables sus dramas, como “La Calle sin Sol” (1948), “La Gran Mentira” (1956), “La Reina del Chantecler” (1962), “Sangre en el Ruedo” (1968) o “La Duda” (1972), entre otros muchos títulos que engrosan su extensa filmografía. 

Asimismo, por su batuta han desfilado las figuras más reconocidas del cine español, desde los actores y actrices como Alfredo Landa, José Luis López Vázquez, Florinda Chico, Juan Luis Galiardo, Irene Gutiérrez Caba, Alberto Closas, Tony Isbert, Fernando Rey, Francisco Rabal o Arturo Fernández, entre otros muchos; hasta grandes grandes celebridades como Carmen Sevilla, Sara Montiel, Joselito, Pedro Carrasco o Manuel Benítez “El Cordobés”. Sin embargo, antes de llegar a formar parte de la vida de tantas personalidades, no puede pasar desapercibido su cuarto largometraje, “Eloísa está debajo de un almendro”, una comedia que supone la adaptación a la gran pantalla de la novela de título homónimo del escritor y dramaturgo español Enrique Jardiel Poncela. Precisamente, la obra se convertiría en su primer gran éxito, un reconocimiento que, incluso, llegaría con el premio a la mejor película por parte del Sindicato Nacional del Espectáculo en 1944.

EL MANIPULADOR MANIPULADO (2012)

Actualmente, François Ozon es uno de los directores y guionistas franceses que goza de mayor popularidad en Europa. Su grandes esfuerzos por abrirse camino en un mundo en el que es difícil resaltar ya se apreciaban desde sus primeros cortometrajes, la mayoría seleccionados en los festivales internacionales más importantes. Por eso, no fue descabellado encontrar su segundo largometraje, “Sitcom”, entre la programación del Festival de Cannes de 1998. Tan sólo cuatro años después, con la presentación de la comedia musical “8 Mujeres” (2002), se alzaría con 11 galardones de nada menos que 30 nominaciones en el circuito de festivales internacionales y premios cinematográficos. Todo un logro que, obviamente, parte de su espectacular elenco, con nombres como Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart o Isabelle Huppert, entre otras.

Diez años después, repetiría un éxito muy similar con “En la Casa”, un drama psicológico basado en la obra de teatro “El Chico de la Última Fila”, del dramaturgo madrileño Juan Mayorga. Una historia truculenta e hipnótica protagonizada por Germain Germain (Fabrice Luchini), un profesor de literatura francesa con muchos años de experiencia. Sin embargo, las clases en el instituto son cada vez más desalentadoras, puesto que sus alumnos no terminan de implicarse. Ninguno es capaz de sorprenderle con sus redacciones hasta que descubre al joven Claude Garcia (Ernst Umhauer), una mente creativa con gran potencial. Tal es así que Germain no duda en alentarle para que escriba una novela que, por supuesto, espera leer. Claude comienza a seguir sus consejos, creando un relato sobre su familia y conocidos, pero el profesor, totalmente enganchado a sus palabras, no consigue distinguir entre lo que verdaderamente es real y lo que es ficción.

LOS INDIES TAMBIÉN QUIEREN SU CIENCIA FICCIÓN (2014)

El cineasta estadounidense William Eubank apenas posee un par de largometrajes bajo su batuta, ya que su carrera profesional parte más de su faceta como director de fotografía. Al respecto, por sus manos han pasado películas de acción, thrillers e, incluso, alguna un poco más siniestra y terrorífica, como "Wreckage" (John Asher, 2010). Son embargo, no fue hasta 2011 cuando Eubank se lanzó de lleno a construir su propia filmografía, partiendo de un drama en clave de ciencia ficción llamado "Love", sobre la solitaria supervivencia de un austronauta. Al igual que en este caso, su segundo trabajo,  "La Señal", se mantiene en su zona de confort, jugando con las claves del mismo género.

Nic (Brenton Thwaites), su novia Haley (Olivia Cooke) y su mejor amigo Jonah (Beau Knapp) son tres estudiantes que investigan el rastro de un hacker. Mientras viajan por carretera, tratan de localizar a un genio informático que, en el pasado, logró acceder a los sistemas del MIT, evidenciando, así, los problemas de seguridad que tenía la organización. Sin embargo, tras conocerse, todo cambia. Nic no es capaz de localizar a sus compañeros, pero, además, se encuentra siendo interrogado por el Dr. Wallace Damon (Laurence Fishburne). Entre ellos surge una batalla de ingenio, mientras el protagonista trata de dilucidar qué es lo que ocurre, dónde están sus amigos y cómo puede liberarse.

Tanto en "Love" como en "La Señal", Eubank demuestra tener mucho talento para crear climas y mantener el suspenso. Sin embargo, y pese a los esfuerzos por crear una obra más redonda que su ópera prima, lo cierto es que su trama de fondo guarda grandes similitudes, que se hacen cada vez más evidentes a medida que avanza el metraje. Tras 95 minutos de diálogos brillantes y una tensión que aumenta lentamente, pero con buen pulso, nos damos cuenta de que uno de los problemas que esta segunda cinta posee es su clímax. Así es, no termina siendo tan satisfactorio como cabía esperar, simplemente porque no contesta todas las preguntas planteadas en su argumento. Aún con ello, la película es lo suficientemente intensa, inteligente e interesante como para ganarse una recomendación en esta época en donde abundan las mediocridades y las ideas refritadas.

UN REFRESCANTE ENCUENTRO CON LA "HOME INVASION" (2013)

“Borgman” es de esas películas que, a pesar de trabajar con un punto de partida más que tratado en el cine, posee un gran valor y atractivo por los constantes y sorpresivos giros argumentales. Precisamente este curioso juego nos atrapa desde el inicio, intentando captar cada detalle para poder desenmarañar parte del laberíntico retrato que nos ofrece la obra del director y guionista holandés Alex van Warmerdam. Sin embargo, esta extraña telaraña produce cualquier tipo de emoción menos confusión y es que no podemos evitar sentir curiosidad y dejarnos llevar por una narración perfectamente tejida. Tras participar en el Festival de Cannes de 2013 y recibir el premio a mejor película en el Festival de Sitges del mismo año, el largometraje se convirtió en toda una sensación para los amantes del cine europeo y las nuevas experiencias.

Esta percepción es fácilmente evidente desde sus primeras imágenes, en donde podemos observar una plácida casa de campo rodeada de un profundo bosque. Pero, frente a esa apacible estancia, encontramos a unos hombres armados (incluido un párroco) que intentan buscar a otros bajo tierra. Así es como empieza una acción que, aun desarrollándose a fuego lento, no permite respiro alguno. Por tanto, el suspense se eleva lentamente y sin decaer, pero las cosas no suceden como podría esperarse, sino que el director nos desubica a la menor oportunidad. “Borgman” es un masoquista juego que se inmiscuye en nuestra realidad, nos roba nuestra mente y nos traslada al interior de una trama como si, aun siendo testigos de lo que sucede, nos sintamos como una especie de invasores de forma indirecta. Un escenario desconocido que no nos permite mirar más allá del bosque y que, aun después de casi 115 minutos, nos hace sentir cada vez más extrañeza e inquietud. 

CIENCIA FICCIÓN "MADE IN SCHRÖDINGER" (2013)

El cineasta norteamericano James Ward Byrkit trabajó en una historia real para crear “Coherence”, una producción realmente atractiva que partió de lo acontecido en Finlandia en 1923. La desorientación que sufrió todo un pueblo entero con el paso de un extraño cometa por sus cielos alarmó a la policía local, la cual recibió un gran número de llamadas con denuncias de insólitos casos en los que los familiares no reconocían a sus propios seres queridos o, incluso, que quienes fallecieron en su día, parecían haber regresado a la vida. Y aunque dé la impresión de ser un relato recién salido de Cuarto Milenio y narrado por el mismísimo Iker Jiménez, lo cierto es que casi un siglo después ha quedado registrado en una película que bien podría llevar el sello del popular autor David Lynch.

Esta generación de “nuevo cine de ciencia ficción” no termina de despuntar, pero la cinta de Ward Byrkit consigue refrescar un panorama que empezaba a quedarse estancado en los mismos temas. Es indudable que el cineasta nos invita a la continua reflexión, dejando un poso a la búsqueda de algún atisbo racional que genere este hecho. El largometraje cumple su cometido y se convierte a la par en un thriller imprevisible que ya quisieran crear las grandes superproducciones. Y así es, señoras y señores, este filme se realizó con tan sólo dos cámaras reflex (Canon V, MarkIII supongo), en un tiempo récord y con un presupuesto de chiste. Se puede decir ampliamente que ha logrado salir con la cabeza muy alta. 

Pocos autores están capacitados para hurgar en este tipo de cuestiones con tal presupuesto y salir airosos de ello. “Coherence” se sirve de bucles temporales, realidades paralelas y dimensiones abiertas, de todo aquello que hoy en día sigue siendo una incógnita y, a la par, de máximo interés para quienes se sientan motivados por saber más allá de lo que a simple vista se puede observar. No existe una salida fácil para ello y el director parece ser consciente de ello, por lo que, con el riesgo que supone plantear una teoría sumamente atractiva, desarrolla una narración compleja de la forma más simple y fascinante, desvelando un guion repleto de paradojas sin necesidad de grandes efectos especiales, sino regalando al espectador prácticamente 90 minutos de un metraje que conduce con seguridad un suspense para nada manejable.

LUCES EN LA OSCURIDAD (2015)

Siguiendo con la tónica habitual de los últimos años, las carteleras se llenan de remakes de todo tipo. La mayoría son totalmente innecesarios, regocijándose en un despliegue de medios de los que no se podía disponer en épocas anteriores; otros simplemente perfeccionan una historia, aportando nuevos giros a una trama que en su día pasó desapercibida. Pocos son los que se atreven a encarar una cinta que supone tanto riesgo con un público que ya conoce la historia. Uno de ellos es el director italiano Luca Guadagnino, que aporta su propia visión de “Cegados por el Sol”, la película que, en 1969, realizaría el cineasta francés Jacques Deray bajo el título “La Piscina” y cuyo reparto encabezarían los míticos actores Alain Delon y Romy Schneider. Las comparaciones son odiosas, pero, en este caso, resultan irremediables.

Si el deseo y los celos movían la clásica trama, basada en la historia escrita por el guionista francés Alain Page, en ésta no iba a ser menos. Marianne Lane (Tilda Swinton) es una famosa cantante de rock que sufre una severa afonía. Para tratar de recuperarse, descansa una temporada en la isla siciliana de Pantelleria junto a su pareja, Paul (Matthias Schoenaerts), un misterioso fotógrafo más joven que ella. De forma inesperada, el alocado Harry (Ralph Fiennes), exnovio de Lane, decide ir a ver a la estrella junto a su preciosa hija Penélope (Dakota Johnson), una coqueta adolescente que no duda en utilizar sus inocentes armas de seducción. Lo que parecían unas apacibles vacaciones se convierte en el hogar de las dobles intenciones y mentiras.

Drama, romance y aires de thriller adornados por una elegante comicidad que se deslizan entre las manos del guionista estadounidense David Kajganich, convirtiéndose en un extraño híbrido con gran poder de atracción. Un agradable producto que atrapa por su cercana e íntima narración desarrollada a fuego lento, pero que, sin embargo, sufre fuertes altibajos por culpa de ciertos flashbacks innecesarios, por una introducción que da la sensación de quedar extrañamente paralizada y por un metraje que se alarga excesivamente. Como si fuera un reflejo de nosotros mismos y de la sociedad de la que formamos parte, Guadagnino entrelaza la amistad, el amor, los celos y deseos o la manipulación para desenmascarar a unos personajes que llevan todo el peso de la película. Esta proyección de la psicología de las relaciones humanas es la principal culpable de transformar lo que era una bonita e idílica atmósfera veraniega en un juego inesperado y una interesante intriga que sólo es entorpecida por personajes secundarios poco funcionales que rompen con esa grata fluidez.

LAS MISERIAS DE LA SUPERVIVENCIA (2015)

“The Piper” continúa con la estela de películas que tratan de adaptar los clásicos cuentos, aunque con una visión mucho más macabra que la que conocemos. La cinta del director y guionista surcoreano Kim Kwang-Tae nos remite a otras adaptaciones de este mercado, como “Los Zapatos Rojos” (Kim Yong-Gyun, 2005) o “Hansel y Gretel” (Yim Pil-Sung, 2007), entre otras muchas producciones que siguen explotando las leyendas más tradicionales de la cultura asiática. Y es que, como bien es sabido, el continente posee una gran riqueza en este tipo de historias populares, siendo un gran porcentaje aún desconocidas por occidente.

En su título original, “Sonnim”, que significa “visitante”, “invitado”, ya se desvela una pequeña pista de la historia que el autor nos presenta. A principios de la década de los 50, un flautista, Woo-Ryong (Ryu Seung-Ryong), y su hijo, enfermo de tuberculosis, vagan por mitad del campo con rumbo a Seúl para pedir ayuda a un médico estadounidense de gran prestigio. A mitad de camino, descubren una pequeña aldea prácticamente escondida del resto de la civilización. A su llegada, los habitantes les reciben extrañados, pero, en cambio, su jefe (Lee Sung-Min) se muestra agradable ante su presencia. Es entonces cuando Woo-Ryong se percata de la plaga de ratas que se ha apoderado del pueblo, por lo que no duda en prestar su ayuda a cambio de la hospitalidad de los vecinos y una cuantiosa suma de dinero. El egoísmo, la ambición y la traición de los habitantes harán que el protagonista decida vengarse de aquéllos que no parecían ser tan buenas personas.

Sin duda, es difícil saber lo que nos depara “The Piper”, tras una premisa que nos resulta familiar pero que evidencia un final más macabro de lo esperado. De nuevo, estamos ante un escenario recurrente, como es la Guerra de Corea, de la que se ha escrito y visionado en incontables ocasiones gracias a ser uno de los temas favoritos de esta industria, aunque, en este caso, todo suceda tras el conflicto. Igualmente, cuestiones como la venganza ya son una tónica habitual en la cinematografía asiática, por lo que se suma a esa lista de elementos esperados en cualquier cinta de este estilo. Sin embargo, el autor va más allá de, incluso, lo políticamente correcto. 

ADOLESCENTES ASESINOS (2010)

Yuko Moriguchi (Takako Matsu) es una profesora de un instituto de secundaria que decide abandonar la enseñanza. Por ello, en el último día de colegio se despide de sus alumnos, pero también les cuenta que su hija de cuatros años, que falleció accidentalmente hace unos años, fue asesinada por dos estudiantes de esa misma clase. Así es cómo comienza una historia de venganza que se desarrolla a fuego lento.

El cine asiático ha generado multitud de cintas en las que se tratan cuestiones como el rencor, un aspecto que ellos mismos saben cómo explotar artísticamente y más cuando hablamos de la carga de violencia. No es raro ver a día de hoy esos thrillers en los que, al poco de arrancar la narración, ya se conoce la identidad del criminal. Y es, por eso, que precisamente son muchos los que creen que "Confessions" pueda perder cierto interés. Eso, como siempre, es una decisión del público.

La película realizada por el director japonés Tetsuya Nakashima es, sin duda alguna, macabra. Su narración es hilada lentamente, sembrando el misterio en un espectador que se mantendrá inquieto a lo largo de los 105 minutos de metraje. Posee ciertos elementos sorpresivos dentro de tan siniestra historia y es que un tema tan peliagudo como el asesinato de una niña perpetrado por dos adolescentes no puede dejar indiferente a nadie. Un debate continuo de la doble moralidad que pueden adquirir los jóvenes, su autodestrucción y las leyes para menores que tratan hecho tan atroces como el expuesto en "Confessions" y que el cineasta no duda en denunciar. Por supuesto, alrededor de esta clase de violencia, salen a la luz problemas como el “bullying” (acoso escolar) y se hace especial hincapié en la educación que reciben los niños en sus propias casas, el trato familiar tanto desde el punto de vista del abandono como el de la sobreprotección. Una falta de correcta atención que hace que en los colegios impere la ley del fuerte contra el débil.

LOS PELIGROS DE LA MENTE (2013)

La mente humana sigue siendo una gran desconocida y, precisamente por eso, muchos autores están encantados de jugar con ella y que nosotros, sus espectadores, nos rindamos ante los apasionantes laberintos de traumas psicológicos, recuerdos y secretos escondidos bajo llave. El director español Jorge Dorado no pudo evitar sentirse conquistado ante tal puzzle irrealista para construir su primer largometraje, “Mindscape”, cinta con la que logró colarse entre los nominados los Goya a Mejor Dirección Novel en 2013. Un thriller psicológico con tintes freudianos que queda en las manos del también debutante guionista Guy Holmes.

John (Mark Strong) es un especialista capaz de introducirse en el subconsciente de sus pacientes para descubrir los incidentes que le han ocurrido en el pasado. A través de esta técnica, consigue ayudarles a superar todo tipo de conflictos internos que han arrastrado hasta el presente. Tras haber perdido a su mujer, John acepta el caso de una adolescente sociópata, Anna (Taissa Farmiga), una joven más compleja de lo que parece a simple vista, que le conducirá por una intensa trama llena de emociones y obstáculos hasta alcanzar su propio límite. 

El autor ha sabido captar la verdadera esencia del misterio, pero se ha dejado llevar por el temor de que su público no sea capaz de seguir la narración, por lo que constantemente vemos sobreexpuestos ciertos detalles de gran importancia, haciendo que el final sea cada vez más evidente. Dorado tenía buenas intenciones con una acertada elección del elenco y una idea brillante, pero el desarrollo de la historia es demasiado débil como para convertirse en una de las mejores cintas españolas de los últimos años. La semilla del thriller queda bien sembrada, creciendo a buen ritmo y logrando que el espectador empiece a dudar entre la verdadera realidad y los propios pensamientos y recuerdos de los personajes hasta que, de repente, nuestra mente se sitúa por delante del transcurso de la historia. Para los amantes del género, “Mindscape” es sencilla de digerir, apenas crea intensidad en sus planteamientos y el único interés que puede mantener la atención de los más experimentados es saber únicamente si se ha acertado o no en la consecución del clímax. 

TRAGICOMEDIA A RITMO DE JAZZ (2015)

Bien es sabido que el mítico realizador y guionista neoyorquino Woody Allen se autoimpuso la nada desdeñable meta de realizar, al menos, una producción por año. Esto supone que, de tres trabajos, uno saldrá decente. “Irrational Man” no comienza con los tradicionales créditos de apertura a ritmo de jazz, como en sus anteriores trabajos, sino que presenciamos el sonido ambiente como preámbulo a la versión instrumental de “The 'In' Crowd”, de Ramsey Lewis Trío. La intensidad de la trama comienza a fuego lento y lo que parece ser su clásica comedia romántica acaba aportando inesperadamente tintes de puro thriller.

Como cabía esperar, el personaje principal se encuentra en plena crisis existencial. Abe Lucas (Joaquin Phoenix), un profesor universitario de filosofía, siente que ha perdido el rumbo de su vida, posee un bloqueo absoluto para continuar con su libro sobre el filósofo alemán Martin Heidegger y el fascismo, y ve imposible encontrar el placer de continuar días tras día con la monotonía de su mundo. No desea mantener ningún tipo de relación sentimental, pese a que su fama de mujeriego le precede, y, su caótico existencialismo le ha llevado a refugiarse constantemente en el alcohol. Con la llegada a un nuevo pueblo, entran dos mujeres especiales en su vida: Rita Richards (Parker Posey), compañera de profesión que desea tener una excusa para poder abandonar a su marido; y Jill Pollard (Emma Stone), una estudiante aplicada que acaba convirtiéndose en su mejor amiga. Una vez más, los deseos y enamoramientos confluyen en un giro inesperado por el que Lucas encontrará una instantánea felicidad.

Por supuesto, tampoco pueden faltar los gags cargados de humor satírico que dinamizan tanto los inteligentes diálogos como la narración tan liviana que en los últimos años nos ofrece el autor. Dostoievsky, Freud o Kant, entre otras muchas citas, vuelven a salir a la luz para replantear el pensamiento, mientras que el tiempo, que empieza a pesar irremediablemente, y el retrato de la condición humana, cada vez más cuestionable para Allen, toman la batuta del guion para tornarse en una dualidad moral en la que el protagonista trata de justificar los indecentes medios para llegar a un supuesto final feliz y sentirse más vivo que nunca, algo que se repite constantemente en la filmografía del director.

EL PECADO DEL EXCESO (2014)

Muchos conocen al director nipón Tetsuya Nakashima principalmente por “Confessions” (2010), una cinta que se coló dentro de la programación del Festival de Sitges de 2010 y que nos presentaba un baño de violencia con un thriller psicológico bastante bizarro entre una profesora y sus alumnos. Atrás quedan “Kamikaze Girls” (2004), con la que se adentró en el mercado internacional de forma muy tímida, o “Conociendo a Matsuko” (2006), que llamó la atención en diversos certámenes asiáticos. Cuatro años pasaron sin tener noticias de él, pero el cineasta regresó con otro largometraje, “The World of Kanako”, que mantiene ese toque grotesco en su historia gracias a la decrépita imagen que construye de Japón.  

Kanako Fujisjima (Nana Komatsu) desaparece de repente en pleno Tokio, dejando destrozada a una familia desestructurada. Su padre, Akikazu (Kôji Yakusho), inicia una búsqueda exhaustiva para investigar lo que le ha ocurrido a su hija. Antiguo policía y alcohólico, no duda en verter la sangre de quien se cruce por un camino en el que poco a poco descubrirá lo más oscuro de la adolescente.

Bien es cierto que, contar con tal elenco, genera mucho interés, sobre todo entre los seguidores Yakusho, que cuenta con una extensa carrera y con multitud de películas bajo la batuta de los más grandes realizadores nacionales, como Kiyoshi Kurosawa, Shinji Aoyama o Takashi Miike, con los que ha repetido experiencia en varios trabajos. Igualmente, Nakashima vuelve a contar con este gran actor tras la excelente labor realizada en “Paco and the Magical Picture Book” (2008). En esta ocasión, su papel se acerca demasiado al perfil del coreano Choi Min-Sik en “Old Boy” (Park Chan-Wook, 2003), con ese lado tan vengativo y cruel refugiado en una buena causa. Nos atrae que el protagonista sea el perfecto antihéroe y disfrutamos de sus imperfecciones. Como veterano en la profesión, vuelve a adaptarse con naturalidad en este nuevo rol, con el que obviamente ensombrece al resto de compañeros, los cuales no hacen nada más que desfilar ante su presencia. Un gran número de personajes que representan a la sociedad japonesa actual en todas sus vertientes y, por supuesto, en su mayor decadencia. Junto a él, figuran los afamados Jun Kunimura y Satoshi Tsumabuki, o el internacional Jô Odagiri con intervenciones poco llamativas.   

EL HORROR DE LO COTIDIANO (2014)

No podemos evitar sentir cierto morbo cuando leemos en los medios de comunicación que una película ha causado estragos durante su visionado, provocando una mayor curiosidad por sus consecuencias más que por el placer de disfrutar de un rato de ocio. Saber que “Goodnight Mommy” generó un gran revuelo durante su proyección en el Festival de Venecia de 2014, con, incluso, algún que otro mareo, hace que nos preguntemos enseguida qué clase de filme contiene escenas tales para desatar esas reacciones.

El primer largometraje de ficción de los directores Severin Fiala y Veronika Franz conquistó tanto a la crítica como a los espectadores que tuvieron el placer de verla en la gran pantalla, con opiniones realmente interesantes tras su participación en el Festival de Sitges de 2014. La producción austriaca respaldada por el consolidado cineasta Ulrich Seidl bebe directamente de la fascinante “Funny Games” (Michael Haneke, 1997), con aquella narración tan perturbadora y desasosegante debido a la fuerte violencia gratuita protagonizada por esos dos extraños que se colaban en la casa de aquella tranquila familia. Es irremediable recordar este acertado trabajo, pero, en esta ocasión, se agrega un condicionante que presenta una realidad más inquietante: la violencia tras la cotidianeidad.

Elias y Lukas (Elias y Lukas Schwarz) son dos hermanos gemelos de unos 10 años que viven en una tranquila casa alejada de cualquier población y en pleno bosque, donde se divierten juntos sin más contacto que la propia naturaleza del hogar. Su madre (Susanne Wuest), recientemente soltera, sale del hospital tras someterse a una operación de cirugía estética en su rostro y se encierra en su dormitorio para buscar descanso. Los niños comienzan a notar cierto cambio en la personalidad de la mujer hasta el punto de no reconocerla. Tras los vendajes se esconde alguien irritable, que no soporta el comportamiento de sus hijos y que parece rozar la exasperación. Ellos, en cambio, intentan asimilar la situación a través de alguna clásica travesura y de juegos infantiles, pero el distanciamiento en la familia les llevará a sufrir terribles consecuencias. Con tal argumento, nunca podríamos haber sospechado que “Goodnight Mommy” guardaba escenas de gran impacto, tan salvajes que pocos se sentirán indiferentes, pero lo más importante es que, tras su visionado, genera opiniones, debates y sorpresa. No es necesario recurrir a elementos gore para hacernos sentir repugnancia y asombro por la situación que se genera, por una realidad que nos cuesta creer y a la vez podemos sentir que puede ocurrir fácilmente. 

LOS HOMBRES SIN PASADO (2009)

“The Prisoner” fue una de las series más exitosas de la historia de la televisión, aunque este reconocimiento llegó tarde. Emitida en Gran Bretaña durante 1967 y 1968, fue escrita por los guionistas George Markstein y Patrick McGoohan, quien, a su vez, se convertiría también en el protagonista. Los 17 capítulos de los que constaba, fueron emitidos sin el orden que sus creadores habían deseados y, finalmente, fue cancelada, forzando un último episodio que dejaba demasiadas incógnitas en el aire.

Cuarenta años después, el director Nick Hurran se hizo cargo del proyecto: una miniserie de 6 capítulos que intentaría llevar a cuestas el calificativo de “adaptación”, pero también pasaría a desenmarañar la inmensa telaraña que supuso su trama. Así pues,  junto al guionista Bill Gallagher, se retomó la historia de “seis” (James Caviezel), un espía al que drogan y secuestran para llevarlo a “La Villa”, un lugar aparentemente apacible en el que todas las personas son llamadas por un número y guiadas por “dos” (Ian McKellen). Al igual que el protagonista, que no consigue recordar su vida real, sus vecinos no tienen memoria ni pasado. Frente a ellos, “los soñadores” creen que existe un mundo más allá de las fronteras del pueblo, por lo que su inquietud les lleva a ser perseguidos constantemente.

Su trama es un verdadero thriller y, en cierta manera, nos recuerda a películas como “El Show de Truman” (Peter Weir, 1998), ya que vamos averiguando lo sucedido prácticamente al mismo tiempo que lo hace el protagonista, pero su final es más profundo con una visión fantástica al jugar con cuestiones mentales y del subconsciente. Los seis capítulos compactan a la perfección una historia que no ha envejecido, pero que en su momento fue innecesariamente alargada. Sin embargo, el misterio, la incomprensión y el gran entramado de conflictos proporcionan cierta pesadez en la narración. Demasiado tiempo preguntándonos qué es lo que ocurre y quiénes son todos los personajes hace que reste calidad al potencial del trabajo.

PURO EXCESO, PURO CAOS (2014)

Decir “Puro Vicio” nos lleva a pensar en cualquier cosa menos en algo sensato, ¿verdad? Un título que llama la atención por sí sólo para la cinta del famoso director estadounidense Paul Thomas Anderson. Partiendo de la base de que estamos ante uno de los cineastas más importantes en la actualidad y que no suele dejar indiferente a nadie, muchos albergábamos expectativas al nivel de “Boogie nights” (1997). Tal vez sea por la ambientación que une a ambas películas la que hizo que relacionáramos todo, a excepción de su trama, y ha sido francamente un error. Pero centrémonos en este curioso largometraje, en la historia de Doc Sportello (Joaquin Phoenix), un detective privado de Los Ángeles a principios de los años 70. Una noche, Shasta Fay (Katherine Waterston), le contrata para que investigue la desaparición de su amante, Michael Wolfmann (Eric Roberts), un magnate inmobilario; y el plan que su mujer, Sloane (Serena Scott Thomas), junto a su entrenador personal, maquinan para meterle en un manicomio y quedarse con su fortuna.

La adaptación de la novela de Thomas Pynchon parte de una premisa sumamente interesante, pero acumula tal cantidad de personajes que acaban convirtiendo a la cinta en puro caos, por lo que es inevitable que, poco a poco, sintamos que nuestro interés va a menos. A pesar de ello, la presencia de Phoenix es fascinante, cada escena nos muestra al actor cómodo, en su salsa, lleno de carisma, ese magnetismo con el que nos ha embriagado también en sus anteriores trabajos, incluida su colaboración con Anderson, “The Master” (2012). Como antagonista, un interesante Josh Brolin, en el papel del teniente de policía, nos enseña la gran versatilidad que puede mostrar. También destaca Benicio del Toro de secundario, siendo una lástima el desaprovechamiento de éste con menos apariciones en pantalla de las que nos gustaría. Así podríamos seguir nombrando la gran cantidad de nombres que desfilan ante nuestros ojos. 

LA ESENCIA DEL METRAJE ENCONTRADO (1999)

“Outer Space”, del director austríaco Peter Tscherkassky, no es un trabajo como otro cualquiera. Verlo por primera vez supone un cúmulo de sensaciones indescriptibles, puesto que pocas veces podemos visualizar metrajes parecidos. Si agregamos a esa experiencia, la posibilidad de poder disfrutarlo en pantalla grande, hace que, inevitablemente, este cortometraje se coloque entre nuestros favoritos. 

El cine experimental juega con nuestra percepción, unas veces a partir de la narración y, en otras, como el caso que nos atañe, a través de la imagen y sin necesidad de una cámara. Veremos a una mujer aterrorizada por algo desconocido en un fragmento que, aparentemente, parece caótico, bajo un halo inquietante y espectral que produce el propio montaje y que nos invita a descubrir y profundizar en el metraje encontrado. Apenas 10 intensos minutos extraídos de la película “El Ente” (1982), de Sidney J. Furie, que forman parte de "CinemaScope Trilogy" (1997-2001), acompañando a “L’arrivée” y “Dream Work”.