EL CAMINO DE LA SUPERACIÓN (2020)

En la historia han quedado inscritas relaciones de amistad un tanto extrañas, a veces, incluso, inverosímiles, como es, en este caso, la de una pintora y un ladrón de cuadros. Resulta imposible pensar en la posibilidad de que surja una conexión cuando el segundo afecta económica y emocionalmente a la primera. En nuestra mente, esto es inviable y, de no ser así, lo más seguro es que fracase tarde o temprano. Pero la amistad, ante todo, no es racional, sino que se deja llevar por impulsos o por el instinto que, en esta ocasión, demuestra la pintora hiperrealista checa Barbora Kysilkova. Su curiosa experiencia queda retratada en el documental “La Pintora y el Ladrón”, el segundo trabajo del director, guionista y productor noruego Benjamin Ree tras el éxito cosechado con “Magnus” (2016), su reconocida ópera prima que le catapultó directamente al circuito de festivales internacionales de cine. 

Sin embargo, su logro más destacado llegó con su triunfo en Sundance con el premio especial del jurado gracias a Kysilkova y su querido y enigmático amigo. Pero, ¿cómo surge esta relación? La premisa no puede ser más atractiva, por lo que desde los primeros minutos del metraje esperamos con ansias que se produzca el encuentro entre los dos. Barbora posee un don maravilloso, pero es difícil llegar a final de mes manteniendo un atelier para alojar sus creaciones y disfrutar de un espacio para ella sola. Tampoco es sencillo encontrar una sala para exhibir sus últimas obras, pero, por suerte, consigue alojar algunas de ellas en una galería de arte en Oslo. Al día siguiente, aparece en las noticias el extraño robo de dos de sus cuadros, siendo uno de ellos de un valor muy significativo para Barbora. Gracias a las grabaciones de las cámaras de seguridad, no tardan en coger a uno de los dos ladrones, Karl-Bertil Nordland, con quien tendrá que verse en el juicio. Justo antes de que empiece la audiencia, la artista siente la necesidad de acercarse a él para conocerle y, sobre todo, para conocer el por qué había robado precisamente esos dos cuadros.

LA VIOLENCIA DEL LUJO (2018)

Controvertida, sin duda, fue la presentación en Sundance de la obra de la directora sueca Isabella Eklöf, “Holiday”, una coproducción entre Dinamarca, Holanda y Suecia que, para muchos, rebasaba los límites de una ficción. Sea una opinión exagerada o no, lo cierto es que la cinta no pasa desapercibida, dejando una fuerte impresión en quien se adentra en el paradisíaco ambiente de Bodrum, en Turquía, lugar en el que se produce un cambio en la vida de Sascha (Victoria Carmen Sonne). Con guion a cargo de Johanne Algren y la propia cineasta, la historia se sumerge en la violencia y abusos entre personajes que sirven para marcar bien el poder de quien somete, bien la pasividad de quien funciona como una especie de trofeo.

La joven Sascha se siente feliz por llegar por fin a su destino vacacional, en donde se reunirá con su novio, Michael (Lay Yde), el jefe de toda una red de tráfico de drogas que pretende disfrutar de las playas turcas junto a algunos de sus trabajadores. Sascha queda sometida ante su presencia, cumpliendo con los deseos de su pareja en todo momento hasta la llegada de Thomas (Thijs Römer), un empresario holandés que se acerca con gran simpatía a la chica. La vida de los tres cambia totalmente, desatando nuevas afinidades, celos, agresividad, accidentes, palabras dolientes y silencios incómodos para desembocar en un final inesperado que acaba normalizando la tensa situación.

Eklöf presenta un trabajo en el que la violencia campa a sus anchas desde el primer instante. Desarrollada a fuego lento y con un pulso narrativo de lo más acertado, la trama parece transmitir una sensación de pasividad extrema en su primera mitad. Sin embargo, pareciera toda una preparación psicológica para lo que nos espera en los restantes minutos del metraje. Sasha se deja engañar por el lujo con el que cubre su frustración, una vida sucumbida a la desgracia abocada al más absoluto fracaso. Pero ¿por qué debería salir algo bien? Precisamente, su rutina se rompe con la presencia de Thomas. ¿Es, acaso, él su única oportunidad de salir del oscuro pozo en el que permanece encerrada? Sasha es más consciente que nunca de que un nuevo horizonte podría presentarse gracias a la afable personalidad de Thomas, pero no todo es tan fácil como debería ser.

UN PUNTO DE INFLEXIÓN (2012)

“Tú y Yo” es una de esas obras que pasa desapercibida, aunque su autor sea uno de los mejores directores italianos nacidos, a nivel profesional, en plena modernidad europea. Recordado más por éxitos como “El Último Tango en París” (1972) o “Soñadores” (2003), entre otros muchos, Bernardo Bertolucci es todo un maestro en llevar a sus personajes directamente a la catarsis en forma de viajes exploratorios hacia sus propios límites. En esta ocasión, se sumerge una vez más en el papel de la juventud, de una etapa de nuestra vida que tiende a la experimentación, a la búsqueda de una identidad. Una pequeña narración de gran fondo que no cuenta con un gran despliegue ni mucho menos altas expectativas, pero que fluye con gran sinceridad sobre esas vivencias inesperadas que marcan un antes y un después en la trayectoria de uno mismo.

Como adaptación un tanto libre a la novela del escritor Niccolo Ammaniti, la historia presenta a Lorenzo (Jacopo Olmo Antinori), un adolescente de 14 años que comienza a adentrarse en una fase de autoexploración y cuestionamiento. La mala relación con su madre (Sonia Bergamasco), que bien podría ser típica de su edad, y la ausencia de su padre le han marcado tan profundamente hasta el punto de sentirse oprimido. Esa necesidad de libertad le lleva a escapar de casa aprovechando que el colegio realiza una excursión a los Alpes. Cualquiera pensaría que, con tal oportunidad, Lorenzo correría lejos de su ciudad para vivir sus primeras aventuras, pero, lo cierto es que simplemente quiere aislarse una semana de todo lo que le rodea. Para ello, se refugia en el sótano del edificio en donde reside, un lugar en el que la familia acumula viejos trastos y que mínimamente adecúa para sobrevivir esos días. Sin embargo, su tranquilidad queda reducida a cenizas con la llegada de ella, su hermanastra Olivia (Tea Falco).

LOS SALVAJES AÑOS SETENTA (2016)

Nos trasladamos al Nueva York de los años 70 gracias a la nueva apuesta de la cadena HBO. El mítico director Martin Scorsese regresa al mundo televisivo junto al cantante de los Rolling Stones, Mick Jagger, como productor, y el guionista Terence Winter. Un equipo inigualable que presenta “Vinyl”, una serie que va a dar mucho de qué hablar en los próximos tiempos. Con un capítulo piloto que bien podría haber sido una de las mejores películas del cineasta, sobre todo, por sus casi 2 horas de duración, la historia nos lleva directos a la discográfica American Century. Su dueño, Richie Finestra (Bobby Cannavale) debe decidir si permanece al frente de una compañía al borde de la quiebra o la vende por una suma realmente cuantiosa a la famosa Polygram holandesa. Richie piensa retirarse para estar con su familia, un deseo que anhela su esposa Devon (Olivia Wilde), que intenta ayudar constantemente a su marido para que no vuelva a caer en el mundo de las drogas.

Hace 10 años que Richie descubrió su talento para la música, un universo del que sigue disfrutando y sacando el máximo partido, pero la rutina en la empresa cada vez es más inestable. Sus cazatalentos siguen buscando nuevos grupos a los que lanzar, pero no parecen dominar un trabajo para el que Richie ha nacido. Por desgracia, acaban de perder a Led Zeppelin, ya que Robert Plant (Zebedee Row) ha descubierto que están siendo engañados por la compañía. Sin embargo, la joven Jamie Vine (Juno Temple), la secretaria, parece haber encontrado un gran filón en una banda un tanto descoordinada, The Nasty Bits, encabezada por el cantante Kip Stevens (James Jagger). Sin duda, a Richie no le quedan fuerzas para seguir al frente de American Century, pero todo cambiará con una extraña revelación que tendrá en uno de los conciertos de The New York Dolls.

DINERO, SEXO Y DROGAS (2013)

Es indudable que “El Lobo de Wall Street” es una de las cintas más gamberras del veterano cineasta Martin Scorsese. Tres horas de máximo desfase pasado de rosca con excesos de todo tipo y una historia repleta de exuberancias hasta el extremo. El afamado autor se embarcó en un trabajo de lo más intrépido y chispeante, sobre el que reposa toda la comicidad en el personaje de Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio), un sobradamente carismático broker sin conciencia que llega a Wall Street como una especie de huracán. Gracias a su descaro, se convierte en multimillonario a través de un negocio fraudulento junto a su compañero Donnie (Jonah Hill). El dinero le lleva a la locura de una vida de desenfreno, adicción a las drogas, al alcohol y al sexo. El largometraje, basado en las memorias del ex-corredor de bolsa Jordan Belfort, retrata no sólo su extraordinaria subida a la cúspide y su enriquecimiento durante la década de los 80, trayectoria que recogieron multitud de medios de comunicación, sino que, además y, como no iba a ser menos, su estrepitosa caída directa a la realidad, que fue aún peor.

Sus 5 nominaciones a los Oscars en 2013, entre las que se incluye la de mejor película y director, recompensaron, en parte, el esfuerzo de Scorsese y DiCaprio, quien puso todo su empeño para adjudicarse este proyecto tras varios años de insistencia. Un dúo inseparable desde “Gangs of New York” en 2002, donde realizaron una estupenda primera colaboración y que les ha llevado a seguir aliándose hasta, incluso, conseguir concentrar al gran Robert De Niro y Brad Pitt en el cortometraje “The Audition”, que se proyectará el próximo septiembre durante la 72ª edición de la Mostra de Venecia. 

UN VIAJE ALUCINANTE (2009)

Pocas películas comienzan con su protagonista muerto en sus primeros minutos y que, a partir de ahí, surja un viaje astral a través de toda una megalópolis tan brillante, artificial y oscura. Odiada y menospreciada por la crítica durante años, “Enter The Void” (y a su realizador y guionista, el argentino Gaspar Noé) se convirtió en una de esas cintas de cine maldito en la que todos los improperios se centran en decir que le sobra metraje. El público y la prensa especializada ya sabía a qué se atenía conociendo la obra previa del autor. Eso es lo esencial para enfrentarse a un trabajo de este director, saber que no se corta un pelo a la hora de poner escenas duras en pantalla o, mejor dicho, abordar éstas de una manera que a otro cineasta ni se le pasaría por la cabeza. Y es de agradecer que, hoy en día, algunos pocos se atrevan a arriesgar y a enriquecer el mundo del séptimo arte.

Antes de enfrentarse a este largometraje tan complicado y diferente, es necesario dejar a un lado nuestra mente para disfrutar del curioso juego propuesto a través de un ejercicio cinematográfico sin igual que reclama más que atención por parte del espectador. El autor lanza su propia autoría contra la pantalla a través de letreros luminosos con los que presenta poco a poco a su indispensable equipo. Tan rompedor comienzo nos desvela la historia de Oscar (Nathaniel Brown) y Linda (Paz de la Huerta), dos hermanos norteamericanos que residen en la inmensa ciudad de Tokio. Él trafica con drogas, mientras que ella es una stripper en un club nocturno. Pronto sus vidas darán un giro cuando Oscar se ve envuelto en un altercado y fallece tras ser disparado por la policía.

PURO EXCESO, PURO CAOS (2014)

Decir “Puro Vicio” nos lleva a pensar en cualquier cosa menos en algo sensato, ¿verdad? Un título que llama la atención por sí sólo para la cinta del famoso director estadounidense Paul Thomas Anderson. Partiendo de la base de que estamos ante uno de los cineastas más importantes en la actualidad y que no suele dejar indiferente a nadie, muchos albergábamos expectativas al nivel de “Boogie nights” (1997). Tal vez sea por la ambientación que une a ambas películas la que hizo que relacionáramos todo, a excepción de su trama, y ha sido francamente un error. Pero centrémonos en este curioso largometraje, en la historia de Doc Sportello (Joaquin Phoenix), un detective privado de Los Ángeles a principios de los años 70. Una noche, Shasta Fay (Katherine Waterston), le contrata para que investigue la desaparición de su amante, Michael Wolfmann (Eric Roberts), un magnate inmobilario; y el plan que su mujer, Sloane (Serena Scott Thomas), junto a su entrenador personal, maquinan para meterle en un manicomio y quedarse con su fortuna.

La adaptación de la novela de Thomas Pynchon parte de una premisa sumamente interesante, pero acumula tal cantidad de personajes que acaban convirtiendo a la cinta en puro caos, por lo que es inevitable que, poco a poco, sintamos que nuestro interés va a menos. A pesar de ello, la presencia de Phoenix es fascinante, cada escena nos muestra al actor cómodo, en su salsa, lleno de carisma, ese magnetismo con el que nos ha embriagado también en sus anteriores trabajos, incluida su colaboración con Anderson, “The Master” (2012). Como antagonista, un interesante Josh Brolin, en el papel del teniente de policía, nos enseña la gran versatilidad que puede mostrar. También destaca Benicio del Toro de secundario, siendo una lástima el desaprovechamiento de éste con menos apariciones en pantalla de las que nos gustaría. Así podríamos seguir nombrando la gran cantidad de nombres que desfilan ante nuestros ojos.