EL SUEÑO DE UN MENSAJE IMPOSIBLE (1987)

Esta contemporaneidad en la que el contenido digital, los cambios y la inmediata actualidad mandan, no nos impide que podamos recatar el pasado desde su fisicidad entre tantas cuentas pendientes. El salto del analógico al digital provocó, entre otras consecuencias, que muchas películas independientes quedaran en el olvido durante décadas, como fue el caso de “Friendship’s Death”, cuya restauración corrió a cargo del British Film Institute. El primer largometraje en solitario del director, guionista y teórico británico Peter Wollen supone una obra realmente valiosa al ser la última película que el cineasta realizara antes de retirarse para dedicar sus esfuerzos a la investigación académica en la Universidad de California. Para muchos, es una cinta totalmente desconocida que reclama nuestra atracción por su actriz protagonista, una jovencísima Tilda Swinton que intentaba abrirse paso en el mundo de la interpretación con su sexto trabajo, tal vez, el que más atención generó en su momento.

El British Film Institute no pudo dejar pasar la oportunidad de ofrecer esta obra a los cinéfilos tras las incalculables colaboraciones con el centro que Wollen realizó en formato libro con investigaciones sobre Orson Welles, Howard Hawks, Andy Warhol o clásicos del cine como “Cantando bajo la lluvia” (Stanley Donen y Gene Kelly, 1952), entre otros escritos sobre sociología y semiótica. En esta ocasión, el director escribió un guion sumamente intimista al encerrar a sus dos personajes en una habitación de hotel de la que no saldremos en los apenas 78 minutos de duración. Un robot (Tilda Swinton) es enviado a la Tierra para traer un mensaje de paz a los seres humanos. Diseñado con el único objetivo de ir al Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) para acceder a las Naciones Unidas, llega por error a Amman, en Jordania, precisamente cuando el país se encuentra golpeado por los disturbios del Septiembre Negro de 1970. A causa de esto, el corresponsal británico Sullivan (Bill Paterson) debe informar de la actualidad desde su habitación del hotel, coincidiendo con el robot. Ella le confiesa su propósito, mientras él pone en cuestión su testimonio.

LUCES EN LA OSCURIDAD (2015)

Siguiendo con la tónica habitual de los últimos años, las carteleras se llenan de remakes de todo tipo. La mayoría son totalmente innecesarios, regocijándose en un despliegue de medios de los que no se podía disponer en épocas anteriores; otros simplemente perfeccionan una historia, aportando nuevos giros a una trama que en su día pasó desapercibida. Pocos son los que se atreven a encarar una cinta que supone tanto riesgo con un público que ya conoce la historia. Uno de ellos es el director italiano Luca Guadagnino, que aporta su propia visión de “Cegados por el Sol”, la película que, en 1969, realizaría el cineasta francés Jacques Deray bajo el título “La Piscina” y cuyo reparto encabezarían los míticos actores Alain Delon y Romy Schneider. Las comparaciones son odiosas, pero, en este caso, resultan irremediables.

Si el deseo y los celos movían la clásica trama, basada en la historia escrita por el guionista francés Alain Page, en ésta no iba a ser menos. Marianne Lane (Tilda Swinton) es una famosa cantante de rock que sufre una severa afonía. Para tratar de recuperarse, descansa una temporada en la isla siciliana de Pantelleria junto a su pareja, Paul (Matthias Schoenaerts), un misterioso fotógrafo más joven que ella. De forma inesperada, el alocado Harry (Ralph Fiennes), exnovio de Lane, decide ir a ver a la estrella junto a su preciosa hija Penélope (Dakota Johnson), una coqueta adolescente que no duda en utilizar sus inocentes armas de seducción. Lo que parecían unas apacibles vacaciones se convierte en el hogar de las dobles intenciones y mentiras.

Drama, romance y aires de thriller adornados por una elegante comicidad que se deslizan entre las manos del guionista estadounidense David Kajganich, convirtiéndose en un extraño híbrido con gran poder de atracción. Un agradable producto que atrapa por su cercana e íntima narración desarrollada a fuego lento, pero que, sin embargo, sufre fuertes altibajos por culpa de ciertos flashbacks innecesarios, por una introducción que da la sensación de quedar extrañamente paralizada y por un metraje que se alarga excesivamente. Como si fuera un reflejo de nosotros mismos y de la sociedad de la que formamos parte, Guadagnino entrelaza la amistad, el amor, los celos y deseos o la manipulación para desenmascarar a unos personajes que llevan todo el peso de la película. Esta proyección de la psicología de las relaciones humanas es la principal culpable de transformar lo que era una bonita e idílica atmósfera veraniega en un juego inesperado y una interesante intriga que sólo es entorpecida por personajes secundarios poco funcionales que rompen con esa grata fluidez.

EL IMAGINARIO DE TERRY GILLIAM (2013)

Resulta curioso observar cómo el inigualable director Terry Gilliam tiene su particular forma de entender la ciencia ficción y cómo ese universo siempre parece una constante en su filmografía. No son pocos los que han comparado "Teorema Zero" como un auto-plagio de su anterior "Brazil" (1985), pero de un modo menos trágico y más capitalista a la par que "realista". Tanto en esta última como en "12 Monos" (1995), el cineasta se repite al usar elementos de estos trabajos en cuanto a estética y cacharrería varia (salvo que en el título que nos ocupa, no utiliza una guerra post-apocalíptica de por medio).

Aquí se narra la historia de un trabajador, una pieza dentro del gigantesco mecanismo de una sociedad pasada de tuercas, que vive obsesionado esperando una llamada que nunca va a llegar y que, conforme deja entrar a gente en su vida, ve cómo ésta se va desmoronando. Lo bueno de este último largometraje es que no abusa de ese englomerado visual de técnicas por ordenador que tan saturados nos tienen a día de hoy y que resultó perjudicial en su obra de "El Imaginario del Dr. Parnassus" (2009), utilizando aquí atrezzos de todo tipo, pantallas luminiscentes, tablets, móviles de última generación y elementos retrofuturistas (el anuncio de la iglesia de Batman Redentor, no tiene precio). 

Gilliam vuelve a crear un delicioso paisaje futuro como a él le gusta, sin aspavientos formales pero con un exceso patente en cada plano. Como se ha dicho antes, la visión de ese mañana figurado es muy cercana a la que creó hace casi 20 años en "12 Monos". De hecho, los más freaks encontrarán elementos comunes entre la película de Bruce Willis y esta última, con Christoph Waltz. Este futuro se afronta desde una actitud de viejo cascarrabias que conoce pero no acepta el tiempo al que nos dirigimos. Demuestra más claramente la realidad en esas fiestas tan modernitas de postureo en las que todo el mundo está con su tablet y sus auriculares individuales. Acostumbrados a otras representaciones más estilizadas, esto puede parecer menos natural, pero también es una predicción más probable.