Mostrando entradas con la etiqueta 2017. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta 2017. Mostrar todas las entradas

domingo, 31 de julio de 2022

SANAR UN CORAZÓN ROTO (2017)

Tras aquellos días en los que el popular actor estadounidense Jim Carrey nos hacía reír y desconectar de la rutina, las responsabilidades y problemas diarios, existe otra cara que el propio artista reveló al declarar haber sufrido depresión. De repente, aquella etapa tan alocada que nos marcó a muchos parecía quedar demasiado lejana. Ese Carrey imparable se difuminaba por las emociones y nos hacía recorrer su filmografía en apenas unos segundos, como cuando lanzó un combo mortal en la taquilla en 1994 con “Ace Ventura, un detective diferente” (Tom shadyac), “La máscara” (Chuck Russell) y la comedia de culto “Dos tontos muy tontos” (Peter y Bobby Farrelly). También cuando se ganó a pulso explorar el lado más oscuro de personajes de mayor complejidad, como el villano Enigma en “Batman Forever” (Joel Schumacher, 1995) o ese obsesivo tipo del cable en “Un loco a domicilio” (Ben Stiller, 1996); o cuando nos dejó memorables películas en su etapa más cercana al drama, como “El show de Truman” (Peter Weir, 1998), “Man on the Moon” (Milos Forman, 1999) u “¡Olvídate de mí!” (Michel Gondry, 2004). Posiblemente “El Grinch” (Ron Howard, 2000) nunca hubiera sido igual si Jim Carrey no lo hubiera encarnado. Sus más de cincuenta premios y un centenar de nominaciones a sus espaldas avalan su sobradamente reconocido trabajo, que, sin duda, ya forma parte de la historia del séptimo arte y de la memoria de una audiencia global que supo depositar su confianza en él hasta convertirse en la marca del éxito.

martes, 23 de abril de 2019

ESCAPANDO DE LA VIDA (2017)


Desde los años 90, es bastante común encontrar obras independientes en las que principalmente se trata la deriva que muchas veces caracteriza tanto a nuestra sociedad actual. Ese retrato del mal-estar tan generalizado que rebusca en el existencialismo para desnudar y que obliga a confrontarse con uno mismo sin defensa alguna. Aún a día de hoy sigue siendo un tema recurrente que despierta una inevitable empatía entre los espectadores y que descubre realidades urbanas que, de alguna u otra manera, resultan irremediablemente cercanas. A este tipo de narrativas, en las que todo parece evanescente entre no lugares e impedimentos para vivir, se suma el primer largometraje de la directora, productora y guionista Cati González. “Ekaj”, proyectado en un gran número de festivales, logró alzarse con varios premios principales que funcionan a modo de sello de calidad cuanto menos. Pero, ¿quién es la persona que da título a esta obra?

Ekaj (Jake Mestre) es un joven inocente y solitario, forzado a vagar por las calles debido a que su padre no ha sido capaz de aceptar su homosexualidad. Perdido entre la muchedumbre de Nueva York, es víctima de múltiples infortunios hasta que conoce a Mecca (Badd Idea), con el que termina compartiendo un cigarro. Su nueva amistad le protege, divierte, aconseja y apoya. Es una persona especial entre todo lo que le rodea. Él le enseña a robar, a prostituirse, a ser independiente, a mantenerse en una vida de constantes tropiezos. Ambos salen a trabajar por la noche, mientras que, por el día, se cuelan en el piso del primo de Mecca o buscan refugio entre extraños conocidos. Ekaj crece, descubre un amor erróneo, un negocio para el que sirve, una nueva excusa para consumir drogas que le hagan soportar su día a día. Sin embargo, la salud de Mecca se deteriora demasiado rápido. El SIDA pretende interponerse entre lo más verdadero que tiene Ekaj, su amistad con Mecca.

martes, 15 de enero de 2019

PROTEGIENDO AL ASESINO (2017)


El director, guionista y productor surcoreano Park Hoon-Jung se estrenó en el mundo del séptimo arte con la narración de “I Saw the Devil” junto a Kim Jee-Woon en 2010, teniendo ante sus manos uno de los thrillers más importantes de la cinematografía surcoreana hasta la fecha. La película recaudaría nada menos que $12 millones, posicionándose en el puesto número 14 de las cintas más vistas en el año. Este primer paso le llevaría también a escribir “The Unjust” (2010), en la que trabajaría con otro de los grandes cineastas de Corea del Sur, Ryoo Seung-Wan, lo cual le llevaría a respaldar una obra que obtendría $18 millones de recaudación. Dos grandes éxitos en un solo año que impulsarían un nuevo ciclo en su vida, esta vez, como director. 

Su ópera prima, “The Showdown” (2011), un drama con interesantes escenas de acción, que se sitúa en la Manchuria del siglo XVII, apenas aparecería en las listas de los mejores largometrajes del año, pasando totalmente desapercibido para el público local. No obstante, su trayectoria profesional pronto alcanzaría la cumbre con su segundo largometraje, “New World”, tan sólo dos años después. El thriller con tintes neo-noir no sólo conquistó la taquilla nacional, en la que obtuvo nada menos que $31 millones, sino que, además, saltó al panorama internacional entre festivales de cine y taquillas ávidas de cinematografías diferentes, convirtiéndose en una obra inolvidable, en especial, por contar con los tres actores del momento, Choi Min-Sik, Lee Jung-Jae y Hwang Jun-Min. A ella le seguiría “The Tiger” (2015), para la que contaría nuevamente con la presencia de Choi Min-Sik, esta vez, sin compartir protagonismo. El eterno “Oldboy” se vería inmerso entre las montañas de Jirisan durante la ocupación de los japoneses para emprender una aventura como un gran cazador de tigres.

viernes, 20 de julio de 2018

LA CONMOCIÓN DEL PASADO (2017)


La historia contemporánea de Europa registra una gran cantidad de acontecimientos importantes a lo largo del siglo XX, desde las guerras mundiales, las tensiones diplomáticas, la falta de seguridad internacional, la restructuración constante del mapa continental, etc. Sin embargo, las ambiciones que respaldaban la revolución de Mayo del 68 eran diferentes. Un suceso que trataba de marcar un antes y un después en las vidas del pueblo y que comenzó a través de la movilización de varios movimientos estudiantiles en París. En tan solo dos meses, lograron el apoyo de una gran parte de la población, llegando a producirse la mayor huelga general en la historia de Francia. Sin embargo, estos hechos eclipsaron por completo otros de similares características en diversos puntos candentes del mapa mundial. Todos ellos reunían características comunes, motivaciones similares, protagonistas idénticos y gobiernos que no estaban preparados para hacer frente a la fuerza conjunta de la ciudadanía. 

Por eso mismo, “No Intenso Agora”, el documental del guionista y director brasileño João Moreira Salles, se vuelca por completo en presentar diferentes perspectivas a través de un metraje de 127 minutos, por el que recibió premios por parte de la Asociación de Críticos de São Paulo, el Festival de Cine de Santiago y Cinéma du Réel, sumándose también el premio de la crítica en el Atlántida Film Fest de 2018. No es para menos. El autor reúne un extenso material de archivo que parte de las grabaciones caseras de su madre en su viaje a China durante los años 60. Un inicio personal y muy cercano que le lleva a explicar la atracción que ella sintió ante el exotismo de una tierra tan lejana, por aquellos entonces bajo la batuta del líder de la República Popular China, Mao Tse-Tung. Intercalando tales experiencias de una mujer que surge en pantalla totalmente fascinada por la cultura y sus gentes, el cineasta nos traslada de golpe a Europa para describir los primeros brotes del Mayo francés.

miércoles, 18 de julio de 2018

EL GERMEN DE LA MALDAD (2017)


El director y guionista turco Onur Saylak es más conocido por su faceta de actor en series de televisión que disfrutan de gran popularidad en Turquía. Tras el cortometraje “The Jungle” (2012), que codirigía junto al cineasta Dogu Yasar Akal y con el que logró dos premios, uno en el Festival de Cine Independiente de Berlín y otro en el International Filmmaker Festival of World Cinema de Londres en 2016, se lanzó de lleno a su primer largometraje, “Daha”, un drama basado en la novela del escritor griego Hakan Günday, que trata en profundidad cuestiones como el tráfico de personas y las consecuencias psicológicas que atañe. Tras habiéndose alzado con galardones del East End Film Festival de Reino Unido, del Festival de Cine de Valladolid e, incluso, del Festival Karlovy Vary, la cinta desarrolla una compleja historia que resulta apasionante y perturbadora a partes iguales.

Gaza (Hayat Van Eck) es un joven de 14 años que vive con su padre, Ahad (Ahmet Mümtaz Taylan), en una vieja casa cercana al mar Egeo. Pese a que le gustaría salir de la zona y poder ir a Estambul para continuar sus estudios con el apoyo de los propios profesores, Gaza está sometido a la presión de su padre, quien cree que no necesita seguir en el colegio y que debería unirse a él para formar una empresa. Pero, ¿qué tipo de empresa? Ahad se dedica a recoger a inmigrantes con su furgoneta en plena madrugada, ubicarlos durante varios días en el frío sótano de su casa y guiarlos nuevamente para que entren sin problemas en el país. Gaza se encuentra en una gran encrucijada, forzado a decidir cuanto antes qué futuro desea tener, distanciarse de todo lo que le rodea o convertirse en una víctima más de las circunstancias que han determinado una parte de él.

viernes, 13 de julio de 2018

EXPERIMENTOS CON LA IDENTIDAD (2017)


El director francés Bertrand Mandico es más conocido por su extensa aportación de cortometrajes en los que se juega con la experimentación artística, un elemento que ha querido plasmar igualmente en su primer largometraje, “The Wild Boys”. Esta ópera prima rezuma claras influencias de las vanguardias, especialmente del surrealismo, para radicalizar la identidad de género. Sin duda alguna, es imposible que su debut pase desapercibido entre la audiencia gracias a la originalidad, picardía y descaro con la que se desarrolla su trama. La ambivalencia juega un papel muy importante en los personajes de Romuald (Pauline Lorillard), Jean-Louis (Vimala Pons), Hubert (Diane Rouxel), Tanguy (Anaël Snoek), Sloane (Mathilde Warnier), cinco jóvenes rebeldes que llevan sus travesuras al extremo. Tras cometer un crimen y ser sometidos a un juicio del que trataron de salir airosos a base de mentiras, sus familiares deciden entregarles al Capitán (Sam Louwyck) con el fin de que les haga cambiar de actitud. Este les arrastrará a su viejo barco, en el tendrán que trabajar en equipo y vivir en condiciones adversas. Sin embargo, tras un intento de motín, acabarán desembarcando en una extraña y placentera isla en la que los cinco protagonistas se verán totalmente transformados.

La violencia inicial que se nos presenta queda desmerecida, en parte, por la evidente influencia de la mítica “La Naranja Mecánica” (1971), de Stanley Kubrick. Sin embargo, poco a poco se difumina entre el onirismo, la sensación pesadillesca que envuelve tal historia y la cada vez más presencia de connotaciones que van más allá del aparente ámbito sexual. Su trazo experimental se extiende con buen pulso a lo largo de los 110 minutos de metraje, forjando un retrato transgénero en forma de crítica social. La femineidad termina campando a sus anchas hasta encumbrar un clímax de diferentes colores. Las emociones extremas se adueñan de los jóvenes, explotando en la diversidad, en la resignación del cambio, en la aceptación de nuevas circunstancias, de nuevos seres que renacen. Encontramos una fuerte negación de quien se termina escondiendo, siendo abandonado a su suerte.

miércoles, 11 de julio de 2018

LA TRANSFORMACIÓN DE MIA (2017)


La adolescencia. Maldita adolescencia. Pocos pueden decir que ha sido la mejor etapa de sus vidas. Los cambios de actitud. Querer ser mayor, dejar la infancia atrás, pero sin adquirir las responsabilidades de adulto. Sentir cómo tu cuerpo se transforma en un ser extraño, repleto de hormonas que dominan tu existencia, con más pelo, más granos. Ver que tus padres son una auténtica molestia en tu día a día, que si las notas, que si las amistades, que si no haces los deberes, que si sales demasiado. Eso te lleva a no soportar a absolutamente nadie, excepto a tus amigos, lo que más valoras. Ellos están por encima de todo, incluso, de ti mismo. El sentido de pertenencia te dirige, buscando siempre ser aceptado por otros, tomando excesiva importancia las opiniones de los demás, que parecen finalmente definirte. 

La actriz, directora y guionista suiza Lisa Brühlmann utiliza esta inseguridad para crear su primer largometraje, “Blue My Mind”, el retrato de una nueva generación que en lo más profundo no dista de otras tantas. Con varios premios obtenidos en el Zurich Film Festival y los Premios de Cine de Suiza, la cinta explora esta etapa en la vida de Mia (Luna Wedler), una adolescente de 15 años que se traslada con sus padres a las afueras de Zurich. La distancia con sus progenitores es cada vez más grande y ahora, además, debe afrontar el primer día en su nuevo instituto. Allí conoce a Gianna (Zoë Pastelle Holthuizen), una compañera de clase bastante rebelde. Mia necesita ser menos tímida, por lo que se acerca a ella y a su grupo de amigos para pedirles un cigarro. Poco a poco acaba integrada en el grupo, convirtiéndose en una persona que no quiere ser, guardando secretos inconfesables, llevando a cabo acciones para sentirse integrada, teniendo comportamientos fuera de lo común y todo ello bajo la amenazante sombra de la transformación de su propio cuerpo.

martes, 3 de julio de 2018

SOLEDAD, SUFRIMIENTO, LOCURA (2017)


27 de febrero de 2009. El joven Benjamin Feller, de 18 años, decide acabar con todo, con la vida que conocía, para cometer un atroz crimen y emprender, así, un destino oscuro y siniestro. Sin embargo, antes de llevar a cabo su plan, escribe detalladamente cómo asesina a sangre fría a sus padres para entregarle el diario a su profesor de francés. Una terrible noticia en la que se basa la directora y guionista franco-suiza Ursula Meier para crear “Diario de mi Mente”, la obra que forma parte del proyecto “Ondes de Choc”, inspirado en impactantes noticias acontecidas en Suiza que son plasmadas en imágenes por cuatro cineastas nacionales. En esta ocasión, Benjamin (Kacey Mottet Klein) retrató cada uno de sus pensamientos a lo largo de un año, un ejercicio que su profesora Esther Fontanel (Fanny Ardant) creía que sería una gran experiencia para sus alumnos al darles la oportunidad de expresar sus emociones a través de un papel. Sin embargo, cinco días antes de disparar a sus progenitores, el adolescente llegó a plantearse seriamente la posibilidad de cambiar su futuro. 

Tras llamar a la policía, Benjamin ingresa en la cárcel, iniciando un eterno proceso hasta su juicio, también interminable para la maestra, interrogada sucesivamente para sembrar la duda en su labor profesional. ¿Acaso no conocía las intenciones del joven si le entregaba periódicamente sus escritos?, ¿no podía haber hecho absolutamente nada ante tal catástrofe?, ¿es posible que, después de tantos años de carrera, no sirva para guiar a sus alumnos?, ¿tal vez ella le impulsó a cometer el crimen? El juez Mathieu considera fuertemente estos interrogantes, pero Fontanel se ve en la inmensidad de un mar de dudas que ni siquiera tienen una contestación fiable.

lunes, 25 de junio de 2018

RUMORES Y FANTASÍAS DE UN PRÍNCIPE (2017)


Hay quienes nacen con estrella, con un destino que asciende directamente a los cielos de la fama, pero, tras ello, se esconden grandes historias, horas de metrajes que van más allá de los clásicos biopics y que tratan de destapar la vida real de quienes se escondían tras nombres poderosos, nombres que, ya de por sí, eran una marca de éxito. Pocos conocen la realidad de Michał Waszyński, un director, productor y guionista polaco que creía en la auténtica magia del cine por encima de todo, pero cuya realidad estaba construída a base de rumores creados a su alrededor y fantasías asimiladas por él mismo. Un profesional del séptimo arte que aglutinó casi 40 largometrajes en su filmografía y que se hacía llamar el Príncipe Waszyński. Sin embargo, más allá de esta faceta popular, se encontraba el verdadero Moshe Waks, de origen judío, que comenzó su aventura en Varsovia tras ser expulsado de la comunidad en la que creció por su ferviente inquietud por la existencia de demonios. 

Durante sus años en la capital polaca, Waks pudo cumplir uno de sus sueños, debutar en la dirección con la película “The Dybbuk” (1937), que, aunque no cosechó buenos resultados, acabó desvelando más de sí mismo de lo que le hubiera gustado. Es más, su ópera prima causó un gran revuelo en el gobierno nazi, sembrando una gran controversia y, por supuesto, siendo perseguida para su prohibición. A pesar de que tan sólo se trataba de una adaptación de una famosa ópera, la pieza trataba cuestiones sobre el judaísmo y la brujería, todo un delicioso manjar para el apetito voraz de la censura. Obra y director dan título al documental de los cineastas polacos Elwira Niewiera y Piotr Rosolowski, “El Príncipe y el Dybbuk”, una coproducción polaco-alemana de poco más de 80 minutos que concentra los años más importantes de esta personalidad y que logró alzarse con un galardón en el Festival de Venecia de 2017.

martes, 26 de diciembre de 2017

10 INESPERADAS SORPRESAS DEL 2017



1. "OKJA", de Bong Joon-Ho

Corea del Sur se unía a los atractivos de Netflix por primera vez a través de uno de sus directores más internacionales, Bong Joon-Ho. Sin embargo, su participación en el Festival de Cannes de 2017 no hizo más que desatar la controversia entre una productora que deseaba estrenar su proyecto en la popular “puerta europea del cine” sin querer atarse a las condiciones que se establecían. Por suerte, tanta polémica provocó una auténtica llamada de atención de los usuarios de la plataforma, pero también se ganó el boicot en la taquilla surcoreana alcanzando poco más de 2 millones de dólares. Independientemente de ello, la historia de “Okja” recuerda, en cierta manera, a los relatos ochenteros con los que muchos crecimos. La gran multinacional Mirando Corporation tiene un plan de negocio a largo plazo, por lo que ha creado una extraña criatura, que posteriormente ha clonado y ha enviado un ejemplar a varios cuidadores situados en diferentes partes del mundo. Uno de ellos es Mija (An Seo Hyun) y su abuelo, que conviven con la cariñosa Okja desde hace 10 años en un lugar idílico entre montañas. Lucy Mirando (Tilda Swinton) se asombra de las condiciones excepcionales en las que se encuentra el animal, por lo que decide llevar a Okja a Nueva York para culminar con sus ambiciosos objetivos. Llena de ingenio y sentimientos, la vida de Mija y su curiosa mascota no sólo recoge una reflexión ecológica y humana, sino que también posee, en su recta final, cierto paralelismo con el Holocausto nazi. Las protagonistas, destinadas a distanciarse por culpa de la ambición de Mirando y sus crueles intereses, luchan durante las casi dos horas de metraje para esquivar un destino incierto que remueve y destapa la verdadera esencia del hombre y la naturaleza. Inevitablemente lacrimógena al más puro estilo del cine surcoreano, la cinta también da cabida a un trepidante entretenimiento entre efectos digitales y una excelente fotografía a cargo del reconocido director iraní Darius Khondji.

lunes, 6 de noviembre de 2017

ENTRE ALAMBRES DE ESPINO (2017)



La trayectoria del director surcoreano Na Hyun es más amplia como guionista que como cineasta, destacando títulos como la juvenil “Spin Kick” (Nam Sang-Guk, 2004),  el drama basado en la masacre de Gwangju, “May 18” (Kim Ji-Hoon, 2007), la multipremiada “Forever The Moment” (Yim Soon-Rye, 2008) o la animación infantil “Lifi, una Gallina Tocada del Ala” (Oh Sung-Yoon, 2011). Su debut tras las cámaras llegaría con la ópera prima “The Prison”, un thriller carcelario que pasó sin pena ni gloria por la taquilla nacional, pero que, sin embargo, no está falto de buenas intenciones. La obra, que sigue perpetuando la gran estela creada por uno de los productos estrella de este nuevo cine surcoreano, como es el blockbuster, parte de una interesante premisa de lo más atractiva, pero, en cambio, no resulta nada original, viéndose relegada a engrosar la amplia lista de títulos del género más exportable de Corea del Sur junto al melodrama.

Song Yu-Gon (Kim Rae-Won) es un policía que, tras cometer un delito, ingresa en una prisión dominada por Jung Ik-Ho (Han Suk-Kyu), un presidiario que ha creado todo un complejo sistema criminal que él mismo controla y que pone a su servicio no sólo al resto de encarcelados, sino también a todos los miembros de seguridad, incluido el director del recinto. La supervivencia en la cárcel se convierte en el primer objetivo de Song Yu-Gon, a pesar de que todos sepan desde el primer día que es alguien más peligroso de lo que a simple vista parece. Sus acciones le llevan a estar cada vez más involucrado en los círculos más cercanos de Jung Ik-Ho, pero Song Yu-Gon esconde un secreto que hará tambalear los cimientos de la prisión.

El debut de Na Hyun engancha en sus primeros minutos, a la expectativa de un conflicto entre dos personajes con un pasado criminal que nunca termina de desvelarse, pero que les lleva a convertirse en los principales presos a temer por todos los demás. La aparente despreocupación de Song Yu-Gon contrarresta la maquiavélica mente de Jung Ik-Ho, un hombre que parece prácticamente invencible. El popular actor Kim Rae-Won regresa a la gran pantalla con este thriller tras su paso por las series de televisión “Punch” (Lee Myung-Woo, 2014-2015) y “Doctors” (Oh Choong-Hwan, 2016). Protagonista de los instantes de mayor acción y dramatismo, su interpretación es igual de reseñable que en otros trabajos anteriores como “Sunflower” (Kang Seok-Beom, 2006) o la trepidante “Gangnam 1970” (Ha Yoo, 2016). Sin embargo, “The Prison” apenas destaca en su trayectoria, al igual que le sucede a su compañero de reparto, el veterano Han Suk-Kyu. Un rostro sumamente reconocido tras encumbrarse con el mítico blockbuster “Shiri” (Kang Je-Kyu, 1999) que logra hacer despegar la cinta en cada una de sus intervenciones, convirtiéndose en el principal atractivo de la ópera prima de Na Hyun.

martes, 31 de octubre de 2017

EL IMPACTO DE LA REALIDAD (2017)



Corea del Sur, 18 de mayo de 1980. La ciudad de Gwangju, al suroeste de la península, se prepara para llevar a cabo un levantamiento contra la dictadura militar de Chun Doo-Hwan, emergiendo desde el núcleo estudiantil y expandiéndose rápidamente por todos los rincones de la urbe. Sus voces a favor de la democracia quedaron apagadas por la represión que se extendió hasta el día 27 de mayo y, posteriormente, por unas heridas que se infringieron a su población y que siguen siendo recordadas a fecha de hoy. El pueblo no olvida lo que se conoce como la masacre de Gwangju, que dejó 165 víctimas de la sanguinaria violencia gubernamental y que quedan retratadas en la obra del director surcoreano Jang Hoon, “A Taxi Driver”, el cuarto largometraje del autor tras su ópera prima, “Rough Cut” (2008), que contaba con Kim Ki-Duk como guionista; el clásico espionaje entre el norte y el sur de “Secret Reunion” (2010) y la popular cinta bélica “The Front Line” (2011).

El nuevo cine surcoreano sigue revisando su propio pasado que, aunque en un primer momento se centró en el conflicto norte/sur, poco a poco se ha ido enfocando en otras cuestiones como la invasión japonesa de principios del siglo XX o diferentes hechos acontecidos durante los gobiernos militares que se sucedieron tras la guerra de Corea. El cineasta recurre a una historia íntima como excusa para presentar todo un merecido homenaje al Movimiento Democrático de Gwangju. Kim Man-Seob (Song Kang-Ho) es un taxista de Seúl que intenta vivir prácticamente al día por la gran cantidad de gastos que posee. Es viudo, por lo que mantiene a su hija lo mejor que puede, pero la mayor parte del día se encuentra sola, muchas veces al cuidado de su vecina y casera. En el bar, escucha que un extranjero necesita un taxi para una misión especial a cambio de mucho dinero. Así es como Man-Seob le roba a su compañero el cliente, Peter (Thomas Kretschmann), un periodista que desea llegar a Gwangju para grabar los incidentes que se están produciendo allí y poder mostrar las imágenes al mundo. Sin embargo, Man-Seob desconoce lo que está ocurriendo y mucho menos que el ejército, que él tanto defiende, ha tomado la ciudad.

jueves, 10 de agosto de 2017

TRAS EL IMPERIO DEL PORNO (2017)



Sin duda, Internet supuso una de las mayores revoluciones en la historia contemporánea. En pocos años, la red ha sido determinante para varias generaciones y su día a día, siendo primordial para casi todos los ámbitos de nuestras vidas. El trabajo y el ocio utilizan la misma vía para quienes nos sentamos delante de la pantalla a desarrollar nuestra profesión, disfrutar o simplemente pasar el rato. Nunca antes ha tenido mayor sentido aquella frase que decía “renovarse o morir” y es que, sin Internet, una persona parece dejar de existir. Sin embargo, ese inmenso universo casi ilimitado esconde cuestiones realmente oscuras que siguen en plena actualidad y que, muy posiblemente, se mantendrán en esta misma situación por mucho más tiempo. 

Nos hemos acostumbrado a utilizar esta herramienta a toda a costa y hemos normalizado textos, imágenes y vídeos que en su día escandalizarían a cualquiera. Muerte, violencia y sexo campan a sus anchas sin darnos cuenta, convirtiéndose en lo que en ciertos círculos se llama la “pornografía del horror”. El mundo consume este tipo de “visiones” sin control, mientras que, quienes manejan estos hilos, han logrado que sea parte de nuestra rutina beber de las mieles del placer más bizarro. Ya no nos extraña saber que formamos parte de una sociedad hipócrita que ha perdido ciertos sentimientos y emociones por el camino y no echamos en falta ni siquiera todo lo que se ahogó en el proceso de cambio hacia un siglo XXI cada vez más despiadado en el que el dinero es el rey que gobierna nuestras vidas. 

Con la gran recesión que comenzó en el 2008, muchas empresas cayeron en desgracia y desaparecieron como arte de magia. Otras intentaron sobrevivir a duras penas, mientras que, quienes supieron hacer frente al mal tiempo, acabaron triunfando de una manera inesperada. Quién hubiera imaginado que la industria del porno, aquélla que antes se jactaba de ser una de las más fructíferas por sus grandes ingresos, ahora estaría prácticamente erradicada, consumida por gigantescas plataformas en la red, que exponen gratuitamente vídeos de forma masiva y abrumadora. Precisamente, de esta premisa parte el documental “Pornocracy: The New Sex Multinationals”, de la directora, guionista, periodista y actriz francesa Ovidie. Una autora que en su momento formó parte de tan poderosa industria y que, a través de esta cinta, desvela una investigación sobre cómo los famosos tube trafican con más de 100.000 millones de vídeos sexuales, conformando una telaraña inimaginable que se reinventa año tras año, mientras desfila de puntillas por la delgada línea de la legalidad. 

jueves, 29 de junio de 2017

AQUELLOS NOMBRES OLVIDADOS (2017)



Existen tantas atrocidades que aún desconocemos, tantas historias que aún permanecen en la oscuridad y que sólo vienen a demostrar la propia ignorancia del ser humano. Han pasado décadas del fin de la dictadura franquista en España y siguen apareciendo víctimas que han sufrido la persecución, el acoso, el abuso y el odio por ser quienes son. El director español Miguel Eek aporta un nombre más de ese oscuro pasado, el del afamado arquitecto mallorquín Josep Ferragut Pou, y lo hace a través de su quinta pieza documental, “Vida y Muerte de un Arquitecto”, en donde trata de desgranar los hechos que envuelven el siniestro asesinato de una eminencia en su campo y una de las personalidades de mayor talento durante aquella época.

En clave de suspense, el metraje da a conocer quién es nuestro protagonista a partir de los testimonios de varios compañeros de profesión. Hombre culto e ilustrado, con gusto por el arte, el cine y la fotografía, logró que la modernidad embargara sus trabajos hasta otorgarle un merecido reconocimiento en el campo de la arquitectura. Más de dos décadas de trabajo y miles de proyectos en sus manos le reportaron grandes beneficios que repartió equitativamente con sus socios, siendo una práctica muy poco común en las empresas. No obstante, su estabilidad y dicha se tambalearon en el momento en que comenzó a luchar contra la corrupción y el desarrollo inmobiliario tan descontrolado en la costa, lo que le llevó a ganarse un gran número de enemistades.

La noche del 26 de febrero de 1968, Ferragut, a sus 52 años, es asesinado por dos delincuentes comunes en un descampado periférico de Palma, pero su caso no fue tan simple. Una vez resuelto, quedaron en el aire los motivos del homicidio, principalmente porque su familia prefería no remover ciertas cuestiones para evitar que se hicieran públicas, como su homosexualidad. Entre los testimonios, aún hay sorpresas ante este hecho, otros siguen con una mentalidad propia de su generación, mientras que los últimos prefieren recalcar el talento del arquitecto por encima de su vida íntima. Sin embargo, Ferragut pasó a pertenecer a esa lista negra del régimen en donde quedaba constancia de aquellos personajes no deseados e incómodos para el franquismo. Tal es así, que pese a ser tan importante en su época, la historia española ha ensombrecido su nombre hasta la fecha, siendo, incluso, ignorado en ciertos eventos.