EL INICIO DE UNA NUEVA VIDA (2018)

La directora, productora, guionista y actriz iraní-estadounidense Desiree Akhavan es toda una activista LGBTIQ+ dentro de la industria cinematográfica independiente, destacando especialmente su trabajo en “The Miseducation of Cameron Post” (2018), que recibió toda la atención en el Festival de Sundance de 2018 hasta el punto de llegar a alzarse con el Gran Premio del Jurado a la mejor película. En España, también hemos recibido la que supone su obra más popular y reconocida dentro su filmografía, que nos permitió ver a la actriz Chloë Grace Moretz en el papel de una adolescente sometida a ideas conservadoras y religiosas sobre su propia sexualidad. Este drama tan personal se pudo disfrutar a través de la programación del Festival de Valladolid, el cual también premió su mérito con la Espiga de Plata. Sin embargo, a pesar de tal caluroso recibimiento, la cinta tuvo problemas para encontrar un distribuidor en Estados Unidos, pese a que los tiempos están cambiando. Es el momento de impulsar las historias femeninas y la sexualidad, pero parece que no todos están preparados para ello, al menos, dentro de la industria.

Hemos podido ver que, para Akhavan, no existen límites en su carrera y que puede saltar del cine a la televisión y a internet con una facilidad pasmosa, sorprendiéndonos a cada paso, pero, sin duda, el año 2018 se convirtió en una fecha importante tanto para ella como para cinéfilos y activistas. La cineasta se embarcó en un proyecto encargado por Channel 4 en clave de comedia dramática. Hablamos de “The Bisexual”, una miniserie de tan solo 6 episodios, que conquistó por completo a la crítica y al público. Su historia nos lleva a conocer a Leila (Desiree Akhavan) y Sadie (Maxine Peake), una pareja joven que llevan prácticamente una década de relación. Ambas han creado una empresa virtual que visibiliza blogs de jóvenes prometedores. Sin embargo, Leila plantea a su novia tomar un descanso para explorar su propia sexualidad, puesto que se encuentra en un momento importante de su vida. Ni siquiera ha podido confesar a sus mejores amigos que Leila es, en realidad, su pareja, la cual, gracias al apoyo de su amiga Deniz (Saskia Chana), encuentra alojamiento junto a Gabe (Brian Gleeson), un escritor que vive del único éxito que ha logrado y que trata de encajar en el mundo femenino que le rodea.

LA NATURALEZA REPRIMIDA (2019)

Desde los años 60 y por más de dos décadas, Sudáfrica mantuvo una encarnizada lucha en contra de la insurgencia del sur de África, en lo que terminó por denominarse la Guerra de la frontera de Sudáfrica. El conflicto con Namibia, Zambia y Angola se avivó especialmente en su recta final, durante los primeros años de la década de los 80. Para entonces, los jóvenes a partir de 16 años se incorporaban a la actividad militar, cuya formación se extendía por dos años, y a la que se sumaban otros diez o doce mientras permanecían en la reserva. Testigo de ello fue el escritor André-Carl Van der Merwe, que, para entonces, era tan solo un muchacho sudafricano que, en 1981, tuvo que pasar por la misma experiencia, la cual terminó convirtiéndose en su primer libro, una autobiografía basada en sus propios diarios. Su propio apodo, “Moffie”, además, se transformó en una película, que supone el cuarto largometraje del director y guionista sudafricano Oliver Hermanus.

El cineasta cuenta con experiencia en el género del drama. Es más, sus anteriores obras le han encumbrado no solo dentro de la industria cinematográfica, sino también en el circuito de festivales internacionales de cine. No es baladí que Hermanus haya recibido un gran reconocimiento por “Shirley Adams” (2009) en Amiens o “Beauty (Skoonheid)” (2011) en Cannes y Durban. Por supuesto, este cuarto trabajo tampoco se quedó atrás, aglutinando premios en Dublín o Tesalónica, además de abrirle las puertas del Festival de Venecia. Su historia comienza en la última noche de Nicholas van der Swart (Kai Luke Brummer) junto a su familia. El joven se despide para tomar el tren al día siguiente. Allí conoce a Michael Sachs (Matthew Vey), otro adolescente que se prepara para recibir la instrucción. Una vez llegan a la base militar, el instructor les inicia en los primeros pasos de dos años de insufrible entrenamiento. La debilidad, la desobediencia o la homosexualidad son castigadas con brutalidad. Nicholas lo comprueba desde los primeros días y más cuando él es homosexual.

LA FRUSTRACIÓN DEL DESEO (2019)

Qué triste es ser conscientes de que aún existe la censura cinematográfica en muchos países y lo peor es que, en casos como el de China, esta situación va a continuar durante mucho tiempo más. Poner trabas al arte en pleno siglo XXI es un auténtico sacrilegio y cintas como “Un Perro Ladrando a la Luna” engrosan una lista eterna que parece no tener fin. El primer largometraje de la directora y guionista china Lisa Zi Xiang se convirtió en una coproducción por supervivencia, puesto que, para sortear el temible “tijeretazo” gubernamental, tuvo que pasar por manos españolas en su fase de postproducción. Al contrario de lo esperado, en lugar de ganar popularidad por su controversia dentro de la red de festivales internacionales de cine o, incluso, eclipsar el trabajo, como ha ocurrido en multitud de ocasiones; se quedó en un frágil eco anecdótico que, al menos, permitió que permaneciera intacta la idea original de Zi Xiang. 

Huang Xiaoyu (Gaowa Siqin) es una joven embarazada que regresa desde Estados Unidos a China en compañía de su marido, Benjamin (Thomas Fiquet). Desea visitar a sus padres, Li Jiumei (Renhua Na) y Huang Tao (Wu Renyuan), pero su viaje abre la caja de Pandora de los recuerdos, desatando todos los nudos que sustentan su relación. Su padre ha decidido separarse y vivir, por fin, su realidad, mientras que su madre trata de convencer a los demás y, sobre todo, a sí misma de que se marido volverá al cauce correcto. De nuevo, ha encontrado un nuevo rayo de esperanza al albor de los extraños dictámenes de una secta budista que promete curar la raíz del problema que ha hecho fracasar su matrimonio: la homosexualidad de su esposo. Con la creencia de que se trata de una enfermedad mental que puede llegar a tener curación, Li Jiumei se ha transformado en una mujer frágil por culpa de su desesperación. No es consciente del daño que provoca en su familia y constantemente paga su frustración con su hija, a la que dirige palabras verdaderamente duras desde su adolescencia. 

FANTASÍAS SEXUALES SOBRE SATÉN ROSA (1971)

Hay obras que han tenido que permanecer ocultas a lo largo de la historia del cine por expresar ideas demasiado adelantadas a su tiempo. Incomprendidos desde el primer minuto, estos metrajes han despertado siempre una gran controversia, viéndose obligados a ser proyectados para un sector del público muy reducido o, en el peor de los casos, quemados y desapareciendo para siempre. En el caso de “Pink Narcissus”, una pieza de corte experimental, se vio relegada a círculos muy concretos en donde se mostraba bajo anonimato. Su verdadero autor vio como su creación sobrevivía al paso del tiempo durante tres décadas, siendo proyectada sin su consentimiento y sin ningún tipo de reconocimiento popular, aunque sí logró generar más de una obsesión en círculos cerrados. 

Su no autoría despertó aún más el interés de la cinta, puesto que, en sus inicios, se creyó que pertenecía a la colección cinematográfica del célebre Andy Warhol o que, incluso, bien pudiera haber sido una película perdida dentro de la filmografía del influyente padre del videoclip, nada menos que Kenneth Anger. Sin embargo, no fue hasta la década de los 90 cuando el escritor Bruce Benderson decidió comenzar a investigar para encontrar a su verdadero director, que finalmente acabó concluyendo que se trataba del artista estadounidense James Bidgood. Sin duda, los 73 minutos de los que consta el metraje descubren parte de su sello personal a través de esa puesta en escena teatral y de estilo kitsch. Grabada en su propio apartamento en pleno Manhattan a lo largo de poco más de siete años de rodaje, la cinta muestra la belleza de varios jóvenes bajo el erotismo de sus primeras experiencias sexuales, adornadas por una decoración rococó que nos empuja a vivir en sueños en bucle. Es en esas psicodélicas fantasías en donde el protagonista, Angel (Don Brooks), la verdadera pareja del cineasta, observa en nuestra compañía el hipnótico contoneo de la danza exótica, mientras imágenes explícitas surgen de forma aleatoria para romper con la extraña alucinación pop.

EL INFIERNO TRAS EL ESCENARIO (2018)

No es la primera vez que un documental nos muestra la cara y la cruz del estrellato, personalidades que triunfan en su campo, que son convertidos en “grandes dioses”, encumbrados en un mundo que parece permitirles no tener límites, pero que también se cobra su precio. Y cuando vemos esta realidad, siempre queda implícita una pregunta: ¿merece la pena? En esta línea trabaja el experimentado director israelí Tomer Heymann a través de la coproducción alemana-israelí “Jonathan Agassi me salvó la vida”, que ha tenido un extenso recorrido en el circuito de festivales internacionales, en donde se ha alzado con diferentes premios en Atlanta y Jerusalén. 

Pero, ¿quién es Jonathan Agassi? Estamos ante una de las estrellas del porno gay más importantes de los últimos años. Nacido en Nueva York, su familia israelí ahora reside en Tel Aviv, lo que le obliga a vivir entre constantes viajes que conectan una de las grandes ciudad de Israel con Berlín, en donde trabaja. Tras una infancia dura en la que su padre trató de “corregir” cruelmente su homosexualidad antes de abandonarle para residir en la capital alemana, Agassi ha logrado tocar la cúspide de su trayectoria profesional convirtiéndose en el mejor actor de porno gay, un galardón que le ha llevado a soñar a lo grande, a formar parte de las películas más célebres en este campo, a moderlar, a ser el más deseado, pero, sobre todo, a reinventarse a sí mismo con la consiguiente pesada carga de las expectativas de sus fans cuando contratan sus servicios como escort. Sin embargo, tras este éxito, tras los excesos, el placer y la diversión, descubrimos a una estrella con un lado oscuro que trata de minarle lentamente y a paso seguro. Su relación con su padre aún implica dolor, trauma y debilidad, lo que se traduce en el peor camino posible, su autodestrucción.

ESCAPANDO DE LA VIDA (2017)

Desde los años 90, es bastante común encontrar obras independientes en las que principalmente se trata la deriva que muchas veces caracteriza tanto a nuestra sociedad actual. Ese retrato del mal-estar tan generalizado que rebusca en el existencialismo para desnudar y que obliga a confrontarse con uno mismo sin defensa alguna. Aún a día de hoy sigue siendo un tema recurrente que despierta una inevitable empatía entre los espectadores y que descubre realidades urbanas que, de alguna u otra manera, resultan irremediablemente cercanas. A este tipo de narrativas, en las que todo parece evanescente entre no lugares e impedimentos para vivir, se suma el primer largometraje de la directora, productora y guionista Cati González. “Ekaj”, proyectado en un gran número de festivales, logró alzarse con varios premios principales que funcionan a modo de sello de calidad cuanto menos. Pero, ¿quién es la persona que da título a esta obra?

Ekaj (Jake Mestre) es un joven inocente y solitario, forzado a vagar por las calles debido a que su padre no ha sido capaz de aceptar su homosexualidad. Perdido entre la muchedumbre de Nueva York, es víctima de múltiples infortunios hasta que conoce a Mecca (Badd Idea), con el que termina compartiendo un cigarro. Su nueva amistad le protege, divierte, aconseja y apoya. Es una persona especial entre todo lo que le rodea. Él le enseña a robar, a prostituirse, a ser independiente, a mantenerse en una vida de constantes tropiezos. Ambos salen a trabajar por la noche, mientras que, por el día, se cuelan en el piso del primo de Mecca o buscan refugio entre extraños conocidos. Ekaj crece, descubre un amor erróneo, un negocio para el que sirve, una nueva excusa para consumir drogas que le hagan soportar su día a día. Sin embargo, la salud de Mecca se deteriora demasiado rápido. El SIDA pretende interponerse entre lo más verdadero que tiene Ekaj, su amistad con Mecca.

LOS QUE NO QUIEREN VER (2013)

El afamado director canadiense Xavier Dolan necesita, a estas alturas, pocas presentaciones. Su inserción en el largometraje con “Yo Maté a mi Madre” auguraba un gran porvenir tras colarse en la programación oficial del Festival de Cannes de 2009 y ser nominada a mejor película extranjera en certámenes tan importantes como los Premios César o los Satellite Awards de la International Press Academy de Los Ángeles. Pero, dentro de su escala imparable al estrellato, el cineasta también ha coqueteado con el mundo del videoclip y no sólo con el popular trabajo realizado en “Hello” (2015), de la cantante y compositora británica Adele.

El famoso grupo francés de pop/rock y new wave Indochine le encargó una tarea que posteriormente sería la más polémica de su carrera: filmar un vídeo que acompañara a la canción “College Boy”, uno de los temas incluidos en su álbum “Black City Parade”. Sin embargo, el Consejo Superior de lo Audiovisual (CSA) de Francia decidió que su visualización no era recomendada para menores de 18 años, abriendo, así, un debate infinito en cuanto al uso de la violencia para denunciar precisamente esto, la violencia y el abuso; sin mencionar las más que evidentes duras críticas a la sociedad, la justicia y la religión.

LA RADICALIZACIÓN DEL DESEO (1947)

Kenneth Anger es uno de los directores de mayor influencia en el cine y el mundo del videoclip. Sus polémicas obras no han dejado indiferente a todo amante del séptimo arte, pero, hasta la fecha, no ha recibido la atención y el interés que se merece. Precursor del cine underground en una época en la que comenzaba a dar sus primeros pasos, decidió grabar durante un fin de semana en la casa de sus padres, en California, lo que hoy conocemos como “Fireworks”, un simbólico metraje sobre cuestiones que han sido tabú en la sociedad durante demasiado tiempo. La homosexualidad, el erotismo y el sadomasoquismo se erigen como hilos conductores en una pieza experimental que recrea una fantasía masculina, un trance propio del cine onírico que plasma las preocupaciones de la juventud y la represión social.

Como es obvio, es uno de los precedentes más importantes del queer cinema, promoviendo todo un discurso de la identidad, a través del cual, se refleja cómo la persona es simplemente materia con sus propias manías, fobias, obsesiones, deseos, etc., como ocurre en este caso. En todo momento se puede observar la gran complejidad fluctuante entre dos realidades, una que fluye en un plano surrealista y otra que se encuentra anclada en la realidad. Anger encarna el papel protagónico de un joven de 17 años que sueña con ser violado y sodomizado por dos marineros, la figura clásica del fetichismo gay. Las imágenes entre penes, fuegos artificiales, sangre, provocación y homoerotismo se suceden hasta confluir en un proyecto sumamente arriesgado para ser exhibido ante la censura del Código Hays. El dolor y el placer se recrudecen y se funden en fascinación, posesión y violencia durante un hipnótico viaje en el que la luz toma un inusitado protagonismo, puesto que el autor hace uso de ésta desde un punto de vista técnico a la par que metafórico.

LA TEMPLANZA DE UN AMOR PROHIBIDO (2015)

Los grandes amores prohibidos han nutrido el significativo género del drama. Podemos recordar las historias de “Romeo y Julieta”, del famoso dramaturgo británico William Shakespeare, el apasionado romance entre Robert (Clint Eastwood) y Francesca (Meryl Streep) en “Los Puentes de Madison” (Clint Eastwood, 1995) o la inolvidable relación entre Mrs. Chan (Maggie Cheung) y Chow Mo-Wan (Tony Leung Chiu Wai) en la cinta hongkonesa “In the Mood for Love“ (Wong Kar-Wai, 2000). A todos ellos bien podría sumarse el enamoramiento entre Carol y Therese en la producción británica “Carol”. La película, dirigida por el cineasta californiano Todd Haynes, logró hacerse con innumerables premios y 6 nominaciones en la 88ª edición de los Oscars.

Basada en la autobiografía de la popular novelista tejana Patricia Highsmith, “El Precio de la Sal”, que en un principio se publicó bajo el pseudónimo de Claire Morgan, la narración se sitúa en la fascinante ciudad de Nueva York en plenos años 50. Una dependienta de unos grandes almacenes, Therese Belivet (Rooney Mara), conoce a Carol (Cate Blanchett), una mujer de mediana edad, madre de una niña, que está a punto de divorciarse de Harge (Kyle Chandler). Surge una gran conexión entre ellas a través de juegos de miradas y constantes coqueteos que hacen que Therese se replantee su vida. Aficionada a la fotografía, la joven comienza a distanciarse de su amigo y medio novio Richard Semco (Jake Lacy) para involucrarse cada vez más en la realidad de Carol, la cual, aun contando con el apoyo de su mejor amiga Abby (Sarah Paulson), tendrá que librar una gran batalla en la que deberá elegir entre su familia y su verdadero “yo”.

La guionista neoyorquina Phyllis Nagy se encarga de la adaptación de lo que podría haber sido un apasionado e intenso romance en lugar de un relato de un enamoramiento insípido por momentos. Resulta inevitable sentir cierta frialdad ante el desarrollo de su romance, aunque no es así en cuanto a las circunstancias que rodean al personaje de Carol en una época imposible en la que la sociedad ejercía una férrea censura ante todo lo que no fuese “normal” o “moralmente aceptable”. La infatigable lucha a contracorriente despierta todo nuestro interés, puesto que la relación vivida entre ellas se muestra de forma lineal, a distancia, en la que los personajes apenas muestran pasión, a excepción de contadas escenas, ciertos gestos y miradas que así lo delatan y que nos permiten profundizar en un bello envoltorio aparentemente irrompible. Su excesiva contención y la suavidad en su tratamiento merman la atracción y empatía que deberíamos sentir, pero, a pesar de ello, el interés por su argumento se mantiene a lo largo de las casi 2 horas de duración, tal vez, esperando a que ocurra una especie de torbellino romántico entre ambas, a que crucen un extraño muro que las separa en todo momento.

MAQUILLAJE EN EL RING (2003)

Nong Toom es uno de los luchadores de Muay Thai más conocidos de Tailandia, no sólo por su habilidad dentro del cuadrilátero, sino porque, además, desde pequeño se había sentido mujer. El hecho de practicar un deporte masculino por excelencia y acudir a los combates maquillado hizo que su popularidad se disparara siendo tan sólo un adolescente. No obstante, y pese al gran esfuerzo que realizó para abrirse paso ante una hermética sociedad, decidió abandonar las artes marciales para dedicarse al mundo de la música, pero, en este caso, sólo no nos centraremos en este aspecto de su vida, ya que, por desgracia, tiene mucho que contar. 

El guionista y director tailandés Ekachai Uekrongtham dedica su primer largometraje, “Beautiful Boxer”, a esta sufrida y pionera deportista que creía en sí misma por encima de lo que los demás pensaran. Una dramática historia plasmada a partir de diversos flashbacks en donde se repasa la infancia de Parinya Charoenphol (Sarawuth Tangchit), los años de temprana adolescencia (Natee Pongsopol) en los que residió en un templo budista y su trayectoria hasta convertirse en la famosa estrella Nong Toom (Asanee Suwan) y cumplir el único objeto en su vida: conseguir el dinero suficiente para llegar a ser una mujer físicamente.

Tan sólo con esta premisa ya resulta más que interesante y necesario dedicar un tiempo no sólo a visionar la película, sino también a conocer más a esta interesante luchadora. El autor guarda a buen recaudo cualquier tipo de juicio para encarar un guion que cuenta con la colaboración del escritor singapurense Desmond Sim Kim Jin. Es verdad que ambos recurren a una cuestión que en el cine occidental se ha utilizado de diversas formas, pero, en cambio, la forma en la que consiguen aportar dinamismo y sencillez es brillante, a excepción de su inicio, que desborda información y comprime un lapso de tiempo amplio en pocos minutos, ocasionando caos en la visión del espectador y evidenciando cierta torpeza por parte del realizador. 

LA PROVOCACIÓN DE ANGER (1964)

Probablemente, ver a día de hoy el mediometraje “Scorpio Rising”, del director estadounidense Kenneth Anger, no tenga el mismo impacto que causó entre los primeros privilegiados que pudieron visualizarlo en 1964, pero, sin lugar a dudas y transcurridos ya 50 años, sigue respirando originalidad y provocación a raudales. Autor polémico donde los haya, de cuyo talento salieron varias obras que son consideradas clave en la historia del cine, resulta toda una referencia en el plano experimental e independiente. De sus creaciones salió la inspiración de otros tantos cineastas, como el mítico David Lynch, que vieron cómo Anger influyó en el transcurso de sus carreras.

Es posible que muchos sigan pensando que esta pieza peca de incomprensible en su historia, pero estamos ante un trabajo que no tiene guion y mucho menos una estructura convencional. Durante los 30 minutos de metraje, observamos a un grupo de moteros como únicos personajes. Los elementos nazis y religiosos se suceden constantemente, mientras se entrelazan cuestiones como la homosexualidad, la humillación, el sadomasoquismo, la violencia, el fetichismo y la libertad sexual. Pese a que los años 60 parecían abrirse poco a poco a tiempos más progresistas, aún quedaba la mayor parte del recorrido, por lo que sencillamente era impensable que alguien incluyera tal bomba narrativa en el cine, puesto que la mano de la censura acechaba implacablemente, tal y como, desgraciadamente, ocurriría con “Scorpio Rising”.

LA REPRESIÓN DEL DESEO (2013)

El joven director canadiense Xavier Dolan es de esos pocos artistas que, a tan temprana edad, ya pueden decir que su carrera va viento en popa y a toda vela, con una gran legión de seguidores cada vez más acérrimos y con un puesto seguro en los festivales internacionales más importantes. Es imposible sentirse indiferente ante cualquiera de sus obras, de ahí que las críticas, muchas de ellas sin piedad, siempre sean tan dispares cada vez que lanza un nuevo trabajo. Así es la vida de un verdadero autor, independientemente de si es narcisista, ególatra u otras sandeces con las que es atacado y con las que se intenta ensombrecer su profesionalidad.

Ninguno de sus largometrajes pierde su cita para pasear por las carteleras de todo el mundo. Algunos los califican de originales y frescos, mientras que otros sucumben al aburrimiento y excesividad, pero, sin duda, cada uno de ellos son magníficos ejemplos de perfección cinematográfica. Por supuesto, su filmografía sigue construyéndose desde aquella exitosa cinta que presentase en 2009, “Yo Maté a mi Madre” y a la que siguieron nuevos triunfos con “Los Amores Imaginarios” (2010) o “Laurence Anyways” (2012). Incluso, antes de “Tom at the Farm”, hubo tiempo para insertar cierta polémica en su carrera con el videoclip del tema “College Boy” (2013) del grupo francés de pop/rock y new wave Indochine.

Sin embargo, curiosamente, entre todas ellas, “Tom at the Farm”, su cuarta película, es considerada la peor de su trayectoria. El dramaturgo Michel Marc Bouchard colabora en la elaboración del guion para adaptar su propia obra teatral, mientras que para Dolan es la primera vez que coquetea con el género del thriller, pese a que lo combine con ciertos toques de melodrama, y es que más allá de su idea principal, se esconde un lado realmente oscuro y siniestro. Tom (Xavier Dolan) es un joven publicitario bastante moderno que viaja desde Montreal hasta una granja en las afueras de un modesto y solitario pueblo. Acude al funeral de su amante, pero la familia de éste desconoce su relación, tapada a base de mentiras. La destrozada madre, Agathe (Lise Roy), piensa que su hijo estaba enamorado de una mujer llamada Sarah (Evelyne Brochu), por lo que en ningún momento nota alguna extrañeza en el comportamiento del supuesto amigo y compañero de su primogénito. Sin embargo, el hermano de éste, Francis (Pierre-Yves Cardinal), un rudo treinteañero que se encarga del negocio familiar, conseguirá desestabilizar al protagonista en un opresivo, violento y seductor entramado.

NACIDOS PARA SER ODIADOS (2014)

Muchas veces no nos damos cuenta del horror de otros, sobre todo si sucede fuera de nuestras fronteras. Mientras que nuestra sociedad ha luchado mucho para erradicar la homofobia, aunque a día de hoy todavía hay quienes son incapaces de ver más allá de sí mismos, existen países en los que la situación es extrema, donde no se respetan los derechos humanos y las personas son tratadas como basura en función de su orientación sexual. Este es el caso de Rusia, que desde 2013 posee una de las leyes más retrógradas que se han visto en los últimos tiempos, por la que los homosexuales son calificados de enfermos mentales y simplemente pervertidos. Para colmo, quienes ayuden al colectivo LGBT (Lesbianas, Gais, Bisexuales y Transexuales) son repudiados en igualdad de condiciones, con sanciones y penas de cárcel. El estado pretende que la asistencia por parte de profesores, psicólogos y padres sea para inculcarles lo anormal que es su comportamiento, haciéndoles ver que la culpa del odio que padecen es suya y no de las mentes arcaicas que han conseguido el apoyo gubernamental a tan primitivo pensamiento.

Frente a esta aterradora situación, surge “Children 404”, un grupo que se expone a través de la red y que ofrece apoyo a quienes sientan esta quema de brujas, en su mayoría niños repudiados en institutos, donde padecen día tras día el rechazo y abuso por parte de sus compañeros. Además, su nombre, que, por cierto, hace referencia al mensaje de error que suele salir en las páginas no encontradas en la red, queda registrado en el propio título del documental dirigido por Askold Kurov y Pavel Loparev, en el que se incluyen 45 testimonios y reflexiones de adolescentes rusos en estas circunstancias, la mayor parte, anónimos. Precisamente, Elena Klimova es una de las personas que aparecen con declaraciones cuidadosamente dosificadas a lo largo de la cinta. Tuvo que dimitir de su empleo como periodista al mostrar su afecto por otra trabajadora, pese a que era su pareja. La artífice de esta comunidad online se plantea, incluso, abandonar su país para buscar un lugar donde pueda ser ella misma, al igual que les ocurre a muchos otros.  

LAS VIEJAS RUINAS DEL DOLOR (2015)

El tercer largometraje del director y guionista tailandés Anucha Boonyawatana, “The Blue Hour”, es una perfecta combinación de realidad y onirismo gracias a la historia de Tam (Atthaphan Poonsawas), un adolescente homosexual que es maltratado físicamente no sólo en el colegio, sino también por su familia. Gracias a Internet, conoce a Phum (Oabnithi Wiwattanawarang), en quien encuentra un gran apoyo, siendo su amigo, confidente y amante. Ambos jóvenes se citan en las instalaciones de una piscina abandonada para dar rienda suelta a sus pasiones, pero, tras el frenesí, se esconde un infierno donde conviven en constante lucha sus demonios interiores y sus profundos anhelos. El dolor de no ser aceptados en una sociedad todavía intolerante con respecto a la sexualidad, hace que los protagonistas encuentren su refugio, pero no así el consuelo ante la supuesta inadaptación. 

Junto a ellos, compartimos momentos de verdadera complicidad tras los muros de viejas ruinas, que nos recuerdan el desgaste de la mentalidad arcaica y más convencional. Su autodescubrimiento se detiene tras una extraña visita a un vertedero, donde nos desprendemos del mundo terrenal para realizar una inmersión en la mente de Tam, donde, una vez que el autor nos expone las secuelas físicas consecuencia de ser él mismo, viajamos a las profundidades del sufrimiento y el miedo, de los temores que encierra, pero también de las macabras ambiciones fruto del único deseo de vivir en libertad sin juicios a su alrededor.

Curiosamente, la cinta encierra una trama que nos lleva por derroteros melodramáticos en su primera mitad, pero que, a partir de un giro inesperado, el ambiente se retuerce hasta alcanzar tintes de thriller a través de unos extraños asesinatos e, incluso, rozar el género de terror sobrenatural en su segunda parte, que, por desgracia, posee una narración algo más confusa con acontecimientos que no se explican. Por un lado, ya sabemos que nuestros pensamientos fantasean a su libre albedrío y que, cuando soñamos, muchas veces ocurren sucesos inexplicables, por lo que, en este caso, “The Blue Hour” cumple a la perfección con esa irrealidad, pero Boonyawatana nos introduce en su mundo interior de golpe, sin previo aviso y de forma imprecisa, y no es hasta poco antes del final cuando nos damos cuenta de toda la verdad y del juego en el que el director nos ha sumergido.

LAS BUENAS INTENCIONES DE CROTTY (2014)

Confusión y extrañeza es lo que genera “Fort Buchanan” a su paso. La ópera prima del norteamericano Benjamin Crotty nos sitúa en un campamento en mitad del bosque donde algunas esposas de soldados hacen su día a día, mientras que éstos están destinados a misiones en otros países. La cinta comienza con Roger (Andy Gillet), que mantiene una conversación acalorada con una joven adolescente de 18 años, la cual le acaba asestando un puñetazo sin mucho miramiento. Se trata de su hija Roxy (Iliana Zabeth), de la que se hacer cargo durante la ausencia de su marido.

A lo largo de 65 escuetos minutos, vemos a los personajes desenvolverse en la comuna, buscando alternativas a su soledad y ciertos entretenimientos a su falta de atención y cariño. Algunos optan por dedicarse por completo a sus hijos, pero hay quienes, incluso, intentan sustituir a sus maridos, por unos instantes, buscando sexo entre algún vecino o, como claramente se ve, iniciando en ello a la hija de Roger. Entregados mayoritariamente al ocio y a ocupar las largas horas de cada día, practican ejercicio, pasean o charlan animadamente de cuestiones superfluas, de sus cónyuges o de algún que otro secreto. Poco a poco vamos conociendo a cada familia, pero la película se centra mayormente en Roger, en su comportamiento con su hija y en la evolución que sufre su matrimonio.

Esta coproducción franco-tunecina, basada en un cortometraje realizado por su mismo autor, parte de buenas referencias, como el hecho de haber participado en los festivales de Locarno, Rotterdam y Sevilla en 2014, entre otros. Su interesante construcción a partir de retazos de pequeños diálogos de series de televisión populares de Estados Unidos para desembocar en una comedia experimental llama la atención, pero enseguida sentimos que todo queda forzado hasta rozar lo irracional. Algunas escenas pecan de sin sentido, pero en el fondo es fácil percatarse de las buenas intenciones de este director, de las ansias de mostrar originalidad fuera de las fronteras convencionales de la narración cinematográfica.