EL CUERPO Y LA LIBERTAD CREATIVA (1964)

Sin duda, Jonas Mekas es una de las grandes figuras de las vanguardias estadounidenses, ese cine más underground ligado a la experimentalidad, libertad, creatividad y puro arte hasta límites nunca vistos. Todo un floreciente despliegue que nos ha permitido disfrutar de una herencia de lo más amplia y de la que aún se siguen descubriendo grandes sorpresas, especialmente en torno al papel de la mujer dentro de este cine no narrativo. Así pues, Mekas es de los autores más estudiados al respecto, pensador, escritor y cineasta lituano que llegó a Estados Unidos en 1949 para revolucionar un escenario que ya comenzaba a dar sus primeros pasos de independencia. Fue compañero de estudios del alemán Hans Richter y se mantuvo en constante contacto con el círculo más influyente del país que le recibió, como Andy Warhol, Maya Deren, Stan Brakhage, Allen Ginsberg, Kenneth Anger o Shirley Clarke, entre otros. Pero, ante todo, destaca su amistad con Salvador Dalí, al que dedicó uno de sus primeros trabajos cinematográficos.

“Salvador Dali at Work” forma parte de su legado, una compilación de innumerables metrajes que engrosó especialmente en 2007 con su inesperada colaboración con Apple Inc. Se trata de una pieza documental rodada en 16 mm. que mantiene su mirada poética de la realidad. Escenificada y un tanto artificial, la obra surgió a petición del mismísimo Dalí, que se ofreció a aparecer delante de la cámara en uno de sus viajes a Nueva York. Nos situamos en el 18 de abril de 1964, un plano detalle del rostro del artista nos conduce a las calles del East River, mientras una voz en off nos narra esa llegada tan especial a la ciudad. Mekas muestra su lado más divertido y creativo, sumergido en las posibilidades que ofrece el propio cuerpo, en este caso, de la modelo, actriz y artista alemana Veruschka von Lehndorff; y esa libertad de representación tan propia, mientras el público sonríe ante una locura inexplicable. La cámara se deleita observando a Dalí, cuya mirada perdida nos conduce inesperadamente al sonido de la guitarra española y las castañuelas. Pero este es tan solo el inicio de la obra, que supone una representación más del imaginario de aquellos genios que formaron parte de la historia cultural del siglo XX.

LA SENSUALIDAD DEL PLÁTANO (1964)

Andy Warhol, uno de los artistas más polémicos del siglo XX, que posee multitud de fanáticos como detractores. Sus coqueteos con el cine son bien sabidos, pero más que un cineasta al uso, sus piezas se centraban más en el ámbito experimental, en extractos que realizaba junto a sus más allegados, aquellos bohemios con ansias de fama que se acercaban cegados por el brillo de la estrella del momento, uno de los iconos del pop-art de los años 60. Su cámara era una especie de espectador teatral que, ante sus ojos, observaba desfilar a personas que seguían las directrices del propio Warhol. 

“Mario Banana” es un metraje dividido en dos partes de aproximadamente 3 minutos cada una. No es su primer trabajo, pero, a lo largo de sus poco más de 6 minutos de duración, veremos uno de los elementos más famosos utilizados por el artista: un plátano. Tan sólo tres años después, el autor crearía, gracias a esta fruta, una de las portadas de discos más simbólicas desde el punto de vista artístico, la de “The Velvet Underground & Nico”, el primer álbum de la mítica banda estadounidense The Velvet Underground. 

Para esta ocasión, el artista retrató a Mario Montez, uno de sus actores fetiche que adquirió popularidad en la escena underground del Nueva York de los años 60 y 70. La cinta, rodada en 16mm, no puede llegar a ser más sencilla, puesto que simplemente vemos al actor comerse, poco a poco, un plátano de forma seductora. La cámara encierra, en primer plano, el rostro del protagonista, que se muestra sugerente, cómodo, al tiempo que su mirada nos va adentrando en la complicidad de un acto que va más allá de degustar la comida. Ataviado con una peluca algo alborotada, un brillante tocado y un llamativo collar, se crea un aura dramático y teatral para acabar representando una burda metáfora de una felación. 

LA PROVOCACIÓN DE ANGER (1964)

Probablemente, ver a día de hoy el mediometraje “Scorpio Rising”, del director estadounidense Kenneth Anger, no tenga el mismo impacto que causó entre los primeros privilegiados que pudieron visualizarlo en 1964, pero, sin lugar a dudas y transcurridos ya 50 años, sigue respirando originalidad y provocación a raudales. Autor polémico donde los haya, de cuyo talento salieron varias obras que son consideradas clave en la historia del cine, resulta toda una referencia en el plano experimental e independiente. De sus creaciones salió la inspiración de otros tantos cineastas, como el mítico David Lynch, que vieron cómo Anger influyó en el transcurso de sus carreras.

Es posible que muchos sigan pensando que esta pieza peca de incomprensible en su historia, pero estamos ante un trabajo que no tiene guion y mucho menos una estructura convencional. Durante los 30 minutos de metraje, observamos a un grupo de moteros como únicos personajes. Los elementos nazis y religiosos se suceden constantemente, mientras se entrelazan cuestiones como la homosexualidad, la humillación, el sadomasoquismo, la violencia, el fetichismo y la libertad sexual. Pese a que los años 60 parecían abrirse poco a poco a tiempos más progresistas, aún quedaba la mayor parte del recorrido, por lo que sencillamente era impensable que alguien incluyera tal bomba narrativa en el cine, puesto que la mano de la censura acechaba implacablemente, tal y como, desgraciadamente, ocurriría con “Scorpio Rising”.