CUANDO EL TIEMPO SE DETIENE (2011)

El proceso de duelo es muy personal. A pesar de que todos desfilamos por las mismas etapas (negación, enfado, negociación, depresión y aceptación), cada uno gestiona sus emociones de una forma muy particular, ya sea individualmente como recurriendo a la ayuda de un profesional. Sin embargo, a parte de estos factores internos, existe una carga social de la que es difícil desprenderse. Esta es una de las cuestiones que se presentan en “La Delicadeza”, el primer largometraje de los directores y guionistas franceses Stéphane y David Foenkinos, que logró dos nominaciones a los Premios César en 2012. Una comedia romántica realmente sencilla, que muestra la necesidad de buscar nuestro propio camino independientemente de las presiones que surjan de la sociedad, de las decisiones “políticamente correctas” que deben cumplirse cuando un ser querido ha dejado de estar a nuestro lado.

La historia está basada en la novela de David Foenkinos, todo un superventas en Francia que cumplió en la taquilla, alcanzando una recaudación nacional de más de 400.000 euros. En ella, Nathalie (Audrey Tautou) es una mujer que se enamora perdidamente de François (Pio Marmaï) como si fuera un capricho del destino. Una pareja idílica que contraen matrimonio y que disfrutan de su día a día a pesar de las presiones de sus padres por tener un hijo. Una mañana, François sale a correr, pero ese mismo destino que los unió, decide separarles a través de un siniestro accidente. Nathalie recibe la noticia de que se marido ha fallecido y, lejos de distanciarse de toda su rutina, decide volver a la oficina lo antes posible y evitar que su alrededor siga observándola con tristeza. Volcada totalmente en su trabajo, es ascendida en el departamento al que llega Markus Lundell (François Damiens), un sueco bastante introvertido que nunca ha tenido éxito en las relaciones de pareja. En un inesperado arrebato, Nathalie besa a Markus tras discutir con su jefe, marcando el inicio de un necesario resurgir de las cenizas que dejó la pérdida de François.

EL CUERPO COMO FETICHE (2011)

Tras dedicar nada menos que los primeros 15 años de trayectoria profesional a un sinfín de cortometrajes que delataban cierto gusto por el cine experimental, el director británico Steve McQueen se estrenó en el mundo del largometraje con “Hunger” (2008), una coproducción irlandesa que retrata una cuestión que a nadie dejó indiferente. La huelga de hambre protagonizada por el IRA en la cárcel de máxima seguridad Maze Prison muestra el cuerpo como instrumento de protesta en el sentido más directo de la palabra, en un contexto de encarcelamiento, de castigo físico y como mecanismo de libertad. La cinta no hacía más que presagiar la presencia de un cineasta arriesgado que daría mucho que hablar. Así fue. Un BAFTA, otro más en los European Film Awards, en el Festival de Cine de Toronto, de Venecia, tres en los British Independent Film Awards, diversos premios más de la crítica británica, canadiense y estadounidense y dos galardones en el Festival de Cannes, entre otros muchos que cayeron del cielo. El realizador se erigía como toda una promesa de la cinematografía británica. 

Aunque sigue manteniendo ciertos coqueteos con el cortometraje, McQueen tocó el cielo con su tercera película, “12 Años de Esclavitud”, todo un fenómeno popular del 2013 que se alzaría con 6 Oscar, entre ellos, a la mejor película del año. Pero antes de llegar a la cima, nos detenemos en su segunda obra, “Shame” (2011), que da un paso más allá en otro terreno muy diferente. En esta ocasión, encontramos una aproximación erótica al cuerpo como tema central. Brandon (Michael Fassbender) se encuentra en la treintena, en esa edad bisagra entre la juventud y la madurez. Vive en Nueva York como un ciudadano más, pero en su interior se esconde un lado obsesivo que le impide controlar su apetito sexual. El consumo de porno, las relaciones sexuales con prostitutas y otras solteras rigen una vida apática que se ve interrumpida por la visita inesperada de su hermana pequeña, Sissy (Carey Mulligan), que pretende quedarse en su piso durante unos días.

ESPEJISMOS Y LEYENDAS (2011)

La etiqueta de “Nueva Ola de Cine de Terror Francés” hace que muchos tiemblen en sus butacas y es que, desde que conocemos la existencia de este término, el interés por este tipo de cine ha crecido a pasos agigantados. Directores como Pascal Laugier, Alexandre Aja, Xavier Gens o Fabrice Du Weltz, entre otros, se han hecho un hueco indispensable en el suculento circuito de festivales internacionales para acabar obteniendo opiniones dispares de cada trabajo. Precisamente, “Livide” no es una excepción. El largometraje de los cineastas y guionistas Alexandre Bustillo y Julien Maury, considerados como dos de los impulsores de esta corriente cinematográfica, creó excesivas expectativas en un público que quedó totalmente encandilado por la anterior obra de ambos, “Al Interior” (2007), con la que Bustillo inició su trayectoria tras las cámaras junto a Maury, que contaba con apenas un par de cortometrajes a su espalda. Si en su debut apostaron por una producción trepidante, arriesgada e impactante por su extremismo, su segundo filme da un gran giro hacia un universo más calmado y cuidado a nivel visual.

La historia comienza en el primer día de trabajo de Lucie Klavel (Chloé Coulloud), una joven enfermera que asiste a solitarios ancianos. Acompañada por Catherine Wilson (Catherine Jacob), la tranquilidad de la jornada se rompe al llegar a una tétrica mansión que parece estar abandonada. Allí reside su próxima paciente, Jessel (Marie-Claude Pietragalla), una mujer en estado vegetativo que, hace décadas, llegó a ser una afamada profesora de danza. Wilson se encarga de relatar una vieja leyenda sobre ella, acrecentando la curiosidad de Lucie por un misterioso tesoro que parece esconderse en el interior de los ruinosos muros. Al terminar el día, la protagonista no duda en contar tal suculenta información a su novio William (Félix Moati), que, con la ayuda de su amigo Ben (Jérémy Kapone), no dudarán en hacerle una visita a Jessel y, así, saciar su codicia, destapando el oscuro secreto que la anciana guarda.

EL MUNDO DE LOS ESPÍRITUS (2011)

Park Chan-Wook es uno de los directores surcoreanos más internacionales. Su obra cumbre, “Old Boy” (2003), dentro de la famosa trilogía de la venganza (“Sympathy for Mr. Vengeance”, “Old Boy” y “Sympathy for Lady Vengeance”), le puso en el punto de mira del mercado hollywoodiense. Sin ir más lejos, en 2013, el productor y cineasta Spike Jonze se encargaría del remake de ésta, aunque con resultados pésimos entre la crítica y el público. Igualmente, también llegaría su primera producción estadounidense, “Stoker”, un fantástico thriller psicológico con un reparto inigualable encabezado por Mia Wasikowska, Nicole Kidman y Matthew Goode. Sin embargo, antes de emprender este gran salto en su carrera, Park Chan-Wook realizaría dos cortometrajes que se sumarían a su imparable trayectoria, “Night Fishing” (2011) y “Day Trip” (2013), en los que colaboraría con su hermano, Park Chan-Kyung.

En esta ocasión, “Night Fishing” es un mediometraje que, pese a partir como experimento cinematográfico, esconde tal profundidad que requiere de cierto conocimiento de la sociedad coreana para su comprensión. Partiendo de ello, nos sumergimos en la historia de un pescador (Oh Kwang-Rok) que, en un aislado bosque, espera tranquilamente a que algún pez muerda el anzuelo. No obstante, su presa será muy diferente de lo esperado.

La trama comienza de forma extraña con un grupo de música de lo más variopinto. A modo de videoclip, su actuación en mitad de un soleado paraje termina con la intervención del pescador que, casualmente, tararea la misma canción. Sumidos de golpe en un tétrico blanco y negro para crear una atmósfera sobrecogedora y entonar unos instantes a modo de pesadilla surrealista, nos trasladamos al más allá, al mundo de los espíritus. Y es que, en su tercera parte, que de nuevo se desarrolla a todo color, entramos en lo que verdaderamente significa este experimental mediometraje: un rito chamánico. Más explicaciones nos harían caer fácilmente en el spoiler, pero tan sólo con este pequeño preámbulo es sencillo concluir que “Night Fishing” esconde mucho más de lo que a simple vista podemos percibir.

EL PLACER DE LA HISTERIA (2011)

No hay nada como extraer curiosidades de la historia para escribir un guion y, precisamente, nuestro pasado está lleno de ellas, de acontecimientos desconocidos, de proezas que quedaron sobre papel mojado y de personalidades que nos ayudaron a evolucionar y que, sin embargo, no se les recuerda. Precisamente, la directora estadounidense Tanya Wexler realizó un tercer y, hasta ahora, último trabajo, “Hysteria”, para sacar a la luz la labor llevada a cabo por el doctor Joseph Mortimer Granville, considerado el padre del vibrador eléctrico. 

Nos trasladamos a Londres, año 1880, la época victoriana. La sociedad no tiene ni un solo conocimiento sobre la sexualidad femenina, considerada, sobre todo, como una enfermedad nerviosa en vez de un aspecto lógico de la naturaleza. Se denomina histeria a todo aquello que haga que la mujer se sienta agresiva, indomable, rebelde, es decir, todo lo que le provoque salir de su rol sumiso. No había medicación ni se buscaba una cura, puesto que el interés en este campo no llegaría hasta una década después. No obstante, existía el “masaje pélvico”, técnicamente denominado “paroxismo histérico”, que provocaba un orgasmo y, por tanto, la relajación y ausencia de ansiedad en la paciente. 

La cinta de Wexler nos lleva a la clínica del doctor Dalrymple (Jonathan Pryce), que se ha creado fama entre las mujeres de las clases más altas por sus técnicas de alivio. Él es un ejemplo de esos científicos conservadores que consideran la histeria como una enfermedad que crea agresividad entre féminas que deberían ser adiestradas. En la misma casa del médico, también conviven sus dos hijas, la cándida Emily (Felicity Jones) y Charlotte (Maggie Gyllenhaal), más independiente que su hermana y toda una luchadora por el progreso de la feminidad. En la consulta también trabaja el joven Mortimer Granville (Hugh Dancy), que empieza a notar los síntomas de utilizar demasiado su brazo para realizar la terapia, por lo que necesita buscar una alternativa para que no se resienta su salud ni el negocio de su jefe.

EL ESPÍRITU DE LA TRADICIÓN (2011)

Hanji es el nombre que recibe el papel tradicional de Corea del Sur. Un producto artesanal que perdura con el paso del tiempo, incluso, de 1.000 años. Obtenido de la parte interna de la corteza de la morera, un árbol que se puede encontrar en las zonas montañosas de la península, este tipo de artesanía resulta ser todo un fantástico arte que se aprecia no sólo en cuadernos y libros de época, sino también como revestimientos de las puertas y ventanas del hogar para mantener el calor dentro de las viviendas, impedir la entrada de viento y permitir el paso de la luz. Debido a su gran resistencia, el ejército coreano fabricaba sus armaduras con este material, pero, en la actualidad, podemos verlo en muebles, en pequeños objetos caseros, como juegos de té u orinales, o, incluso, en coloridos muñecos. Toda una tradición que en occidente es prácticamente una desconocida y que, en muchos casos, es confundida con el papel washi de origen japonés.

Visto el valor de este tipo de arte, no era de extrañar que el afamado director surcoreano Im Kwon-Taek le dedicara alguno de sus trabajos que, en este caso, es el número 101 de su extensa trayectoria. Hablamos de “Hanji”, una producción que cuenta con el apoyo del Festival Internacional de Cine de Jeonju y que vuelve a poner en evidencia cómo el autor es un gran amante y perfecto embajador de las diversas expresiones artísticas de Corea del Sur, como la pintura, en el caso de “Ebrio de Mujeres y Pintura” (2002), o del hipnotizante canto del pansori, en “La Cantante de Pansori” (1993). 

Pil-Yong (Park Joong-Hoon) es un funcionario medio que forma parte del equipo encargado de restaurar los anales de la Dinastía Joseon, impresos en hanji. El plan incluye a los principales maestros en este campo con el fin de reactivar la pequeña industria a un precio más económico. Durante este proceso, la directora de cine Ji-Won (Kang Soo-Yeon) se encargará de realizar un documental, que recibe el mismo nombre, “Hanji”, en donde quede plasmado no sólo este nuevo plan, sino también todo lo que implica esta tradición en la actualidad. Pil-Yong debe lidiar con cada artesano, los cuales no dudan en presionar para recibir halagos y adelantos de un presupuesto que recibe cortes constantemente. A su vez, el protagonista debe cuidar de su mujer Hyo-Kyung (Ye Ji-Won), que intenta recuperarse a duras penas de las secuelas que le ha dejado un reciente derrame cerebral. 

LA MAGIA DE LA LUNA (2011)

La luna es el eje de multitud de leyendas, un recurso sin igual para los relatos fantásticos y, por supuesto, un elemento clásico en el mundo del séptimo arte. Romance, ciencia ficción, aventuras, terror o comedia, es indiferente el género en el que no se haya aprovechado su presencia para dar rienda suelta a historias que nos han atrapado, que nos han trasladado a otros mundos. La compañía Pixar tampoco podía resistirse ante las oportunidades que brinda tan mágica estrella para dar nombre al elogiado cortometraje animado del prestigioso cineasta y artista italiano Enrico Casarosa. 

Encargado de los storyboards de grandes largometrajes como “Ice Age. La Edad de Hielo” (Chris Wedge y Carlos Saldanha, 2002), “Ratatouille” (Brad Bird, 2007) o la brillante “Up” (Pete Docter y Bob Peterson, 2009), presentó su ópera prima “La Luna” en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy en 2011 y logró que formara parte de la exhibición en cines de la cinta “Brave (Indomable)” (Mark Andrews, Brenda Chapman y Steve Purcell, 2012), la exitosa coproducción de Pixar y Walt Disney Pictures.

Las nominaciones a los Premios Annie y los Oscars le otorgaron una mayor consideración a esta especie de sencillo cuento de ensoñación, que es protagonizado por un niño que acompaña a trabajar, por primera vez, a su padre y a su abuelo. Surcan el mar en una antigua barca de madera para llegar a descubrir el empleo familiar en el que el pequeño colaborará. Una actividad secreta con la que él saciará su curiosidad y reflexionará sobre cómo deberá enfrentarla, si desde la tradicional forma que llevan a cabo sus parientes o desde su peculiar y moderna visión.

EN BUSCA DE RESPUESTAS (2011)

Cuando hablamos de cine de autor asiático, es inevitable que la mente nos remita enseguida al realizador surcoreano Kim Ki-Duk. Un director que supo meterse en el bolsillo tanto a crítica como a cinéfilos gracias a las emotivas e íntimas historias que nos hacía llegar a partir de unas obras de puro preciosismo técnico. Su sello de identidad es inigualable y su popularidad internacional se hizo notoria a través de las sobresalientes “Primavera, Verano, Otoño, Invierno… Primavera” (2003) y “Hierro 3” (2004). A través de su trayectoria, le hemos visto crecer y conseguir el clímax de su intachable carrera, pero, como buen artista que se precie, fue inevitable verle nadar entre las aguas de la depresión. En su único documental hasta la fecha, “Arirang”, nos explicó las causas de su retiro del ámbito laboral, mientras que le veíamos encerrarse en la soledad más profunda de las montañas, en una cabaña donde dedicó su tiempo nada más que a sobrevivir y a reflexionar sobre los últimos acontecimientos que habían llegado a su vida. Parte de su equipo le traicionó y, sin querer, su regreso al séptimo arte, a pesar de tomar un gran impulso, se vio negativamente afectado.

Poco tiempo antes de esta película tan personal, llegaba “Amén”, el primer largometraje que recibimos tras su periodo de ausencia de dos años y que logró que tanto el público como la crítica se vieran asombrados por algo tan extraño e impropio de él. Más de uno tuvo la sensación de que Ki-Duk trataba, por primera vez, de reírse de sus seguidores cuando en realidad la pieza simplemente supone un nuevo comienzo en su peculiar recorrido profesional, una especie de renovación que el cineasta ha ido depositando en sus últimas cintas y que ha conseguido dar un nuevo giro al despertar cierta morbosidad con el interesante patrón de las extremas relaciones entre la figura de la madre y del hijo, tal y como vimos en la posterior “Pietà” (2012) o, más evidenciado, en “Moebius” (2013), pero claro, tan sólo pudimos entender sus razones y el fracaso estrepitoso de “Amén” una vez que visualizamos “Arirang”.

LA GENEROSIDAD PERDIDA (2011)

La película de la veterana directora hongkonesa Ann Hui se desvela simplemente a través del título y el cartel. Es más que evidente que “Una Vida Sencilla” esconde una historia emocional, previsible y, probablemente, algo lacrimógena. En parte no nos equivocamos, puesto que estamos ante las últimas semanas de Ah Tao (Deannie Yip), una sirvienta que ha trabajado toda su vida para una familia adinerada, de la que forma parte Roger (Andy Lau), productor de cine soltero que vive en compañía de la mujer. No obstante, ella se va apagando poco a poco y decide ingresar en una residencia, mientras que Roger intenta sacar todo el tiempo posible para estar con ella.

Ya sabemos cómo acaban este tipo de cintas, pero su naturalidad y la humildad con la que su autora nos la presenta, hacen que sea irremediablemente atractiva y conmovedora sin caer en lo más fácil del drama. Con sumo cuidado, ya que se basa en la vida de Roger Lee, productor y co-guionista del largometraje, despierta un lado humano que en esta sociedad está prácticamente muerto. El apoyo a los mayores es un aspecto esencial en la cultura asiática, mientras que en occidente son hacinados en geriátricos, en los que la mitad son abandonados por sus familiares. Una triste realidad que la cineasta recoge con dulzura y mimo a través de entrañables personajes.

La magnífica Deannie Yip se desenvuelve con maestría en un papel que requiere más de su expresión facial que de sus artes interpretativas. Totalmente entrañable, nos recuerda a nuestros propios abuelos con su bonita sonrisa y una mirada de agradecimiento. Ah Tao ha hecho que ganara diversos premios, entre los que se encuentra el de Mejor Actriz en el Festival de Venecia de 2011. Por su parte, un más que correcto Andy Lau se mantiene a la sombra de su compañera, con la que es difícil despuntar cuando toda la narración gira en torno a ella. 

UN AVISPERO QUE GOLPEAR (2011)

"The Raid" ("Redada Asesina"), del director galés Gareth Evans, pasó arrasando por todo aquel festival al que se presentaba. ¿La razón?, ¿motivo?, ¿excusa? Quizás, la crítica, el público o quien fuese esperaba como agua de mayo una auténtica oda a la violencia y minutos y minutos en los que las balas, los cuchillos, los puños y las patadas tomaran el control.

  

Desde hace un tiempo, muchos dicen que ésta ha sido el máximo referente en lo que a acción se refiere y que seguirá siéndolo durante los próximos cinco años. Me resulta extremadamente dificil ser objetivo con una cinta que ha marcado un antes y un después en el género de las artes marciales y que sigue siendo tendencia en sus fanáticos más acérrimos. 

Pues bien, he aquí una historia lineal, simple, zafia (para algunos) y con final abierto que muchos han denominado como una mezcla entre "Jungla de Cristal" (de John McTiernan) y "Nido de Avispas" (de Florent-Emilio Siri). La trama, básicamente, trata de un grupo de élite de la policía de Yakarta que ha de entrar en un edificio perteneciente a un jefe de la mafia local, reducirlo y detenerlo a cualquier precio. A partir de este punto, todo bien, ¿no? Pues definitivamente no, puesto que hay unos cuantos vecinos matones que están dispuestos a hacer frente al invasor, como si de un cómic del francés Albert Uderzo se tratase. Para darle ese punto de drama y alargar la película (y ya de paso, sacar a relucir el arte marcial malayo del Pencak Silat), la historia toma tintes de videojuego en el que cada nivel es una fase a pasar y cada combate un "final boss" al que hacer frente. Cierto es que hasta bien entrada en la narración, "The Raid" no hace gala de sus mejores virtudes, presentando una "operación" policial algo inusual en la que todo sale mal. Pero una vez empezado el baile... ¡menuda sinfonía, amigos!

LOS AMIGOS DE TODA LA VIDA (2011)

La amistad es uno de los aspectos que más se valoran en nuestra vida y en la que pocos están a la altura. Desde que surgieron las redes sociales, el número de conocidos que tenemos ha aumentado considerablemente, pero los incondicionales son siempre los mismos. Con el paso del tiempo, uno cada vez tiene menos personas a su alrededor, pero menos aún son quienes se mantienen a tu lado pase lo que pase. Hay quien dice que los amigos que se consiguen durante la infancia y la adolescencia son los verdaderos, quizá porque son los que más te conocen, incluso más que a ti mismo.

“Sunny”, del director y guionista surcoreano Kang Hyeong-Cheol, nos viene a explicar precisamente esto. La estudiante Na-Mi (Shim Eun-Kyung) conoce a un grupo de amigas muy peculiar allá por los años 80, que la defenderán de las burlas de otras chicas de la clase. 25 años después, la protagonista (Yu Ho-Jeong) decide reunirlas de nuevo por un motivo muy importante y es que la líder de su banda, Choon-Hwa (Jin Hee-Kyung), se encuentra ingresada en el hospital por un cáncer terminal. No todas han pasado por buenos momentos y la amistad trata de eso, de ayudar y apoyarse unas a otras. Así es como se verán en una búsqueda a contrarreloj para encontrar a Jang-Mi (Go Su-Hee), Geum-Ok (Lee Yeon-Kyeong), Bok-Hee (Kim Sun-Kyung), Jin-Hee (Hong Jin-Hee) y Young Soo-Ji (Min Hyo-Rin).

La película no nos descubre nada nuevo, pero en su sencillez radica su encanto, con una historia emotiva y divertida a partes iguales y con escenas que despiertan nuestra sonrisa y un irremediablemente aplauso ensordecedor. A través de constantes flashbacks muy bien integrados, que nos sitúan en un contexto y nos hacen ver lo unidas que estaban en su etapa adolescente, acompañamos a los personajes por sus aventuras, primeros amores, fiestas y disputas. Todo lo habitual que puede darse entre grupos de amigos, pero siempre haciéndonos recordar lo dulces que fueron nuestros años de colegio e instituto. Un recuerdo agridulce entre el drama y la comedia, que representa la vida misma y que en ningún momento cae en el recurso fácil ni nos despierta la sensación de inverosimilitud.