EL ENCANTO DE LA LLUVIA (2013)

Pixar siempre cuida sus trabajos hasta el más mínimo detalle y quizá sea ésta una de las razones por las que logre conquistar a todo tipo de público independientemente de su edad. Tanto en largos como en cortometrajes, se presenta un universo mágico que siempre nos deja con ganas de más. Esas historias de fantasía que arrancan millones de sonrisas y de las que siempre se puede extraer todo tipo de enseñanzas para los más pequeños, aunque a los adultos nunca les viene mal refrescar ciertas cuestiones que parecen olvidarse con la madurez.

“Azulado (The Blue Umbrella)” es una de esas piezas que suelen acompañar al metraje principal en su exhibición en salas de cine, siendo, en esta ocasión, “Monstruos University” (San Scanlon, 2013), la secuela de “Monstruos S.A” (Pete Docter, Lee Unkrich y David Silverman, 2001). Este quinto cortometraje del realizador y guionista alemán Saschka Unseld se presenta en forma de cuento encantado, en apenas 6 minutos, con dos paraguas de diferentes colores que, al cruzarse en el camino, se enamoran instantáneamente.

Su debut en la dirección bajo la batuta de Pixar posee una trama de lo más sencilla y con el mismo estilo que uno de sus antecesores, “Paperman” (John Kahrs, 2012). El amor es el sentimiento clave para humanizar, ya sea a personas ahogadas en la rutina o, como en este caso, objetos inanimados. Llega de forma inesperada a sus destinos y los cambia sin retorno, instante en el que entran en juego otras variables como el azar y la ilusión que se genera de tal encuentro. A su vez, recrea un universo urbanita, situando la acción en calles desconocidas, demasiado transitadas. Precisamente, un espacio en el que puede ocurrir cualquier cosa en cualquier momento, en el que todos podemos ser diana de multitud de emociones en cuestión de poco tiempo. No obstante, el metraje deja en evidencia en qué partes Unseld ha querido centrarse y, efectivamente, el apartado narrativo no ha sido el elegido, puesto que, a pesar de su efecto edulcorado y de una sensación cálida que transmite, la historia está demasiado explotada y apenas se arriesga.

EL RUGIDO DE LA VENGANZA (2014)

La espectacularidad en el género de acción suele acumular grandes adeptos, pero, en concreto, el mundo de las carreras de coches llama aún más la atención en la cartelera. Espectaculares vehículos de alta gama, kilómetros recorridos a gran velocidad, inyecciones de adrenalina y persecuciones arriesgadas. Éstos son los ingredientes básicos de un cocktail que siempre promete diversión. 

El segundo largometraje del director estadounidense Scott Waugh, “Need for Speed”, cumple con estas directrices basándose en la saga de videojuegos de carreras automovilísticas bajo la licencia de la compañía Electronics Arts, en la que un mecánico, Tobey Marshall (Aaron Paul), es culpado de la muerte de uno de sus mejores amigos, fallecido durante un improvisado desafío con Dino Brewster (Dominic Cooper). Una vez que sale de la cárcel y acompañado por la atractiva copiloto Julia (Imogen Poots), busca venganza ante su injusto arresto en la arriesgada competición clandestina De León, la Liga de Campeones.

Es cierto que, en este tipo de trabajos, la acción prima por encima de la trama y este caso no es una excepción. Su historia es extremadamente sencilla, pero poco importa cuando el fin es la búsqueda del más puro entretenimiento. Partiendo de esta base y sin grandes expectativas, la sed de venganza es el motor con el que funciona el argumento, aderezado, cómo no, de un previsible toque de romance. No obstante, su montaje está cargado de intensa adrenalina y es que Waugh, además de permanecer tras las cámaras, ha sido especialista de cine y sabe muy bien cómo ganarse al espectador. El impactante despliegue de efectos CGI y las secuencias rodadas con un gran número de cámaras otorgan un mayor realismo y, por tanto, diversión.

LA MAGIA DE LA LUNA (2011)

La luna es el eje de multitud de leyendas, un recurso sin igual para los relatos fantásticos y, por supuesto, un elemento clásico en el mundo del séptimo arte. Romance, ciencia ficción, aventuras, terror o comedia, es indiferente el género en el que no se haya aprovechado su presencia para dar rienda suelta a historias que nos han atrapado, que nos han trasladado a otros mundos. La compañía Pixar tampoco podía resistirse ante las oportunidades que brinda tan mágica estrella para dar nombre al elogiado cortometraje animado del prestigioso cineasta y artista italiano Enrico Casarosa. 

Encargado de los storyboards de grandes largometrajes como “Ice Age. La Edad de Hielo” (Chris Wedge y Carlos Saldanha, 2002), “Ratatouille” (Brad Bird, 2007) o la brillante “Up” (Pete Docter y Bob Peterson, 2009), presentó su ópera prima “La Luna” en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy en 2011 y logró que formara parte de la exhibición en cines de la cinta “Brave (Indomable)” (Mark Andrews, Brenda Chapman y Steve Purcell, 2012), la exitosa coproducción de Pixar y Walt Disney Pictures.

Las nominaciones a los Premios Annie y los Oscars le otorgaron una mayor consideración a esta especie de sencillo cuento de ensoñación, que es protagonizado por un niño que acompaña a trabajar, por primera vez, a su padre y a su abuelo. Surcan el mar en una antigua barca de madera para llegar a descubrir el empleo familiar en el que el pequeño colaborará. Una actividad secreta con la que él saciará su curiosidad y reflexionará sobre cómo deberá enfrentarla, si desde la tradicional forma que llevan a cabo sus parientes o desde su peculiar y moderna visión.

EL EXTRAÑO PATINAZO DE WENDERS (2015)

El veterano director Wim Wenders es uno de los cineastas más importantes del nuevo cine alemán e indispensable desde la que fue su obra maestra, “París, Texas” (1984). Una película considerada de culto a la que le sucederían otros grandes éxitos como “El Cielo Sobre Berlín” (1987) o “¡Tan Lejos, Tan Cerca!” (1993), cintas con las que consiguió un pase a los festivales más importantes a nivel internacional, como el de Cannes. En los últimos años, el autor se había dejado embriagar por el mundo del documental, un género que domina a la perfección como demuestran todas las nominaciones conseguidas para, entre otros, los Oscars e, incluso, nuestros Goya. Tanto “Pina” (2011) como “La Sal de la Tierra” ha conseguido recorrer medio mundo, pero Wenders se ha visto atraído, una vez, más por la ficción. Su trabajo, “Todo Saldrá Bien” cuenta con un elenco de lujo y una historia que gira en torno al duelo por la pérdida de un ser querido.

James Franco encarna a Tomas, un escritor que se encuentra en plena crisis creativa y se aísla para poder encontrar algo de inspiración, mientras que su matrimonio se tambalea. El invernal paisaje de Canadá, cubierto por una espesa capa de nieve, marcará un antes y un después en su vida por culpa de un fatídico accidente. Las secuelas también afectarán a su esposa Sara (Rachel McAdams), que ve cómo su marido se distancia cada vez más, con una incomprensible frialdad con la que empieza a comportarse; y Kate (Charlotte Gainsbourg), afectada directamente por las terribles circunstancias con las que parece luchar de forma pasiva.

Prácticamente dos horas de metraje en las que la irracional tibieza de Tomas se despliega por toda la trama de tal manera que hasta nosotros mismos no encontramos vestigios de conexión ni con el desarrollo de la narración ni con los personajes. El doloroso suceso, que ocurre en los primeros minutos de la cinta, es el giro existencial que propicia los 10 siguientes años en sus vidas. Un tiempo transcurrido que no vemos pasar en sus rostros, pero que psicológicamente sí es apreciable. Mientras que Tomas consigue impulsar su carrera hacia el éxito, Sara no siente ninguna evolución en su matrimonio, ya que su pareja no pretende tener hijos con ella. Por su parte, Kate se estanca en el duelo de forma impasible y sin pretensiones de avanzar.

LOS MINIONS SE PIERDEN SIN GRU (2015)

Pocas veces hemos presenciado que, en una película de animación, los personajes secundarios destaquen por encima del principal. Así ocurrió con “La Edad de Hielo” (Chris Wedge, Carlos Saldanha, 2002), en la que aparecía una simpática y patosa ardilla llamada Scrat que causó furor entre el público. Años después, de nuevo, ésto se repitió en “Gru: Mi Villano Favorito” (Pierre Coffin y Chris Renaud 2010) con los traviesos Minions. Los pequeños seres amarillos regresan a la gran pantalla de la mano de los directores Kyle Balda y Pierre Coffin para presentarnos su historia desde los orígenes más remotos. Su existencia se centra en la búsqueda de algún malvado líder al que servir, desde un Tiranosaurio Rex hasta el mismísimo Drácula o Napoleón. Cualquier ser maligno es digno de sus servicios, pero con la llegada del siglo XX y sumergidos entre glaciares, no encuentran a ningún amo al que dedicar sus días. Es por eso que tres intrépidos Minions, Kevin, Stuart y Bob, se embarcan en un viaje por el mundo para encontrar su salvación, puesto que su tribu ha perdido la razón de vivir. Así es como llegan a Nueva York, donde descubren, a través de un canal de televisión clandestino, que se va a celebrar una convención de villanos en Orlando, dando comienzo a su verdadera aventura en la que conocerán a Scarlet Overkill, la más mala de todos, que pretende aprovechar el evento para recluir a nuevos pupilos.

La cinta divide su guión en dos partes bien diferenciadas: una relacionada con la evolución del clan a lo largo del tiempo, compuesto principalmente por varios gags de gran comicidad que mantienen la esencia de los largometrajes originales; y otra en la que el personaje antagónico prepara un plan maligno para robar la corona británica, en el que Overkill pondrá a prueba a los tres protagonistas. Por desgracia, con el transcurso del metraje, las risas se vuelven más limitadas y el interés se tambalea. La supervillana resulta excesivamente simple y sin carisma y, aunque en un principio parece tener un gran peso en la narración, acaba siendo todo un personaje casi dispensable, al igual que el novio de ésta, Herb, que apenas acapara escasas escenas. Y es que sin Gru, todo tiene menos sentido y, por tanto, nuestra atención va y viene constantemente con tal desatino.

EL CINE HA MUERTO (2014)

El director parisino Jean-Luc Godard es de esos autores que nunca te dejan indiferente. O lo amas o lo odias, pero nunca sabes qué pensar de sus obras, sobre todo de las últimas que nos ha presentado. No sabes si lo que realmente has extraído del filme es lo que verdaderamente él quiere comunicarte y, de nuevo, sucede lo mismo en su trabajo, “Adiós al Lenguaje”, toda una declaración de intenciones no apta para todo tipo de público.

Es imposible explicar de qué trata, puesto que no hay un hilo argumental claro. Tan sólo vemos la relación que hay entre una mujer casada y un hombre soltero, cómo mantienen diversos diálogos sobre la humanidad, la naturaleza, la política, la sociedad, etc. Una serie de reflexiones que nos muestran el claro ejemplo de ese ser vivo que dicen ser inteligente. A su vez, un perro recorre las calles de una ciudad y disfruta del aire y el colorido campestre y, aunque parezca el personaje más irrelevante, en realidad, es el que lleva el mayor peso de la esencia que el cineasta nos quiere revelar.

Ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes (compartido con “Mommy”, de Xavier Dolan) de 2014, desprende ese aroma revolucionario, al igual que el resto de su filmografía y es que, a sus 84 años, no podríamos esperar otra cosa de uno de los filósofos cinematográficos más importantes. Y es que pocos autores llevan a su máximo esplendor la palabra “espectador”, haciéndonos partícipe de una experiencia que va más allá del propio cine. Precisamente por ésto, pocos han sabido valorar su carrera y aún menos son los seguidores de su vertiente más experimental como tal.