LA LUCHA POR LA LIBERTAD (2013)

Poco ha transcurrido desde el fallecimiento del líder sudafricano Nelson Mandela en 2013, año en el que la sociedad mundial lloró la pérdida de uno de los activistas más importantes que nos ha dado nuestra historia y que recoge, a modo de homenaje, el biopic, “Mandela: del Mito al Hombre”. Un largometraje realizado por el director británico Justin Chadwick que parte de la propia autobiografía autorizada del afamado activista. Todo un fantástico homenaje que sólo el séptimo arte podía rendirle.

La cinta parte desde sus comienzos como abogado de minorías, de aquellas personas que sufrían discriminación en la capital, Johanesburgo. Su interés por conseguir derechos para su pueblo, por erradicar el racismo y la opresión que imperaba en la ciudad, su lucha dio los primeros pasos al formar parte del Congreso Nacional Africano (CNA), pero, a causa de una serie de atentados, Mandela es juzgado para ser encarcelado durante 27 años. Una vida tras las rejas en las que sus convicciones se fortalecerían para desembocar en la presidencia de su país en 1994. 

La sobriedad en la narración aporta una gran elegancia en una trama trabajada con sumo tacto para desmitificar al líder político. La dosificación del dramatismo y la emotividad facilitan la sensación de ligereza en un metraje que no deja de ser una sucesión de los acontecimientos más famosos de Mandela, pero que, a su vez, profundiza en los momentos más desconocidos, su vida privada durante sus dos matrimonios y posteriores divorcios, sus hijos, las crisis personales, etc. Más original que sus antecesoras, Chadwick le humaniza al aportar cierto intimismo con todos estos elementos entre sus manos, de tal forma que nos acerca un poco más a una de las personas más importantes de nuestra historia. 

MIRADAS DEL PASADO (2015)

La famosa cantante y compositora británica Adele regresa por todo lo alto con su nuevo tema “Hello”, que forma parte de su tercer álbum de estudio, “25”. Su correspondiente vídeo ha batido récords de visitas desde el primer momento en el que fue colgado a través de su canal oficial de Vevo. Un éxito arrollador para la primera colaboración de la artista con el prodigioso director canadiense Xavier Dolan. Dos grandes estrellas de la música y el cine unen su talento y creatividad para presentarnos un trabajo sumamente elegante y llamativo que sirve para describir una historia de desamor, recuerdos y heridas protagonizada por el actor estadounidense Tristan Wilds y la propia Adele.

No deja de sorprendernos el joven realizador y es que, tras ponerse en el punto de mira internacional con su primera obra, “Yo Maté a mi Madre” (2009), ha ido cosechando triunfo tras triunfo hasta compartir el Premio del Jurado del Festival de Cannes con el mismísimo Jean-Luc Godard. Ésta es la segunda ocasión en la que el autor dirige un videoclip, puesto que, dos años antes, participó junto a la banda de rock francés Indochine, con la que desató cierta polémica por las imágenes de “College Boy”. 

LA MAGIA DE LA LUNA (2011)

La luna es el eje de multitud de leyendas, un recurso sin igual para los relatos fantásticos y, por supuesto, un elemento clásico en el mundo del séptimo arte. Romance, ciencia ficción, aventuras, terror o comedia, es indiferente el género en el que no se haya aprovechado su presencia para dar rienda suelta a historias que nos han atrapado, que nos han trasladado a otros mundos. La compañía Pixar tampoco podía resistirse ante las oportunidades que brinda tan mágica estrella para dar nombre al elogiado cortometraje animado del prestigioso cineasta y artista italiano Enrico Casarosa. 

Encargado de los storyboards de grandes largometrajes como “Ice Age. La Edad de Hielo” (Chris Wedge y Carlos Saldanha, 2002), “Ratatouille” (Brad Bird, 2007) o la brillante “Up” (Pete Docter y Bob Peterson, 2009), presentó su ópera prima “La Luna” en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy en 2011 y logró que formara parte de la exhibición en cines de la cinta “Brave (Indomable)” (Mark Andrews, Brenda Chapman y Steve Purcell, 2012), la exitosa coproducción de Pixar y Walt Disney Pictures.

Las nominaciones a los Premios Annie y los Oscars le otorgaron una mayor consideración a esta especie de sencillo cuento de ensoñación, que es protagonizado por un niño que acompaña a trabajar, por primera vez, a su padre y a su abuelo. Surcan el mar en una antigua barca de madera para llegar a descubrir el empleo familiar en el que el pequeño colaborará. Una actividad secreta con la que él saciará su curiosidad y reflexionará sobre cómo deberá enfrentarla, si desde la tradicional forma que llevan a cabo sus parientes o desde su peculiar y moderna visión.

EL PESO DE LA TRADICIÓN (2015)

Es inevitable que nuestra evolución choque de forma directa con esas tradiciones que vamos arrastrando generación tras generación y que, en algunos casos, deben ser revisadas. Esa especie de rivalidad frente a la modernidad desemboca en un distanciamiento imparable entre el mundo rural y urbano, que cada vez se muestra con una mayor separación, con unas diferencias que parecen ser insalvables. Esta cuestión sirve de pilar para construir el relato de “Amama”, el trabajo del director y guionista vasco Asier Altuna. La película, que sorprendió gratamente en la 63ª edición del Festival de San Sebastián, en donde se alzó con el Premio Irizar al Cine Vasco, está narrada íntegramente en euskera, mientras abre un debate que permanece intacto con el paso del tiempo.

Situando la acción en un típico caserío vasco, la historia se centra en una familia con viejas costumbres. Amama (Amparo Badiola), que pone título a la cinta, es una preciosa y entrañable anciana de pelo largo canoso y ojos de un intenso azul claro. Ella es la matriarca, la encargada de que cada tradición siga intacta, de que los viejos hábitos se sigan cumpliendo. Con el nacimiento de un nuevo miembro, se planta un bonito árbol que le acompañará durante el transcurso de su vida, mientras que la abuela es quien pinta el tronco del color con el que se identificarán a los hijos. Así es como los tres nietos tienen asignados el color rojo, símbolo de la pasión que el heredero de las tierras posee; el negro, para el más rebelde, el representante del mal; y el blanco, para el más vago de todos.

Las primeras imágenes del largometraje dan impulso al relato de Amaia (Iraia Elias), la nieta mediana, artista de profesión, a la que se adjudicó el color negro. Sus hermanos también cargan con el peso de sus destinos. Gaizka (Manu Uranga) decidió emigrar decepcionando a un padre que necesita delegar el trabajo de mantenimiento del caserío, mientras que Xabi (Ander Lipus) ha formado su propia familia en la ciudad. Los tres representan una nueva generación bañada por la modernidad y las oportunidades que les ofrece la urbe frente a Tomas (Kandido Uranga), un padre incapaz de mostrar sus sentimientos y mucho menos de expresar sus pensamientos a través del lenguaje. Ganadero y agricultor, se desvive por labores que realiza cada día para sacar no sólo a su familia adelante, sino también una casa que sus antepasados alzaron. Más parca en palabras es la madre, Isabel (Klara Badiola), una casi invisible ama de casa que permanece a la sombra de su marido y que, en principio, apenas tiene voz ni voto.

EN MARTE COMO EN CASA (2015)

Hollywood sigue rendida ante los encantos del género de ciencia ficción y es que producir una cinta de estas características, a día de hoy, supone todo un éxito en taquilla asegurado, algo que en los últimos tiempos parece estar echando de menos la meca del cine. Así es cómo el veterano director Ridley Scott aprovechó esta coyuntura para sacar todo lo mejor de sí mismo y crear un largometraje como “Marte”, que, en parte, recupera cierta esencia de los fantásticos orígenes del realizador.

Admirado por películas de culto como “Alien, El Octavo Pasajero” (1979) o “Blade Runner” (1982), y recordado por grandes producciones como “Thelma & Louise” (1991),  “Gladiator” (2000) o, incluso, “Robin Hood” (2010), de las que hemos disfrutado cientos de veces, sumó a su extensa filmografía el título de “Marte” en 2015, una propuesta de lo más impactante a nivel visual y con una historia de supervivencia y trabajo en equipo que, en ciertos momentos, nos lleva a rememorar a la oscarizada “Gravity” (Alfonso Cuarón, 2013). 

El guionista Drew Goddard se encarga de adaptar la obra del escritor californiano Andy Weir. Un equipo de la NASA es enviado al planeta rojo para llevar a cabo la misión Ares III, pero deben suspender la investigación por la amenaza de una tormenta de arena. En pleno desalojo, Mark Watney (Matt Damon) es golpeado y despedido por una de las piezas de la nave, por lo que la comandante Melissa Lewis (Jessica Chastain) intenta retroceder para ir en su búsqueda. Sin embargo, parece que Mark no da señales de vida, por lo que deciden retomar su plan de escape, presuponiendo que su compañero está muerto. En realidad, Watney se encuentra herido y totalmente solo en un planeta en el que apenas podría sobrevivir 30 días. Por eso, decidirá tomar las riendas de la situación y hacer uso de sus conocimientos en botánica e ingeniería mecánica para poder sobrevivir.

48ª EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO DE CATALUÑA (2015)

La ciudad de Sitges da por finalizada la que es su 48ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña. Una cita indispensable para el cine de género que, una vez más, presenta las novedades que posteriormente vamos a disfrutar en cartelera. Países emergentes en género de terror y ciencia ficción han participado junto a la industria más tradicional y asentada, pero sólo unos pocos han conseguido meterse en el bolsillo tanto al jurado como al público asistente. Eso sí, la presencia española de largometrajes entre el palmarés principal es inexistente frente al buen hacer y los logros de las pequeñas piezas nacionales. Esperemos que el próximo año haya mejor suerte con el producto de la tierra.

SECCIÓN OFICIAL FANTÀSTIC SITGES 48:

- Premio Mejor Película: la cineasta neoyorquina Karyn Kusama se alza con uno de los más importantes del certamen, “The Invitation”, un thriller que ha causado gran sensación al manejar perfectamente la tensión argumental y que gira en torno a la pérdida del hijo de Will (Logan Marshall-Green) y Eden (Tammy Blanchard). Su relación se ve realmente afectada ante tal suceso, por lo que ella decide desaparecer. Tiempo después, regresa a la vida de Will de una forma irreconocible.

- Premio Especial del Jurado: la comedia terrorífica “The Final Girls”, del estadounidense Todd Strauss-Schulson, es la elegida en esta categoría con una historia que nos traslada a la época dorada del género, en plenos años 80, cuando un grupo de amigos acuden al cine y son absorbidos por la pantalla. De golpe, se encontrarán en medio de un slasher y perseguidos por un psycho-killer.

TRAGICOMEDIA A RITMO DE JAZZ (2015)

Bien es sabido que el mítico realizador y guionista neoyorquino Woody Allen se autoimpuso la nada desdeñable meta de realizar, al menos, una producción por año. Esto supone que, de tres trabajos, uno saldrá decente. “Irrational Man” no comienza con los tradicionales créditos de apertura a ritmo de jazz, como en sus anteriores trabajos, sino que presenciamos el sonido ambiente como preámbulo a la versión instrumental de “The 'In' Crowd”, de Ramsey Lewis Trío. La intensidad de la trama comienza a fuego lento y lo que parece ser su clásica comedia romántica acaba aportando inesperadamente tintes de puro thriller.

Como cabía esperar, el personaje principal se encuentra en plena crisis existencial. Abe Lucas (Joaquin Phoenix), un profesor universitario de filosofía, siente que ha perdido el rumbo de su vida, posee un bloqueo absoluto para continuar con su libro sobre el filósofo alemán Martin Heidegger y el fascismo, y ve imposible encontrar el placer de continuar días tras día con la monotonía de su mundo. No desea mantener ningún tipo de relación sentimental, pese a que su fama de mujeriego le precede, y, su caótico existencialismo le ha llevado a refugiarse constantemente en el alcohol. Con la llegada a un nuevo pueblo, entran dos mujeres especiales en su vida: Rita Richards (Parker Posey), compañera de profesión que desea tener una excusa para poder abandonar a su marido; y Jill Pollard (Emma Stone), una estudiante aplicada que acaba convirtiéndose en su mejor amiga. Una vez más, los deseos y enamoramientos confluyen en un giro inesperado por el que Lucas encontrará una instantánea felicidad.

Por supuesto, tampoco pueden faltar los gags cargados de humor satírico que dinamizan tanto los inteligentes diálogos como la narración tan liviana que en los últimos años nos ofrece el autor. Dostoievsky, Freud o Kant, entre otras muchas citas, vuelven a salir a la luz para replantear el pensamiento, mientras que el tiempo, que empieza a pesar irremediablemente, y el retrato de la condición humana, cada vez más cuestionable para Allen, toman la batuta del guion para tornarse en una dualidad moral en la que el protagonista trata de justificar los indecentes medios para llegar a un supuesto final feliz y sentirse más vivo que nunca, algo que se repite constantemente en la filmografía del director.