EL VALOR DE UNA CHOCOLATINA (2015)

Algunos videoclips musicales son dignos de galardón. El esfuerzo que algunos directores ponen en este ámbito, muchas veces no tiene el reconocimiento merecido, por lo que suelen combinar esta actividad con la producción de largometrajes o la creación de pinturas o esculturas.

Christy Karacas y David Wilson son un claro ejemplo del trabajo bien hecho. El video del dúo británico Royal Blood bajo el título “Out of the Black” es una divertida combinación de imagen real y animación. Una historia que comienza en la tienda de una gasolinera, cuando un supuesto hombre llega disfrazado de conejo y comienza a robar helados y chocolatinas a punta de pistola. A la salida le espera la policía, pero, pese a que consiguen esposarle, la situación se descontrola y comienza todo un torbellino de acción.

LA RETROSPECTIVA DE NICK CAVE (2014)

Los documentales de música siempre acaban siendo prácticamente iguales, una exaltación del grupo o cantante en cuestión o, en su defecto, una inmersión en el mundo de los vicios que han marcado el camino de éstos. Pero, en este caso, tenemos un producto totalmente diferente. Los guionistas y directores británicos Iain Forsyth y Jane Pollard nos presentan “20.000 Días en la Tierra”, una producción con Nick Cave como único protagonista. En realidad, no se trata de una oda a su “vida y milagros”, sino que, simplemente, vamos a ver al cantautor en su rutina desde un punto de vista metafísico, creativo y poético. Un proyecto respaldado por los premios a Mejor Director y Mejor Montaje en el Festival de Sundance de 2014.

Con más de 30 años de carrera y una gran y variada discografía, su figura es una referencia para el mundo musical. Todos conocemos al Cave que brilla en la oscuridad de los escenarios, que embriaga con cada una de sus letras y que hipnotiza con sus reflexiones en las entrevistas, pero detrás de esa estrella, existe un hombre normal, un hombre que siempre nos hubiera gustado conocer más y, en esta ocasión, nos introducimos en su mente, en sus pensamientos.

Veremos al protagonista despertarse, trabajar, charlar con su psicoanalista, comer, ver la televisión, pero bajo ese telón superficial, encontraremos declaraciones verdaderamente alentadoras para toda alma creativa e inquieta. Él mismo se autocuestiona, reflexiona sobre su persona, sobre lo que ha hecho, hace o hará. Nos sumergiremos en sus recuerdos de la infancia, de los primeros años de su carrera con The Birthday Party y Nick Cave and the Bad Seeds; y de su carrera en solitario. Nos introducirá en sus memorias guardadas en cajas, en fotografías, en un desván de cuyas paredes cuelgan imágenes de ídolos, de inspiración. 

LOS HOMBRES SIN PASADO (2009)

“The Prisoner” fue una de las series más exitosas de la historia de la televisión, aunque este reconocimiento llegó tarde. Emitida en Gran Bretaña durante 1967 y 1968, fue escrita por los guionistas George Markstein y Patrick McGoohan, quien, a su vez, se convertiría también en el protagonista. Los 17 capítulos de los que constaba, fueron emitidos sin el orden que sus creadores habían deseados y, finalmente, fue cancelada, forzando un último episodio que dejaba demasiadas incógnitas en el aire.

Cuarenta años después, el director Nick Hurran se hizo cargo del proyecto: una miniserie de 6 capítulos que intentaría llevar a cuestas el calificativo de “adaptación”, pero también pasaría a desenmarañar la inmensa telaraña que supuso su trama. Así pues,  junto al guionista Bill Gallagher, se retomó la historia de “seis” (James Caviezel), un espía al que drogan y secuestran para llevarlo a “La Villa”, un lugar aparentemente apacible en el que todas las personas son llamadas por un número y guiadas por “dos” (Ian McKellen). Al igual que el protagonista, que no consigue recordar su vida real, sus vecinos no tienen memoria ni pasado. Frente a ellos, “los soñadores” creen que existe un mundo más allá de las fronteras del pueblo, por lo que su inquietud les lleva a ser perseguidos constantemente.

Su trama es un verdadero thriller y, en cierta manera, nos recuerda a películas como “El Show de Truman” (Peter Weir, 1998), ya que vamos averiguando lo sucedido prácticamente al mismo tiempo que lo hace el protagonista, pero su final es más profundo con una visión fantástica al jugar con cuestiones mentales y del subconsciente. Los seis capítulos compactan a la perfección una historia que no ha envejecido, pero que en su momento fue innecesariamente alargada. Sin embargo, el misterio, la incomprensión y el gran entramado de conflictos proporcionan cierta pesadez en la narración. Demasiado tiempo preguntándonos qué es lo que ocurre y quiénes son todos los personajes hace que reste calidad al potencial del trabajo.

ESTÁS SIENDO VIGILADO (2014)

“CitizenFour”, el impactante trabajo de la directora estadounidense Laura Poitras, es de esas producciones de obligado visionado, sobre todo, tras recibir innumerables galardones, entre los que destaca el Oscar a Mejor Documental (2015). Junto a “My Country, My Country” (2006) y “The Oath” (2010) se cierra un tríptico que nos presenta ese nuevo Estados Unidos que se formó con el trágico atentado a las Torres Gemelas durante el 11-S. Un cambio que continuó en las manos del ex-presidente y Nobel de la Paz, Barack Obama, quien manejó una supuesta democracia que, a día de hoy, sigue encubriendo lo que resulta ser una dictadura. Y sí, a ese nivel se podría hablar de la política estadounidense cuando, por garantizar la seguridad nacional en extremo, restan importancia a nuestros derechos fundamentales, como es la privacidad.  La Agencia Nacional de Seguridad (NSA) se encarga de recopilar multitud de datos a partir de las comunicaciones que se producen a nivel mundial y siempre con el beneplácito de nuestros gobiernos y de gigantes como Google o Youtube, es decir, estaríamos ante una especie de ojo monstruoso que ve y sabe todo, que conoce lo que hacemos en cada momento y las palabras que utilizamos en nuestras relaciones, quiénes son nuestros contactos y cuándo los vemos. Todo.

Esto es lo que nos intenta explicar y probar el antiguo trabajador de la NSA, Edward Snowden, que tuvo que refugiarse en un hotel de Hong Kong, en donde mantenía constantes entrevistas con los periodistas de The Guardian y Der Spiegel, publicaciones que sacaron a la luz la polémica historia. Dejando atrás su hogar y a su novia, el protagonista creyó conveniente dar publicidad a estos hechos que supondrían todo un escándalo mundial y que le llevarían a ser refugiado durante un año en Rusia.  Obama le calificó como antipatriota y, a los periodistas que le ayudaban, enemigos. Tanto es así, que cruzar las fronteras les suponía grandes problemas, al igual que a su familia, como le ocurre a la pareja del reportero Glenn Greenwald, que fue retenido en pleno aeropuerto. Estas tensiones les obligan a mantener la comunicación a través de pseudónimos y mensajes encriptados, evitando, así, que Snowden pueda ser localizado.

EL CINE HA MUERTO (2014)

El director parisino Jean-Luc Godard es de esos autores que nunca te dejan indiferente. O lo amas o lo odias, pero nunca sabes qué pensar de sus obras, sobre todo de las últimas que nos ha presentado. No sabes si lo que realmente has extraído del filme es lo que verdaderamente él quiere comunicarte y, de nuevo, sucede lo mismo en su trabajo, “Adiós al Lenguaje”, toda una declaración de intenciones no apta para todo tipo de público.

Es imposible explicar de qué trata, puesto que no hay un hilo argumental claro. Tan sólo vemos la relación que hay entre una mujer casada y un hombre soltero, cómo mantienen diversos diálogos sobre la humanidad, la naturaleza, la política, la sociedad, etc. Una serie de reflexiones que nos muestran el claro ejemplo de ese ser vivo que dicen ser inteligente. A su vez, un perro recorre las calles de una ciudad y disfruta del aire y el colorido campestre y, aunque parezca el personaje más irrelevante, en realidad, es el que lleva el mayor peso de la esencia que el cineasta nos quiere revelar.

Ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes (compartido con “Mommy”, de Xavier Dolan) de 2014, desprende ese aroma revolucionario, al igual que el resto de su filmografía y es que, a sus 84 años, no podríamos esperar otra cosa de uno de los filósofos cinematográficos más importantes. Y es que pocos autores llevan a su máximo esplendor la palabra “espectador”, haciéndonos partícipe de una experiencia que va más allá del propio cine. Precisamente por ésto, pocos han sabido valorar su carrera y aún menos son los seguidores de su vertiente más experimental como tal.

CUANDO LA HISTORIA PIERDE SENTIDO (2014)

En esta nueva y tercera entrega de la saga “Crows”, el famoso director nipón Takashi Miike cedió su posición a Toshiaki Toyoda, autor de la estupenda ópera prima “Aoi Haru” (1991), en donde ya vimos cómo maneja este tipo de películas cargadas de acción y constantes peleas entre adolescentes. No obstante, la expectativa era grande y el trabajo de su predecesor le dejó un listón demasiado alto para una trama que ha sido extendida hasta la saciedad y que ya no tenía mucho más que contar. Es, por eso, que tenemos a un nuevo protagonista. Genji se ha marchado ya del instituto Suzuran, pero llega Kaburagui (Masahiro Higashide) precisamente cuando, por esa ausencia de poder, surgen nuevas peleas y conflictos entre los estudiantes, a la par que se va fraguando una batalla con el instituto Kurosaki.

El manga del artista Hiroshi Takahashi fue muy bien retratado en las dos primeras partes, pero en esta ocasión, Toyoda parece querer intentar quedar a la altura de Miike como si de un homenaje al mismo se tratase y ha olvidado lo que este proyecto supone: adaptar un cómic de gran éxito.

Es una pena no contar con Shun Oguri en el papel protagonista, al igual que la mayoría del elenco que reunía las anteriores, a excepción de una invisible intervención de Motoki Fukami en la piel del imbatible Rindaman; y con más peso los actores Kyôsuke Yabe como el proyecto de mafioso Ken Katagiri; y Tsutomu Takahashi, como Takashi Makise. Ambos innecesarios en el filme y con una trama irrelevante. Como novedad, Higashide pasa a llevar la voz cantante de un guión que apenas le depara unas pocas frases a lo sumo. Apenas encontramos un desarrollo de los personajes, quizá porque su autor ha preferido centrarse en dar un toque de espectacularidad a la cinta. No hay muchas explicaciones dentro de la narración, por lo que poco a poco se va produciendo un sinsentido que acaba en la mítica batalla final, que ya es una tradición en la saga, pero que pierde el nivel de sus antecesoras por esa falta de empatía. Ya no encontramos esas ansias de ganar, esa inquietud porque todo salga bien.

UNA BONITA HISTORIA DEMASIADO MASTICADA (2014)

“El Hombre Más Enfadado de Brooklyn”, del director estadounidense Phil Alden Robinson, es el típico trabajo que nos enseña la misma moraleja que otra multitud de películas del estilo: hay que aprovechar nuestra vida. Y sí, no está de más recordarnos una idea que se nos olvida cada día, pero, en este caso, se queda en la superficie, en la historia de Henry Altmann (Robin Williams), que, tras un accidente con el coche, acude a la doctora Sharon Gill (Mila Kunis), quien, tras pasar por una semana catastrófica, decide mentirle a su paciente diciendo que, debido a un aneurisma cerebral, le quedan 90 minutos de vida.

Por desgracia, sabemos que el protagonista intentará resolver sus asuntos pendientes, siendo lo más emocionante de una cinta que es predecible al máximo. Lo que podría haber sido una bonita historia que nos lleve a recordar grandes clásicos como aquel fantástico “¡Qué Bello Es Vivir!” (1946), del inigualable Fran Capra, pasa a ser una comedia más del montón, mientras nosotros vemos una especie de juego de persecuciones como el ratón y el gato, en el que Henry corre por la ciudad intentando despedirse de su familia y Sharon va detrás de él para poder explicarle que no le queda tan poco tiempo. Una versión bastante coja de “Mar Baum”, del cineasta y guionista israelí Assi Dayan, que en 1997 obtuvo mayores méritos con una Palma de Oro en el Festival de Cine de Valencia.

A pesar de ser uno de los últimos trabajos del fallecido Robin Williams, su actuación no despunta con respecto a otras brillantes interpretaciones de su filmografía. No obstante, protagoniza uno de los mejores diálogos frente a la cámara, marcando un emotivo clímax en mitad de la película. Por su parte, el resto del elenco, como Mila Kunis, Peter Dinklage o Richard Kind; se mantienen simplemente correctos, con unas intervenciones que pasan sin pena ni gloria, no por ellos, sino por el guión tan flojo que se nos presenta.