AQUELLOS QUE TIENEN LIBERTAD (1989)

Aunque han pasado los años, la pieza documental “La isla de las flores”, del director y guionista de cine y televisión brasileño Jorge Furtado, está considerado como uno de los mejores cortometrajes de la historia precisamente por su visión crítica ante un drama social que cada vez está más presente. Con tres pequeños metrajes que anteceden a esta obra, la alocada comedia “Tormenta” (1984) y el drama carcelario “El día que Dorival se enfrentó a la guardia” (1986), ambos realizados en colaboración con el productor José Pedro Goulart; y la comedia fantástica “Barbosa” (1988), no fue hasta “La isla de las flores” que Furtado ganaría un destacado reconocimiento a escala global. Premiado en 1989 con el Oso de Plata en el Festival de Berlín, este trabajo se ha convertido en un visionado indispensable para todo cinéfilo. El que fuera director del Museo de Comunicación Social Hipólito José da Costa en Porto Alegre y productor en Luz Produções, saltó de lleno al mundo de la publicidad, fundó la Casa de Cinema de Porto Alegre y comenzó una carrera paralela como guionista en la televisión nacional. Su imparable trayectoria profesional le ha valido un gran número de galardones, muy especialmente dentro de Brasil.

En apenas 13 minutos de metraje, “La isla de las flores” consigue remover al espectador desde lo más profundo con una crítica extensible a toda la humanidad. Las imágenes que recoge son, simplemente, la cruda realidad que nos rodea y de la que permanecemos distantes. Con toques satíricos, Furtado parte de un metraje que a primera vista parece corresponder a un collage a buen ritmo, pero que en realidad presenta, inicialmente, la evolución de nuestro comportamiento, conectando datos, hechos, evidencias que explican las dinámicas habituales del capitalismo, pero que poco a poco se torna más oscuro, especialmente desde el punto de vista sociológico. A veces, hace falta una palabra para rescatar la memoria histórica o las conductas que solemos tomar a través de pequeños y sencillos ejemplos. Al final, esos 13 minutos de cortometraje se transforman en un mensaje poderoso, directo, más actual que nunca, apenas sin darnos cuenta gracias al fabuloso ingenio con el que trabaja el cineasta.

EXCUSAS PARA EL RECUERDO (2016)

Es triste pensar que nos encontramos en un mundo cada vez más despiadado en el que el rico roba al pobre y éste roba también a sus iguales. Una sociedad corrompida que, con el transcurso de los años, va dejando en el camino su ética, los valores morales más esenciales, para venderse al mejor postor, el dinero. Quizá se trate de una reflexión tardía, pero, desde luego, es uno de los tantos pensamientos que surgen con el visionado de la crudeza de “Godless”, de la directora búlgara Ralitza Petrova. El primer largometraje de la autora, tras su inserción en el mundo del cortometraje, supone un trabajo arriesgado por tan desoladora fragancia. Un mérito que se vio recompensado con el premio a la mejor actriz (Irena Ivanova) y el Leopardo de Oro del Festival de Locarno de 2016, entre otros galardones obtenidos en certámenes internacionales como el de Reykjavik, Sarajevo, Varsovia, Estocolmo o Sevilla.

“Godless” cuenta la historia de Gana (Irena Ivanova), una mujer de mediana edad que asiste a los ancianos a través de rutinarias visitas a sus hogares con el fin de administrar correctamente los medicamentos y recibir un trato personalizado. Sin embargo, se trata de un trabajo que tapa el lado más oscuro y ruin de Gana, puesto que, en realidad, se dedica a robar los documentos de identidad de estos pacientes, siendo, uno de ellos (quizás, el más significativo), Yoan (Ivan Nalbantov), conductor de un coro religioso local que ha sufrido las calamidades del régimen comunista. Gana comparte junto a su pareja, Aleko (Ventzislav Konstantinov), no sólo su adicción por la morfina líquida, que consigue gracias a las personas más enfermas, sino también un jugoso y lucrativo negocio vendiendo estos papeles a una red de criminales para su posterior extorsión y fraude. Un mercado negro tejido desde el interior de la administración local, el corazón de la miseria de la que otros se aprovechan.

EL FIEL RETRATO DE LA HIPOCRESÍA (1961)

“Plácido” es, sin duda, una de las obras maestras más importantes del cine español, no sólo por formar parte de esa etapa revolucionaria a la sombra de la dictadura franquista, sino también por mostrar una crítica mordaz que, por suerte, esquivó a la censura, gracias a su tono cómico, en una época en la que dominaba el cine más convencional destinado, única y exclusivamente, a la distracción del público. Así es cómo el director y guionista valenciano Luis García Berlanga se convirtió en un cineasta esencial que favoreció la buena calidad cinematográfica de una industria estancada y la reconstrucción de una realidad social que muchos no se atrevían a plasmar. 

Poco se hubiera imaginado el autor que su largometraje iba a ser nominado, tanto en el Festival de Cannes como en los Oscars, a la mejor película extranjera, entre otros muchos galardones, para convertirse, hoy en día, en una película de culto. Y es que esta producción debería ser una cita indispensable siempre, pero, en especial, en las fiestas navideñas, en las que se inspira “Plácido”, que es como se llama el protagonista de esta historia. Un hombre de clase obrera (Castro Senda “Cassen”) debe pagar la letra de su motocarro, pero vence ese mismo día, justo en plena Nochebuena. Por ello, decide participar en la cabalgata y, en cambio, se ve envuelto en constantes confusiones que interrumpen su trabajo. Una noche que, para colmo, cuenta con la promoción de la campaña franquista “siente a un pobre en su mesa”, patrocinada por la empresa Cocinex, en la que las familias burguesas más acomodadas podrán redimir sus pecados haciendo la buena acción del año.

Con una gran influencia del neorrealismo italiano, Berlanga no tiene escrúpulos a la hora de exponer la hipocresía reinante en la alta burguesía a la par que marca una gran distancia con la clase obrera. No es lo mismo quien se rinde al placer del dinero que quien lucha buscando dinero para su supervivencia y “Plácido”, precisamente, sigue esta premisa al pie de la letra, a ritmo vertiginoso y con suma maestría, dejando plena libertad a los movimientos de sus personajes. Un retrato cruel con altas dosis de egoísmo que viene maquillado por intensas y oscuras carcajadas, pero que deja un rastro verdaderamente desolador.

LA ERA DEL POBRE CONTRA EL RICO (2014)

La famosa leyenda de Robin Hood, que robaba a los ricos para dárselo a los pobres, nunca pasará de moda, es más, se sigue reinventando para generar nuevos éxitos en pantalla. Éste es el caso de “Kundo: Age of the Rampant”, la producción del director surcoreano Yun Jong-Bin, que vio despegar su carrera con la conocida “Nameless Gangster” (2012) gracias al circuito de festivales cinematográficos más importantes. 

Cuando la dinastía Joseon está llegando a su fin, allá por 1862, Corea queda sumida en la pobreza y se deja llevar por la corrupción y por el dominio de unas clases privilegiadas que se aprovechan de la situación. Mientras tanto, el Clan Chusul, un grupo de bandidos, intentarán luchar para devolver a las clases más bajas lo que les pertenece y protegerles de los abusos. A causa de estas injusticias, cobra importancia el personaje de Dol Moo Chi (Ha Jung-Woo), un carnicero (profesión de muy baja casta) que cuida de su madre y su hermana y que se enfrentará a Jo-Yoon (Kang Dong-Won), el maltratado hijo bastardo de un noble que ansía poder y, para colmo, es experto en artes marciales.

A lo largo de la película, cada miembro de la banda tendrá su momento de protagonismo, pero, ante todo, destaca la participación de dos grandes actores como Ma Dong-Seok y Cho Jin-Woong, cuya interpretación siempre resulta impecable y, en esta ocasión, no iba a ser una excepción. Ambos ponen un estupendo toque de humor que agiliza el ritmo de la trama.