EN EL CUARTO OSCURO DE LA MENTE (1976)

Independientemente de la perenne controversia que lleva consigo el célebre director y guionista francés Roman Polanski, lo cierto es que es indudable la fascinante filmografía que ha aportado a la historia del cine, compuesta por títulos que siempre permanecerán en nuestra memoria, como “La Semilla del Diablo” (1968) o “Lunas de Hiel” (1992), convertidas en películas de culto con el paso del tiempo. Sin embargo, su vida privada siempre ha ensombrecido su trabajo, ya sea por su reconocido escándalo por violación como por el asesinato de su mujer, la actriz y modelo estadounidense Sharon Tate, y su hijo nonato. Una trayectoria repleta de situaciones extrañas y trágicas, de claroscuros que, en cierta manera, acabó trasladando a su cine, aunque no de forma explícita. Su mirada hacia el exterior se transformó en dramas, comedias satíricas, thrillers que juegan con los sinsabores del terror, erotismo literario, recuerdos históricos o, incluso, aventuras inesperadas. A día de hoy, podría decirse que el cineasta ya se ha enfrentado a todo aquello que siempre ha querido hacer a nivel cinematográfico.

Sea cual sea el género que trate, el universo que construye siempre es diferente a los demás. Prueba de ello es una de sus obras maestras, “El Quimérico Inquilino”, un thriller psicológico basado en la novela “Le Locataire Chimérique”, del escritor y también cineasta francés Roland Topor, que acabó siendo una cinta de culto, a pesar de la frialdad con la que fue recibida por la crítica del momento. Con esta historia participó en el Festival de Cannes de 1976 y obtuvo una nominación a los Premios César un año después, aunque tristemente no obtuvo mayor reconocimiento. Curiosamente, es todo un placer ver cómo el propio Polanski se pone en la piel del protagonista, aunque ésta no es la primera vez que juega a ser un actor más en sus metrajes. Trelkovsky (Roman Polanski) es un hombre tranquilo que acaba de alquilar un apartamento para él sólo en París. Nada más entrar a vivir, la conserje (Shelley Winters) le informa de que la anterior inquilina trató de suicidarse tirándose por la ventana del piso y que, mientras está hospitalizada, sus pertenencias siguen en el interior. Trelkovsky poco a poco le da más importancia a los hechos. Observa sus objetos personales, entrando cada vez más en una espiral que le consume hasta la locura. 

VÍCTIMAS Y VERDUGOS (1994)

Por todos es conocida la complicada vida del afamado director francés Roman Polanski. Considerado como uno de los más importantes cineastas que tenemos, su infancia ya vino marcada por las desgracias acontecidas en el Holocausto Judío durante la Segunda Guerra Mundial. Su fama y prestigio quedó ensombrecida por fatídicos incidentes como el asesinato de su esposa, Sharon Tate, y su hijo nonato a manos de los fervientes seguidores del criminal Charles Manson, o la acusación de una violación a una menor a finales de los años 70 y que, posteriormente, quedaría resuelto.

Con la difusión de “La Muerte y la Doncella”, una de sus cintas más personales que, sin embargo, obtuvo un recibimiento bastante moderado, llegarían tiempos de calma y cierta estabilidad, principalmente protagonizado por el nacimiento de su primera hija. Esa tranquilidad queda reflejada en una historia que profundiza en sus propios temores y traumas, que aún siguen clavados en su memoria y que trata de desmenuzar a través de una adaptación de la obra teatral homónima escrita por el dramaturgo argentino Ariel Dorfman sobre las víctimas de la dictadura de Pinochet.

A principios de los 90, en una noche lluviosa, Paulina Escobar (Sigourney Weaver) y su marido, un prestigioso abogado llamado Gerardo (Stuart Wilson), llegan a su casa de campo junto a Roberto Miranda (Ben Kingsley), un médico con el que han coincidido a mitad de camino. Paulina siente que conoce a Roberto y, a través de una serie de conversaciones, tendrá que enfrentarse a un pasado aterrador lleno de crueldad y de heridas abiertas imposibles de cicatrizar. La tranquila noche se convierte en un infierno a partir de las notas del cuarteto de cuerdas del compositor austríaco Schubert, que interpretan “La Muerte y la Doncella”, una pieza que despierta recuerdos, sufrimientos, instantes de tortura y violencia inolvidables.

EL MASOQUISMO DE LAS PALABRAS (2013)

Dos personajes que se acaban de conocer, un escenario de un solitario teatro y, por delante, un intenso casting para preparar el clásico literario “La Venus de las Pieles”, del clásico escritor austriaco Leopold von Sacher-Masoch. Una obra compuesta por un diálogo intensamente erótico, que entremezcla tensión sexual, sumisión y sentimientos en cada minuto del metraje. El veterano cineasta polaco Roman Polanski recupera el texto para un trabajo de título homónimo, junto al talento de los actores Mathieu Amalric y Emmanuelle Seigner.

Thomas busca a la actriz principal perfecta para una adaptación personal de tal magistral novela. Una vez terminada la audición con las aspirantes, se siente frustrado al no haber encontrado a la idónea pero, antes de recoger sus cosas para marcharse del teatro, aparece una apurada Vanda, que llega con retraso a la cita por un sinfín de contratiempos. Con su arrolladora personalidad y una cautivadora palabrería logra enredar al director para, poco a poco, mostrar sus dotes artísticas. Pese a que Thomas se muestra reticente en todo momento, al final se ve empujado por los encantos de una mujer que parece reunir todo lo que él buscaba.

El afamado autor repite fórmula encerrando a sus personajes entre cuatro paredes, tal y como hizo con su anterior película, “Un Dios salvaje” (2011). Igualmente, parece fascinado por mostrar ciertas dosis teatrales a sus últimas historias, pero, en esta ocasión, incluso el escenario se rinde ante tal capricho. En pocas cintas encontramos más suculento el desarrollo que el codiciado final y es que “La Venus de las Pieles” centra su interés en la interpretación de unos diálogos de gran intensidad, poderosos y fuertemente pasionales. Amalric, que recuerda al mismísimo Polanski en los tiempos en los que él mismo participaba en sus propios trabajos frente a las cámaras, encarna a un hombre sometido por el estrés del profesional del espectáculo, que se rige por un estricto horario en el que no se admiten cambios pase lo que pase.

EL PESO DE LA REALIDAD (1958)

“Dos Hombres y un Armario” (“Dwaj ludzie z szafa”) es el cortometraje más célebre del cineasta francés Roman Polanski, siendo uno de los más exhibidos y el trabajo por el que recibió sus primeros premios en festivales como Cine EXPO-58 de Bruselas o el Festival de Cine de San Francisco, entre otros. Con 25 años y estudiante de la Escuela de Cine de Lodz (Polonia), el autor utilizaba sus trabajos como obras de aprendizaje, de ahí el tono experimental que adquirían. Tenía total libertad para crear, dando rienda suelta a su creatividad e imaginación.

A través de 15 minutos de duración, vemos a dos personajes, interpretados por Jakub Goldberg y Henryk Kluba, salir de entre las aguas del mar cargados con un armario y adentrarse en la ciudad, donde son rechazados constantemente por los habitantes, que les humillarán y agredirán como muestra de su naturaleza violenta. La sencilla narración en forma de fábula nos transmite incomprensión bajo un tono sutilmente humorístico y cruel. Una visión bastante ácida de nuestra sociedad que no entiende, repudia, se burla e, incluso, agrede a lo que es extraño, diferente, aquello que se sale de la norma. Este pesimismo existencial será uno de los temas que más utilice el director a lo largo de su carrera.

Es su cortometraje más narrativo, con una premisa bastante absurda que se adentra en el complejo surrealismo, pero, a su vez, se desprenden influencias del slapstick, en cuanto a las interpretaciones; y ese aire propio del nuevo cine europeo que dio sus primeros pasos en Francia y se expandió vertiginosamente. Ese espíritu moderno se desvela a través de nuevas estructuras narrativas como la que posee “Dos Hombres y un Armario”.