LA DESAPARICIÓN Y EL OLVIDO DE LA IMAGEN (2016)

Aproximarse a la filmografía del artista audiovisual mexicano Bruno Valera es entrar de lleno en el activismo visual e, incluso, la milicia del videoarte. Su experimentalidad aboga, en muchos de los casos, por la revisión de la memoria histórica de México desde la propia materia, el folclore o, en un paso más allá, la misma verdad. Cada una de sus obras generan una profunda incertidumbre que deja sin aliento, piezas que trabajan con diferentes formatos, sustratos y soportes siempre en la línea del found footage más inclasificable, pero en constante evolución. Es, por ello, que Varela se erige como un autor cambiante, sumamente activo en su labor y capaz de sorprender a sus espectadores con cada uno de sus trabajos, obligando a reflexionar, a verse envuelto de cuestiones sociales y políticas dirigidas bajo la batuta del mismo arte audiovisual.

Una de sus muchas piezas experimentales es “Materia oscura”, que supone una profundización en el archivo de los recuerdos a través de un ejercicio de sentido común, cuya esencia, en cambio, ha sido relegada al olvido por diversos intereses. El metraje nos avisa de la metodología utilizada, que parte de la excavación de 54 mil fojas, divididas en 85 tomos y 13 anexos, del “caso Iguala”, también conocido como “caso Ayotzinapa”. Durante la noche del 26 y la madrugada del 27 de septiembre de 2014, la ciudad de Iguala fue testigo de importantes episodios de violencia contra los estudiantes de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa. El ataque impulsado por policías y militares desembocó, según las fuentes oficiales, en la desaparición de 43 personas, 9 asesinatos y 27 heridos entre alumnos, periodistas y otros civiles. No se trató de un único ataque y las incongruencias en los posteriores informes obligaron a la creación de la Comisión para la Verdad y Acceso a la Justicia en 2019.

LA VOZ DE LA MISERIA (2015)

Pensar en realismo cinematográfico nos lleva, inevitablemente, al pasado, a una época en la que era necesario mostrar la miseria de un pueblo devastado por las guerras. Sin embargo, en pleno siglo XXI, cómo no seguir denunciando injusticias, cómo no retratar ciertos lugares en donde parece no haber transcurrido el tiempo, en donde la pobreza es la ley de la calle y a las personas se les suele dar la espalda para no manchar esa hipócrita imagen que nos quiere tratar de decir que “todo va bien”. Por suerte, el séptimo arte no es capaz de obviar esta problemática y, precisamente, el veterano director mexicano Arturo Ripstein es uno de los cineastas más concienciados con la desdicha de su pueblo, dando voz a quienes están predestinados al sufrimiento por haber nacido en el lugar equivocado.

Ya se han cumplido poco más de 50 años en la profesión tras la publicación de aquel primer largometraje titulado “Tiempo de Morir” (1966), un drama repleto de venganza que contaría con dos grandes escritores para la elaboración de su guion, Carlos Fuentes y Gabriel García Márquez, que se estrenaba en esta labor. Ripstein consiguió abrirse paso al mercado internacional a través de un sinfín de festivales. Quien en su momento fuera ayudante del afamado realizador español Luis Buñuel, aspecto que se evidencia en cada una de sus obras, sigue en activo, siendo una de sus últimas obras un homenaje a este mundo extremo bajo el título “La Calle de la Amargura”.

La guionista Paz Alicia Garciadiego, que colabora con el autor desde hace ya nada menos que 30 años, se encarga de dar vida a una historia basada en hechos reales. Un homicidio ocurrido en la realidad, pero que el director retoma con una visión diferente. Dos luchadores profesionales, Espectrito Jr. y La Parkita, son asesinados por Adela (Patricia Reyes Spíndola) y Dora (Nora Velázquez), dos prostitutas que les llevan a una habitación de un hotel para poder robarles, pero que, en cambio, deciden acabar con sus vidas. 

EN BUSCA DE ESPERANZA (2013)

El director español Diego Quemada-Díez lleva afincado en América más de 20 años, por lo que su cercanía hacia ciertas realidades que, a día de hoy, siguen siendo grandes desconocidas en el resto de continentes, le han llevado a debutar en el mundo del largometraje con “La Jaula de Oro”, una producción que no busca el entretenimiento, sino más bien denunciar y profundizar en una situación que se repite diariamente entre cientos de personas que buscan una oportunidad para prosperar en este mundo.

Esta es la historia de Juan (Brandon López), Sara (Karen Martínez), Chauk (Rodolfo Domínguez) y Samuel (Carlos Chajón), cuatro adolescentes que abandonan su hogar para comenzar un camino lleno de riesgos y obstáculos con el fin de poder salir de Guatemala en dirección a la frontera estadounidense. Ese famoso sueño americano les motiva para pasar por calamidades, abusos y miserias, para dejar atrás a sus familiares y amigos y dar un giro a sus destinos. La esperanza puesta en un cambio de rumbo que desconocen totalmente, pero que resulta más que suficiente para arriesgarse, para hacinarse en varios trenes, empeñar todos sus pocos ahorros y, al fin y al cabo, poner su vida en peligro.

Quemada-Díez se rodea de un elenco joven que no tiene experiencia profesional en el séptimo arte. Sin embargo, sus interpretaciones respiran verosimilitud a raudales y es que ellos mismos son conscientes de este tipo de situaciones que presencian incesantemente. Este punto a favor le otorga un mayor realismo hasta ser alcanzado por la sombra del documental. No obstante, el desarrollo psicológico de los personajes ayuda a crear una atmósfera más sentimentalista, que facilita empatizar con unas circunstancias que hasta este momento desconocíamos.