UN INTENTO EXPERIMENTAL (2014)

A veces, los actores intentan probar cosas nuevas, dar un poco de chispa a sus carreras. Es por eso que algunos deciden ponerse detrás de las cámaras para crear sus propias obras. Algunos de ellos consiguen el éxito en taquilla, bien por ser una estrella que atrae a sus legiones de incondicionales seguidores o porque verdaderamente realizan un trabajo de categoría. Pero también están quienes se precipitan e intentan dirigir cuando aún les queda un gran recorrido por aprender o adoptan como suyas las técnicas de aquellos cineastas con los que han colaborado y les han podido influir más. Y no es que sea negativo este aspecto, muchos autores beben del cine que ellos mismos han consumido, de sus favoritos. Nos referimos a casos más extremos, como “Lost River”, la ópera prima del canadiense Ryan Gosling.

La historia se centra en Billy (Christina Hendriks), una madre que intenta evitar que su casa sea embargada. Para ello, acude al banco, en donde el empleado Dave (Ben Mendelsohn) le ofrece una alternativa: trabajar en un local fuera de lo común. Mientras que ella se deja llevar por su desesperación, su hijo mayor, Bones (Iain De Caestecker), que está enamorado de su vecina, Rat (Saoirse Ronan) y es perseguido por el matón del pueblo, Bully (Matt Smith), descubre una leyenda bajo el río que justifica el estado en el que se encuentra una apocalíptica Detroit

El cartel y elenco actoral hacían llamativa la película, pero tras las opiniones tan dispares que suscitó en la última edición del Festival de Cannes, parece que auguraba lo peor para sus comienzos como director. Si a ello le sumamos el hecho de que posee ciertos toques de cine experimental, se genera una bomba extrema para un público que piensa que tiene mejores ofertas que visionar. No obstante, y a pesar de ello, nunca está de más arriesgarse. Si juntásemos la psicología de los personajes de David Lynch, la fotografía de Gaspar Noé y las depuradas técnicas de Terrence Malick y Nicolas Winding Refn, obtendríamos el mismo resultado que nos presenta Gosling. No encontramos la propia personalidad del actor por ningún lado, sino una mezcla extraña que van más allá de una simple inspiración y que dificulta ver al autor como tal. 

LA GENEROSIDAD PERDIDA (2011)

La película de la veterana directora hongkonesa Ann Hui se desvela simplemente a través del título y el cartel. Es más que evidente que “Una Vida Sencilla” esconde una historia emocional, previsible y, probablemente, algo lacrimógena. En parte no nos equivocamos, puesto que estamos ante las últimas semanas de Ah Tao (Deannie Yip), una sirvienta que ha trabajado toda su vida para una familia adinerada, de la que forma parte Roger (Andy Lau), productor de cine soltero que vive en compañía de la mujer. No obstante, ella se va apagando poco a poco y decide ingresar en una residencia, mientras que Roger intenta sacar todo el tiempo posible para estar con ella.

Ya sabemos cómo acaban este tipo de cintas, pero su naturalidad y la humildad con la que su autora nos la presenta, hacen que sea irremediablemente atractiva y conmovedora sin caer en lo más fácil del drama. Con sumo cuidado, ya que se basa en la vida de Roger Lee, productor y co-guionista del largometraje, despierta un lado humano que en esta sociedad está prácticamente muerto. El apoyo a los mayores es un aspecto esencial en la cultura asiática, mientras que en occidente son hacinados en geriátricos, en los que la mitad son abandonados por sus familiares. Una triste realidad que la cineasta recoge con dulzura y mimo a través de entrañables personajes.

La magnífica Deannie Yip se desenvuelve con maestría en un papel que requiere más de su expresión facial que de sus artes interpretativas. Totalmente entrañable, nos recuerda a nuestros propios abuelos con su bonita sonrisa y una mirada de agradecimiento. Ah Tao ha hecho que ganara diversos premios, entre los que se encuentra el de Mejor Actriz en el Festival de Venecia de 2011. Por su parte, un más que correcto Andy Lau se mantiene a la sombra de su compañera, con la que es difícil despuntar cuando toda la narración gira en torno a ella. 

14ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE TRIBECA (2015)

El Festival de Tribeca, organizado por la productora Jane Rosenthal y el famoso actor Robert De Niro, reúne una interesante variedad de películas independientes y, pese a que fue creado como evento único, este año ya cumple su 14ª edición con una fuerte presencia europea, aunque ha dejado fuera de su palmarés a la industria latina.

En esta ocasión, la islandesa “Virgin Mountain”, de Dagur Kári, consiguió no sólo el Premio a la Mejor Película, sino que también se alzó con el de Mejor Guión, elaborado por el propio autor; y Mejor Actor gracias a la labor realizada por Gunnar Jonsson en la piel de Fúsi. Un drama romántico con elegantes toques de humor sobre la vida de un hombre de 43 años que aún convive con su madre, la cual le presiona para tomar clases de baile.

18ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE MÁLAGA 2015

El Festival de Málaga pone el broche final a su 18ª edición con una gran triunfadora, “A Cambio De Nada” de Daniel Guzmán. Son cuatro los galardones para el actor que hace poco más de 10 años probaba suerte detrás de las cámaras con el cortometraje “Sueños” (2003), el cual recibió el Goya y la Espiga de Oro al Mejor Cortometraje.

Una carrera verdaderamente fructífera que de nuevo ha sido valorada a través de una producción enfocada al drama sobre la especial amistad entre dos adolescentes, Darío y Luismi, cuyas vidas cambiarán en un solo verano. Con una historia premiada también por la crítica, el cineasta ha conseguido plasmar un relato redondo, que deja a un lado el sentimentalismo barato para encargarse de los aspectos agridulces de la vida, fusionando la emoción, la nostalgia y la tristeza con ciertos toques de comicidad perfectamente alternados.

A parte del Premio a Mejor Dirección, Antonio Bachiller recibe también el de Mejor Actor de Reparto, ensalzando el largometraje por encima del resto de candidatos, al que sigue “Requisitos Para Ser Una Persona Normal”, de Leticia Dolera, compañera de profesión que también lleva unos años coqueteando con la autoría de algunos cortometrajes y que debuta con su primera película, en la que interpreta el papel principal. Una comedia de inspiración indie y de buen gusto, en la que la María es el reflejo de toda una generación sin trabajo, sin pareja, sin apenas amigos y que únicamente quiere encontrar su lugar en este mundo. Un guión que obtiene su propio premio junto al de montaje y fotografía.

68ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CANNES 2015 (PARTE III)

Fuera de concurso, el Festival de Cannes también proyecta otros trabajos de interés con los que complementa cada jornada y para gozo de muchos cinéfilos. 

PROYECCIONES ESPECIALES:

- “Asphalte”, de Samuel Benchetrit (Francia): el quinto largometraje del cineasta cuenta con Gustave Kervern, Valeria Bruni-Tedeschi y Michael Pitt. Partiendo de su propia novela biográfica, se trata de una cinta que enfoca el tema de la soledad a través de una comunidad de vecinos que se van conociendo y creando lazos de unión cuando se avería el ascensor.

- “Amnesia”, de Barbet Schroeder (Francia): situado en Ibiza a principios de los 90, Jo, un compositor de música de 25 años busca un empleo como Dj en el nuevo club nocturno Amnesia. Una noche, conoce a la misteriosa Martha, que lleva viviendo 40 años frente al mar, dando comienzo a una intensa amistad que pondrá en tela de juicio el pasado de la mujer.

- “A Tale of Love and Darkness”, de Natalie Portman (Estados Unidos): la joven actriz debuta en la dirección, como tantos otros artistas, llevando a la gran pantalla las memorias del escritor y periodista israelí Amos Oz. Ella misma interpreta a la madre del protagonista en una historia no lineal que narra la infancia y adolescencia del novelista en Jerusalén y después en el kibbutz de Hulda, entre personas importantes del ámbito social.

68ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CANNES 2015 (PARTE II)

Un Certain Regard intenta exhibir aquellos largometrajes que muestran una visión y un estilo totalmente diferentes al cine de autor al que estamos acostumbrados. Fomentando el talento de los jóvenes artistas, este año no hay tanta variedad como en ediciones anteriores, pero sí es cierto que, de las seleccionadas, hasta ahora ninguna cinta islandesa o croata ha conseguido llevarse un premio en esta sección. En mayo, sabremos si su suerte, por fin, ha cambiado.

UN CERTAIN REGARD:

68ª EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CANNES 2015 (PARTE I)

Queda poco menos de un mes para la 68ª edición del Festival de Cannes. Del 13 al 24 de mayo, la ciudad francesa celebrará el 120 aniversario de la invención del cinematógrafo Lumière con un cartel dedicado a la figura de la mítica actriz sueca Ingrid Bergman por el centenario de su nacimiento. Dos eventos muy representativos en un certamen que ya está casi preparado para exhibir la selección de las películas seleccionadas por el jurado que, durante este año, ha contado con la participación de los hermanos Coen e Isabella Rossellini.

En esta ocasión, la cinta inaugural escogida es “La Cabeza Alta”, una producción francesa de Emmanuelle Bercot, que narra las vivencias de Malony (Rod Paradot), un adolescente con una infancia complicada. Un matrimonio se encargará de su adopción con el fin de corregir al joven, por lo que le llevan a un centro educativo donde conocerá a una chica que le hará cambiar. Un reflejo bastante realista de un mundo marginal y sin expectativas que resulta más que interesante, al igual que su elenco actoral, con Catherine Deneuve como principal atractivo.

EN COMPETICIÓN:

MÁS ALLÁ DEL ESPIONAJE (2010)

Es innegable que la producción cinematográfica de Corea del Sur está siendo una de las mejores a nivel internacional y es que parece estar viviendo una época dorada con la que consiguen aportar nuevas muestras de entretenimiento y calidad a partes iguales. Los géneros de suspense y thriller están captando las miradas de los mejores festivales y de una audiencia que, poco a poco, se va multiplicando.

Tras la fantástica ópera prima de Jang Hoon, “Rough Cut” (2008), el director se lanzó por una trama policíaca mezclada con drama bajo el título de “Secret Reunion” y que cuenta la historia de una amistad aparentemente imposible. El Servicio de Inteligencia Nacional (SIN) se entera de que Ji-won (Kang Dong-Won), un espía de Corea del Norte, acaba de llegar a Seúl. Tras una intensa persecución en el centro de la ciudad, Lee Han-gyu (Song Kang-Ho) no consigue detenerle, por lo que es despedido de su trabajo, mientras que el norcoreano es abandonado y tratado como traidor. Seis años más tarde y por casualidad, ambos comienzan una relación laboral que les llevará a estrechar lazos pese a sus ideologías.

Conocemos la impecable labor que siempre realiza Kang-Ho puesto que, a día de hoy, es uno de los actores más famosos del país, con actuaciones en las cintas más exportadas y de mayor éxito. Un indispensable para autores como Park Chan-Wook, que ha contado con él como protagonista en “Joint Security Area (JSA)” (2000), “Sympathy for Mr. Vengeance” (2002)” o “Thirst” (2009); o, Bong Joon-Ho, en “Memories of Murder” (2003), “The Host” (2006) y, la que más conocemos, “Snowpiercer” (2013). Con tan abrumadora carrera, “Secret Reunion” apenas fue una más a engrosar sus filas. No obstante, consigue no decaer en ni un sólo instante, mostrando una fuerte química con su compañero de reparto, Kang Dong-Won, que, a pesar de ser una joven promesa, se está convirtiendo en un artista realmente bien considerado. En esta ocasión, se ve eclipsado por el fuerte carisma de Kang-Ho, pero no por ello resulta una interpretación fallida, sino que despliega una total credibilidad a través de una faceta fría y misteriosa. 

RECUERDA QUE MORIRÁS (1998)

Pocos vídeos musicales han dado tanto de qué hablar como lo fue “Do The Evolution” en 1998, del mítico grupo de grunge Pearl Jam. El tema, extraído del quinto álbum “Yield”, fue creado por el guitarrista Stone Gossard y el cantante Eddie Vedder, llegando a ser uno de los más contundentes y reivindicativos de la banda y es que, en poco menos de cuatro minutos, nos presenta un recorrido exhaustivo de la evolución histórica del ser humano y la verdadera esencia de éste, fundada en la crueldad, en la superioridad de quienes piensan que tienen el poder y pueden controlar el planeta, sucumbidos y postrados ante un nuevo dios contemporáneo, la tecnología.  

Bajo la dirección del canadiense Todd McFarlane, que contaba con una gran experiencia en el mundo del videoclip; y el estadounidense Kevin Altieri al frente de la animación, más conocido por “Batman: La Serie Animada” (1992), el metraje parte de la primera célula, repasa la extinción de los últimos dinosaurios, sigue con nuestros antepasados más primitivos y llega hasta nuestros días, recordándonos, con pequeños fragmentos casi imperceptibles, las Cruzadas, el Ku Klux Klan, el dominio nazi y el consiguiente Holocausto, la guerra de Vietnam o la constante aniquilación de la naturaleza, de la que somos principales causantes. Igual que el pasado tiene su lugar, se deja espacio al futuro, con una especie de posible apocalipsis entre armas de destrucción masiva y robótica. Una hipótesis que únicamente hace resaltar lo único seguro que tenemos en nuestra vida y que es la muerte. La sombra de la destrucción aparece constantemente de forma ironizada, desafiante. No nos importa absolutamente nada, excepto ser mejores que los demás, con más dinero y autoridad. 

SIN TIEMPO PARA EL DOLOR (2015)

La famosa cantante y compositora australiana Sia Furler estrenó videoclip el pasado 2 de abril para presentar un nuevo tema, “Big Girls Cry”, extraído de su sexto álbum, “1000 Forms of Fear”, que fue lanzado en 2014. Una canción en la misma línea que las anteriores “Chandelier” y “Elastic heart” y que, en tan sólo una semana, ha conseguido casi 15 millones de visitas en el canal oficial de Vevo. 

Los directores Daniel Askill y Sebastian Winter repiten experiencia con la solista, por cuarta vez, con un trabajo sencillo y sobrio a más no poder. Al igual que ellos, la pequeña artista de 12 años, Maddie Ziegler, a quien todos reconocemos perfectamente bajo la peluca rubia platino, deja aparcado el baile para centrarse en la interpretación y su habilidad física.

LA MAGIA DE LA ECOLOGÍA (1992)

Disney y Pixar son las compañías que acaparan la mayor parte del público que gusta de la animación, eso es un hecho. Pocos son los que se arriesgan a ver más allá y, no nos engañemos, es un género del cine muy fructífero del que podemos disfrutar cada vez más. 

Exactamente, han pasado 13 años del estreno de la fantástica película de dibujos animados “FernGully: Las Aventuras de Zak y Crysta”, del cineasta Bill Kroyer. Para él, fue su primera y última labor en la dirección, en cuanto a largometrajes se refiere, pero continuó su carrera artística de una forma más anónima. Basado en los cuentos de Diana Young, la historia nos traslada a una naturaleza mágica y en todo su esplendor, en la selva tropical cercana a Monte Peligro. La crueldad del hombre y sus ansias de ganar dinero harán que el hada Crysta, su amigo Pips, los Beetle Boys equipados con sus escarabajos voladores, el cariñoso y entrañable murciélago Vampi y Zack, un humano, lucharán por la protección de la tierra de las manos del tenebroso Hexxus, un ser formado por todas las vilezas que esta sociedad promueve, como el petróleo o la basura.

Una obra que, en su momento, fue totalmente infravalorada a nivel de taquilla, desplazada por la sombra de las compañías más poderosas, que siempre han acechado a proyectos así. Su trama, sustentada en una cuestión excesivamente conocida y utilizada, nos recuerda a las posteriores “Pocahontas” (Mike Gabriel y Eric Goldberg, 1995), “Tarzán” (Kevin Lima y Chris Buck, 1999) o, la más espectacular, “Avatar” (James Cameron, 2009). 

EL PESO DE LA SOCIEDAD (1985)

Para la cineasta belga Nicole Van Goethem, “Una Tragedia Griega” fue su obra más importante, aunque su papel como directora ha sido verdaderamente escaso, dedicándose, en su mayoría, al departamento de animación de otros proyectos. Con pocos años de trayectoria cinematográfica, este cortometraje le llevó a conseguir el Gran Premio del Festival de Annecy en 1985 y, de mayor repercusión, el Oscar al Mejor Cortometraje de Animación tan sólo un año después, galardones con los que la autora consiguió darse a conocer.

En clave de comedia, nos presenta a tres entrañables mujeres que, sustituyendo a unas columnas, sujetan un clásico templo de corte griego que ya está prácticamente en ruinas. Apenas pueden moverse porque, cualquier movimiento en falso, hará que inevitablemente se derrumbe el edificio. El metraje es humilde y sencillo tanto en narración como en trabajo artístico, con colores neutros, que remarcan los pequeños detalles; y un gran contraste entre sombras y luces.

UN PAJARO ENJAULADO (1991)

Es innegable que el director chino Zhang Yimou utiliza las técnicas cinematográficas con total maestría. Integrante de la conocida Quinta Generación de cineastas chinos, el autor ha visto cómo algunas de sus obras han sufrido la represión en su propio país, pero eso no ha impedido que su carrera despegara incluso en el paraíso comercial de Hollywood. Sus inicios en la fotografía de cine han marcado toda su trayectoria, puesto que no hay duda de que toda imagen que pasa por sus manos, está detalladamente realizada con una arquitectura cuidada de forma minuciosa. Todo un ejemplo de cómo el cine puede asombrar visualmente y descubrir mundos inimaginables.

“La Linterna Roja” fue su cuarta película y, por desgracia, la segunda que caía en manos de la censura tras el estreno de “Semilla de Crisantemo” (1990). Inspirada en la China de los años 20, la historia se centra en Songlian (Li Gong), una joven de buena familia que debe abandonar su carrera académica tras el fallecimiento de su padre. Su destino ya está escrito y, como mujer, debe casarse. En vez de escoger a un hombre corriente y vivir en pareja por siempre, decide entregar su vida a Chen Zouqian (Jingwu Ma), señor de gran poder adquisitivo que reside en su palacio con tres esposas más. Recluida entre las cuatro paredes de su habitación, empieza a comprender que la elegida por el maestro recibe favores y cuidados mejores que las demás. Por eso, ser la primera dama le lleva a emprender una lucha competitiva, alimentada por la envidia, el odio y los juegos sucios, con las otras tres mujeres para conseguir que el patio de sus aposentos sea iluminado por linternas rojas como señal de que es la favorita y que los sirvientes marcan a través de una orden militar gritada a voces.

EL BENEFICIO PROPIO (2008)

Una de las críticas más habituales que solemos recibir es la alineación a la que nuestra sociedad se somete, una idea que queda fielmente reflejada a través de la mejor obra del director e ilustrador argentino Santiago Bou Grasso, “El Empleo”. Un cortometraje que recibió el Gran Premio del Jurado en el Festival ANIMA y el Premio FIPRESCI del Festival de Annecy hace seis años. Todo un orgullo para el cineasta, que, a pesar de contar con cuatro metrajes, tan sólo éste ha recibido atención.

El protagonista forma parte de un universo en el que las personas son utilizadas como objetos. Así es como podremos ver a hombres-lámpara, hombres-espejo, hombres-semáforo, etc. Un sinfín de elementos cotidianos que expresan una reflexión verdaderamente contundente y es que el ser humano utiliza a sus iguales con el objetivo de sacar provecho y prosperar; y como símbolo del propio sistema en el que convivimos. Una vida rutinaria en la que el trabajo es lo más importante.

La cinta está construída por el mismo autor, con dibujos animados artesanales, es decir, realizados sobre papel como aquellas clásicas animaciones de las que disfrutábamos de pequeños. Los toques de acuarela en los fondos ayudan a centrarse más en los personajes, mientras que la elección de colores neutros y suaves proporcionan un mayor énfasis en la trama, que es lo que realmente adquiere mayor interés.

Dentro de su imaginario, “El Empleo” nos presenta un mundo más real de lo que nos gustaría, a través de nuestras debilidades y nuestro lado más oscuro, desesperanzado y desolador. Una triste verdad que no solemos apreciar debido a la frenética y estresante vida en la que nos encontramos y que, tras esa máscara de abstracción de nuestros propios problemas, rebela una tétrica existencia que demuestra estar por encima de todo.

UNA ILUSIÓN DELIRANTE (1928)

El nazismo se encargó de destruir muchas obras artísticas antes de su caída y, entre ellas, se encuentra “Fantasmas Antes del Desayuno” (“Vormittagsspuk”), un cortometraje cuya versión sonora original, por desgracia, también desapareció. No obstante, en estos últimos años se ha intentado recrear esa esencia a través de nuevos audios por parte de los músicos Ian Gardiner y Jean Hasse.

Unas imágenes verdaderamente entretenidas en las que los personajes interactúan con objetos que cobran vida, alzándose y rebelándose contra ellos. Sombreros, corbatas, mangueras, piezas cotidianas en movimiento, una cuestión que, por entonces, era bastante recurrente en los primeros coqueteos con el cine de ciencia ficción. Elementos inanimados que tienen actividad, lo que nos lleva a la fantástica cinta del austríaco Fritz Lang, “Metrópolis”, que un año antes daba muestras de ello de una forma más extensa.

Como ejemplo del movimiento dadaísta, resulta toda una provocación para el séptimo arte visto hasta aquel momento. El propio autor, Hans Richter, comparte protagonismo con el compositor francés Darius Milhaud, la esposa de éste y actriz, Madeleine; y el violinista alemán Paul Hindemith, que además contribuyó con la composición de la banda sonora.

Con ausencia de una narrativa de cierto sentido, trabajo del artista Werner Graeff, se suceden las escenas una tras otra sin un orden establecido, mientras que la fotografía viene a cargo del cineasta Reimar Kuntze, que lograría atesorar una carrera verdaderamente extensa en cuanto a metrajes, pero no en cuanto a años de vida.

EL CASTIGO DE LA INMORTALIDAD (1983)

El vampiro es el ser sobrenatural sobre el que más se ha hablado. El séptimo arte siempre le ha incluido en películas de terror que, además, suelen poseer una trama paralela de romance o drama y, posiblemente, ese sea el mayor de sus poderes, si somos realistas. Ciertos actores también se han visto “encadenados” a su presencia y, sin querer, automáticamente les relacionamos con este ser mítico. Así es como Bela Lugosi, Christopher Lee o Gary Oldman son los más conocidos gracias a su personal interpretación de Drácula.

La mujer, en cambio, siempre suele ser la compañera, víctima o el objetivo romántico del protagonista. En este caso, tenemos uno de los pocos casos en los que ésto no se cumple. “El Ansia” fue la obra con la que el director británico Tony Scott (sí, el hermano de Ridley) lanzó su carrera en Hollywood. Inspirado estéticamente en el famoso libro de la escritora Anne Rice, “Entrevista con el Vampiro”; y basado en la novela homónima del escritor norteamericano Whitley Strieber, la protagonista, Miriam Blaylock (Catherine Deneuve), se alimenta de almas y amantes bajo la identidad de una coleccionista de reliquias del Renacimiento y el Antiguo Egipto. John (David Bowie), su romance actual, comienza a ver las consecuencias de jugar con el tiempo y la inmortalidad.

Con este modesto proyecto, aunque no por su fabuloso casting, el autor se lanzaba a los brazos del comercio cinematográfico estadounidense, de un público que no supo valorar su esfuerzo y de una crítica que no vio con buenos ojos su estreno. Como ya sabemos, no es la primera cinta independiente que se revaloriza con el paso de los años, convirtiéndose, a día de hoy, en toda una película de culto, sobre todo, para los fans de Bowie, quienes han premiado, con el paso del tiempo, la auténtica actuación del cantante, cuya vampirizada estética está en maravillosa sintonía con la narración. Igualmente, Deneuve hace un despliegue de todos sus elegantes y sensuales encantos, como cabía esperar. La actriz es impecable en sus trabajos y fue todo un acierto entregarle el papel protagonista. 

UN CUENTO EXCESIVAMENTE DULCE (2015)

A estas alturas, es raro que alguien no conozca mínimamente la historia de “Cenicienta”. El clásico de Disney cobra vida (como muchos otros) de la mano del respetado director irlandés Kenneth Branagh, un amante del cine y el teatro a partes iguales y es que sólo hay que ver su filmografía para darnos cuenta de que al autor le apasionan los grandes literatos. Como cabía esperar, el famoso cuento viene cargado por un exceso de dramatismo que pone histérico al más calmado.

Con alguna que otra variación con respecto a la trama de dibujos animados, encontramos ciertos detalles que nos evocan a otras películas de la compañía, como “La Bella Durmiente”. Unos pequeños guiños que refrescan la archiconocida vida de la protagonista y que, al menos, consiguen mantener el hilo de una narración que aprueba por los pelos. La princesa, que había sido olvidada por las nuevas generaciones con corona, tiene una imagen más fresca y renovada gracias a la interpretación de una cándida Lily James, Ella, que cumple con el arquetipo de belleza y con el papel de mujer con excesiva fragilidad psicológica que se rige por valores idealistas de bondad y valor, aunque la última cualidad no salga a relucir hasta los últimos minutos. Igualmente, su facilidad para perdonar (en cuestión de segundos), nos hace mostrar una extraña mueca que no dejaríamos pasar en otros trabajos, pero que, en esta ocasión, teniendo en cuenta que se trata de una producción de corte infantil, no nos queda más remedio que aceptar.

Inigualable es, sin duda, la actuación de una Cate Blanchett malvada como pocas y que resulta ser todo un acierto en cuanto al casting escogido. Por otro lado, una edulcorada Helena Bonham Carter como Hada Madrina choca en demasía con las anteriores facetas adoptadas a lo largo de su carrera. Más bien, nos recordaría a sus comienzos con aquellos papeles de época de una jovencísima e inocente actriz. Por su parte, poco queda por decir de un correcto Richard Madden encarnando al típico príncipe ideal que busca el amor verdadero y no un matrimonio concertado (el eterno dilema de siempre).